Таблица. Архитектура

1.

Инструкция
• Вся таблица представлена на 3 слайдах. Чтобы перейти к
информации того или иного раздела, нужно кликнуть на слова,
подсвеченные вот так: Архитектура
• Чтобы вернуться к разделам таблицы, нужно кликнуть на кнопку
• Чтобы переключаться между страницами таблицы и текстом,
который не вошел на один слайд, нужно использовать кнопку
• Некоторая часть таблицы по Италии не вошла. Чтобы увидеть
более подробный кусок про нее, нужно нажать на кнопку
• Чтобы завершить показ слайдов, нужно нажать на кнопку
Перейти к таблице

2.

Декоративноприкладное
искусство
Архитектура
Скульптура
Монументальная живопись
Миниатюра
Готика
Архитектура
Живопись
Миниатюра
Скульптура
Романика
Архитектура
Готика
Архитектура
Живопись
Живопись
Скульптура
Скульптура
Романика
Архитектура
Живопись
Скульптура
Проторенессанс
Архитектура
XVII
XVI
Возрождение
Архитектура Архитектура
Живопись Изобразительное
Скульптура
искусство
Возрождение
Архитектура
Изобразительное
искусство
Изобразительное
искусство
Раннее
Возрождение
Высокое Позднее
Возрожде
Возрожд
ние
ение
Изобразительное
искусство
Романика
Миниатюра
Архитектура
Монументальная живопись
Скульптура
XV
XIV
XIII
XII
XI
X
IX
VIII
VII
V
IV
III
II
I
VI
Архитектура
Романика
Архитектура
Живопись
Миниатюра
Скульптура
Готика
Архитектура
Живопись
Скульптура
Возрождение
Живопись Архитектура
Скульптура
Живопись

3.

XVII
XVI
XV
XIV
XIII
XII
XI
X
IX
VII
VI
V
IV
III
II
I
VIII
Возрождение
Архитектура Архитектура
Скульптура
Живопись
Живопись в
Северных
Нидерландах
Романика
Миниатюра
Миниатюра
Готика
Живопись
Романизм
Поздний
романизм
Возрождение
Архитектура
Архитектура
Скульптура и живопись
Изобразительное
искусство

4.

Византийское искусство
(IV)V-VII веков
Искусство
периода
иконобор
чества
Миниатюра
Прикладное искусство
Живопись
Архитектура
Архитектура
Декоративноприкладное
искусство
Живопись
XVII
XVI
XV
Миниатюра
Иконопись
Прикладное искусство
XIV
XIII
XI
X
IX
VIII
VII
VI
V
IV
III
II
I
XII
Живопись
Монументальная живопись

5.

XVII
XVI
XV
Раннее Возрождение
Искусство
Флоренции
Искусство
Флоренции
Архитектура
Скульптура
Живопись
Искусство Средней
Италии вне
Флоренции
Искусство Средней
Искусство
Италии вне
Флоренции
Северной Италии
Архитектура
Искусство Падуи
Искусство Феррары
Живопись
Искусство Болоньи
Искусство
Северной Италии
Архитектура
Изобразительное
искусство
Высокое
Возрождение
Позднее Возрождение
Искусство
Северной
Италии
Архитектура
Искусство Средней
Италии и
Ломбардии
Изобразительное
искусство
Искусство
Венеции
Архитектура
Живопись
Архитектура
Изобразительное искусство
(Маньеризм)
Искусство Венеции
Архитектура
Живопись
Искусство
Венеции
• Е.С. Кочеткова. ARS VS. NATURA: МАНЬЕРИСТИЧЕСКАЯ ТЕОРИЯ.
ИСКУССТВА И САДЫ ИТАЛИИ XVI−XVII вв.
Архитектура
Живопись
• Екатерина Тараканова. Художественный ансамбль капеллы
Никколина в Ватикане. Папская власть и искусство Рима.

6.

Франция. Романика. Архитектура.
• Архитектура Франции выработала целый ряд разнообразных конструкций, обеспечивающих
надежность сводов. Строители возводили зальные церкви с кораблями равной или почти
одинаковой высоты. Примеры: храмы провинции Овернь (Потр-Дам-дю-Пор в КлермонФерране_ и Пуату (Нотр-Дам-ла-Гранд в Пуатье). Иногда, чаще всего в юго-западной
Франции, применялись купольные конструкции (пятикупольный собор Сен-Фрон в Периге,
собор Сен-Пьер в Ангулеме). В других случаях облегчали тяжесть центрального свода,
придавая ему стрельчатое сечение и вводя опорные арки (церковь монастыря Клюни, собор
Сен-Лазар в Отене).
• Большинство романских храмов Франции отличается своеобразным устройством восточной
части. Вокруг апсид создается обход, являющийся как бы продолжением боковых нефов –
так называемый деамбулаторий. Деамбулаторий часто окружен венцом небольших
апсидиол. Размеры и декорировка романских церквей Франции очень различны. Важные
памятники: храмы Сент-Фуа в Конке и Сен-Сернен в Тулузе, храм аббатства Клюни.
• Особенность романской архитектуры – ее слитность с пейзажем (Сен-Мишель д’Эгиль).
Выдающиеся сооружения гражданской архитектуры: дворцы в Сент-Антонене и Оксерре.
Также известен замок в развалинах Шато-Гайар на Сене.

7.

Франция. Романика. Живопись.
• В романский период в убранстве церквей Франции были широко
распространены монументальные росписи двух групп. Первая
характеризуется светлыми тонами, часто состоящими из широких
горизонтальных полос разной окраски, резкими контурами,
плоской трактовкой форм. Для второй показательны синие фоны,
богатый колорит. Пример «светлых тонов» - фрески церкви СенСавен-сюр-Гартан в области Пуату (сцены из «Апокалипсиса»,
«страстей» Христовых). Пример «синих фонов» - фрески церкви
аббатства Клюни. Близок к монументальной живописи по стилю и
назначению «Ковер из Байе» с вышитыми сценами завоевания
Англии норманцами.

8.

Франция. Романика. Миниатюра.
• Миниатюра представляет зависимость от раннероманской
миниатюры школ Испании и Англии. Пример: экземпляр
«Апокалипсиса» из Сен-Севера. Влияние английской миниатюры
сказывается в Бургендии и северных районах Франции. Пример:
Библия, принадлежащая Этьену Хардингу, основателю монастыря
Сито.

9.

Франция. Романика. Скульптура.
• Первые произведения романской скульптуры Франции возникли на рубеже XI – XII веков и
представляют попытки создания новой скульптурной капители с изображениями
человеческой фигуры. Одновременно на юге и востоке Франции появляются чисто
плоскостные рельефы с минимальной моделировкой форм. Романская скульптур вступила в
расцвет около 1100 года. Скульптурные изображения широко используются для
декорировки фасадов церквей. Замечательными творениями являются рельефные
композиции над порталами храмов Лангедока и Бургундии. Один из самых ранних
романских тимпанов украшает главный вход церкви монастыря Сен-Пьер в Муассаке
(Лангедок). Также важными являются «кариатиды» церкви Сен-Пьер в Болье,
декорирующие столб под тимпаном с изображением «Страшного суда», рельеф тимпана
собора Сен-лазар в Отэне. Почтив каждом романском храме Франции имеется множество
скульптурных капителей с разными сюжетами.
• Несколько иной характер имеет скульптура Прованса, области, примыкающей к Италии.
Здесь преобладают традиции классической античности. Об этом говорят оформление
порталов наподобие римских триумфальных арок, наличие длинных скульптурных фризов,
большие фигуры, выполненные высоким рельефом. Важнейшими памятниками романской
скульптуры Прованса являются рельефы фасада церкви Сен-Трофим в Арле и монастырского
храма Сен-Жилль-дю-Гар. Важным памятником скульптуры также является «Королевский
портал» собора в Шартре.

10.

Франция. Готика. Архитектура.
• Готический стиль архитектуры возникает во Франции около середины
XII века. Шедевр ранней готики: собор Парижской Богоматери. От
зданий зрелой французской готики он отличается большей
массивностью форм. Также важным является Реймский собор.
Архитектурным творением зрелой готики является верхняя церковь
Сент-Шанелль в Париже. В поздней готике Франции декоративные
формы приобретают прихотливый, затейливый характер (Памятная
башня в Авиото, портал собора в Альби)
• Наряду с церковным строительством с готический период, особенно с
XV века, получается развитие гражданская архитектура. Усиливаются
оборонительные сооружения в замках. В замковой ограде, помимо
дожона, теперь постоянно воздвигаются постройки дворцового типа.
Примеры: замок Венсан, Пьерфон.

11.

Франция. Готика. Скульптура.
Ранняя готическая скульптура представлена на порталах трансепта собора в Шартре. Строители перенесли основную массу изображений на
фасады трансета. Большой интерес представляла статуарная пластика собора: ветхозаветные цари и пророки на центральном портале
северного фасада. Ранним готическим статуям присущи сохранившиеся от романского периода напряженность позы и строгий параллелизм в
постановке ног. Некоторое отклонение от строгой фронтальности, легкий сгиб в коленях сообщают им большую непринужденность («Встреча
Марии и Елизаветы»). В дальнейшем во французской скульптуре наблюдаются усиление рельефности в моделировке и поиски живописных
эффектов (фигура святого Фирмена на левом портале западного фасада собора в Амьене). Одна из вершин достижений готической
скульптуры – статуя Христа на среднем портале западного фасада Амьенского собора. Стиль драпировок, отличающий эту статую, становится
господствующим в середине XIII века. Тогда же достигает полного развития мотив постановки фигуры с неравномерным распределением
тяжести корпуса на обе ноги. Очертания статуи приобретают дугообразный изгиб.
Типичные для статуарной скульптуры первой половины XIII столетия лаконичность и обобщенность форм сменяются около середины века
стремлением к большей детализации, живости движений и мимики. Усиливается и реалистическая направленность.
Эволюцию французской скульптуры в середине и второй половине XIII столетия можно проследить на статуях порталов западного фасада
собора в Реймсе («Встреча Марии с Елизаветой»). В середине века появляются новые традиции, проявившиеся в трактовке фигур группы
«Принесение во храм». Декоративность и сильный налет светской культуры становится широко распространенным с третьей четверти XIII
века (статуарные изображения апостолов из Сент-Шанелль в Париже, «Золоченая Мадонна»). Последняя фаза развития скульптуры XIII века
характеризуется усилением интереса к окружающей действительности (пять фигур музыкантов, помещенных в нишах второго этажа на
фасаде дома цеха музыкантов в Реймсе).
Процесс стилистической эволюции готической скульптуры XIII столетия находит отражение и в рельефах (тимпан левого портала на западном
фасаде собора Парижской Богоматери, посвященный «Успению и коронованию Марии», «Страшный суд» на центральном портале южного
фасада трансепта в Шартре). Интерес к человеку и влечение к анекдотичности рассказа нашли выражение также в изображении сцен из
жизни святых (тимпан с «Историей святого Стефана».
XIV век ознаменован в целом качественным снижением монументальной скульптуры. С Середины XIV века наблюдается развитие и быстрый
рост портретной скульптуры (статуи короля Карла V и его жены Жанны Бурбонской).

12.

Франция. Готика. Живопись.
• Видное место в декорировке готических храмов занимали витражи с
сюжетами из Ветхого и Нового заветов, житий святых, исторических
хроник и литературных произведений. Их золотым веком было XIII
столетие. Лучше всего сохранились витражи XIII века в соборе Шартра,
Сент-Шанелль в Париже, соборах Анжера и Буржуа. Ранний витраж
отличается чрезвычайной интенсивностью и чистотой красок, среди
которых преобладают красная, синяя и оранжевая. Соединяющая
кусочки стекла свинцовая перемычка играет роль контурной линии. В
дальнейшем краски становятся светлее, появляется монохромность. В
XIV веке получают распространение архитектурные фоны в
крупнофигурных изображениях (Мадонна с младенцем и
коленопреклонённым заказчиком из собора в Эвре).

13.

Франция. Готика. Миниатюра.
• История французской миниатюры делится на два периода: первый - с 1200 по 1250
год, второй охватывает вторую половину века. Основным фактором,
определяющим стиль первого из этих периодов, является влияние искусства
витража. Шедевром этого стиля считается «Псалтирь» королевы Бланки
Кастильской. Со второй половины XIII века элементы готической архитектуры
проникают в иллюстрацию. Колорит становится светлее. Появляются комические
фигурки и сцены, не имеющие никакого отношения к тексту («дролери»). Высшее
достижение французской миниатюры второй половины XIII века считается
«Псалтирь» Людовика Святого. Во второй четверти XIV века ведущее место в
Париже Занимает мастерская Жана Пюселя, создающего новый стиль украшения
рукописей. Он вставлял в колонки текста красочные картинки, уделял внимание
декорировке листа («Белльвильский бревиарий»). Со второй половины XIV века
развитие французской миниатюры ускоряется. Новшеством стало распространение
монохромной живописи. Широкое распространение получает портрет.
Крупнейшими мастерами французской миниатюры последних десятилетий XIV века
были Андре Боневе, Жакмар д’Эсден. Процесс развития миниатюры XIV века
завершается творчеством «мастера часослова маршала Бусико».

14.

Франция. XV век. Архитектура.
• В XV веке готика вступает в новую, последнюю фазу развития,
получившую название «пламенеющая готика». Строительство
новых собор прекращается, и главное внимание уделяется
украшению и расширению старых зданий, к которым
пристраивают колокольни и башни, а также пышные порталы и
паперти. Я ряде северных и западных городов строятся ратуши.
Возникает новый тип богатого особняка, приходящего на смену
укреплённому жилищу феодала (дом богатого финансиста
французского короля Карла VII Жака Кера в Бурже).

15.

Франция. XV век. Скульптура.
• До последней трети XV века в скульптуре Франции господствуют
консервативные готические традиции. Видная роль принадлежит
в это время бургундской школе Клауса Слютера. Вреди ряда
гробниц, примыкающих к типу созданных Слютером, своей
оригинальностью и суровым величием привлекает особое
внимание гробница Филиппа По, в которой саркофаг заменен
катафалком, поддерживаемым восемью большими фигурами
плакальщиков. Большое распространение получает статуарная
пластика (статуи Мадонны и различных святых), утратившая
отныне тесную связь с архитектурой. Особенно характерны для
этого периода монументальные группы «Положения во гроб» и
«Оплакивания».

16.

Франция. XV век. Живопись.
• Главными художественными центрами были область реки Луары с городами Тур и Буурж, расположенный несколько жнее
Мулен, и на юге Авиньон и Экс.
• Главой Турской школы был крупнейший французский художник XV века Жан Фуке. Интерес к конкретным явлениям
действительности, точносттью и объективностью наблюдения сочетаются в его творчестве с очень развитым чувством
пластической формы и стремлением к ясности, размеренности и упорядоченности. Он моделирует лица широкими
планами, стремясь передать лишь основное, опуская детали. Не приукрашивая свои модели, художник придает им
значительность, соответствующую высокому социальному положению («Карл VII»). К наиболее значительным
произведениям художника относится диптих, впоследствии разъединенный. На левой его створке изображены «Этьен
Шевалье и святой Стефан», на правой – «Мадонна с младенцем». «Портрет Жювеналя дез Юрсен» отличает от более
ранних работ только обработанная в стиле итальянского Ренессанса стена, на фоне которой выделяется грузная фигура
канцлера. К самому драгоценному наследию Фуке относятся восхитительные миниатюры, которыми он украсил ряд
рукописей, прежде всего «Иудейские древности», «Часослов Этьена».
• Крупное значение принадлежало в XV веке школе Прованса. К выдающимся произведениям этой школы принадлежит
«Благовещение» анонимного художника, известного под именем «Мастера Благовещения из Экса». Значительной
стилистической близостью к «Мастеру Благовещения» отличается один из самых замечательных памятников книжной
миниатюры XV века – рукопись аллегорического романа «Сердце, объятое любовью», автором которого был герцог Рене
Анжуйский. С именем Рене Анжуйский связано и наиболее известное произведение Никола Фромана «Неопалимая
купина».
• Наряду с Эксом крупным художественным центром провансальской школы был Авиньон, где искусство носило строгий
церковный характер. Наиболее выдающееся произведение авиньонской школы, проникнутое суровым драматизмом –
«Оплакивание Христа» из вильнев-лез-Авиньон. Автор этого шедевра неизвестен, но стилестически он тесно связан с
достоверными работами работавшего здесь Ангеррана Картона – автора «Коронования Богоматери».
• Крупнейшим художником Франции конца XV века был так называемый Мастер из Мулена, работавший при дворе герцогов
Бургундских. Его точный, твердый рисунок отличается изяществом и элегантностью. К самым известным его
произведениям относятся «Портрет неизвестного со святым Маврикием» и «муленский триптих».

17.

Франция. XVI век. Архитектура.
• В развитии французской архитектуры XVI века можно выделить два этапа. Первый из них
охватывает время с начала столетия до начала 1540-х годов, второй – середину и вторую
половину века. Вначале возникали сооружения, общий замысел и композиция которых
были еще целиком связаны с традициями готического зодчества, но в их декоративных
элементах уже явно сказывалось воздействие итальянских приемов (замок Гайон, алтарная
часть церкви Петра в Кане, церковь Евстафия в Париже). Далее появляются уже постройки, в
которых можно видеть более органическое сочетание тех и других элементов («корнус
Франциска I» в замке в Блуа). Наиболее крупным и значительным сооружением этого
времени является замок Шамбор. В нем примечены еще многие характерные элементы
замка-крепости. Однако в отличие от прежних построек этого типа, здание симметрично по
общей композиции. Под значительным воздействием загородных дворцовых сооружений
формируется в эти годы и облик городского жилого дома.
• В 1540-х годах начинают свою деятельность наиболее крупные французские зодчие XVI
века: Пьер Леско, работавшим со скульптором-декоратором Жаном Гужоном и Филибер
Делорм. Из работ, выполненных совместно Леско и Гужоном, наиболее значительной
является строительство дворца Лувр в центре Парижа. Среди многочисленных построек Ф.
Делорма следует отметить гробницу Франциска I в церкви аббатства Сен-Дени под Парижем
и загородный дворец в Анэ. Для Парижа Делормом был разработан проект большого
дворца Тюильри.

18.

Франция. XVI век. Изобразительно
искусство.
Французское искусство первой четверти XVI века. Этот период носит переходный характер. В ряде областей Франции скульпторы продолжают работать в готических
традициях. В то же время заметно усиливается влияние Италии. Приглашаются Итальянские мастера, среди которых выделяются братья Джусто. С их именем связана
гробница Людовика XII. Крупным французским мастером этого времени был Мишель Коломб, творчество которого известно нам по его поздним произведениям –
гробнице герцога Бретанского Франциска II и рельефу «Святой Георгий поражает дракона» для замка Гайон.
Жан Бурдишон был последним из больших мастеров книжной миниатюры. Продолжая традиции позднеготической живописи, он достигает изумительного мастерства в
передаче растений, насекомых, архитектурных деталей, однако в его работах мало живого чувства. В своих работах он неоднократно воспроизводил композиции
итальянских живописцев («Часослов Анны Бретанской», «Послания Иеронима»). Большой известностью пользовался у современников Жан Перраль – разносторонний
художник. Портреты его работы продолжают традиции XV века.
Французское искусство середины и второй половины XVI века. Главным памятником нового искусства и его рассадником был замок Фонтенбло, для декоративного
убранства которого были приглашены в 1530 году флорентинец Россо и в 1532 году Франческо Приматиччо. Эти мастера принесли во Францию новые представления о
красоте, приобщили французов к художественным идеалам Высокого Возрождения. Станковая живопись занимает во французском искусстве XVI века значительно
меньшее место, чем в искусстве других стран этого времени.
Современники высоко ценили Жана Клуэ – выходца из Нидерландов. Немногие достоверные его работы («Мужской портрет») характеризуют его как художник, связанного
со старой нидерландской традицией.
Значительно более крупной фигурой был сын и приемник Жана Клуэ – Франсуа Клуэ. Его наиболее ранняя работа, относящаяся к периоду зрелости мастера, - «Портрет
ученого аптекаря Пьера Кюта» - сочетает нидерландскую живописную технику с типом портрета, созданного во Флоренции. Его придворные портреты («Карл IX»,
«Елизавета Австрийская») соединяют холодную представительность и строгую сдержанность с правдивой передачей внешних черт моделей.
Среди немногих живописце заслуживает быть упомянутым Жан Кузен Старший, которому принадлежит первая во французском искусстве картина, изображающая
обнаженную женскую фигуру. Его «Ева», лежащая на фоне пейзажа, отличается холодной красотой. Он исполнял также картоны для шпалер и витражей и написал
руководство по перспективе.
Первое по своему художественному значению место во французском искусстве Возрождения принадлежит скульптуре. Немаловажное значение имело пребывание во
Франции в 1540-1545 годах Бенвенуто Челлини, из ряда работ которого, выполненных в это время, схранились лишь знамениттая золотая солонка Франциска I и бронзовый
рельеф «Нимфа Фонтенбло».
Крупнейшим скульптором французского Возрождения был Жан Гужон. Наиболее значительным его произведением раннего периода надгробный памятник Луи де Брезе в
Руанском соборе. С 1544 года Гужон работал в Париже в сотрудничестве с архитектором П. Леско над амвоном церкви сен-Жермен л’Оксеруа, выполнив для него пять
рельефов: четыре фигуры евангелистов и «Оплакивание Христа». Самые знаменитые и зрелые произведения Гужона – «Фонтан нимф» и его работы в Лувре совместно с П.
Леско.
Преемником Гужона явился Жермен Пилон. Он сосредоточил свое внимание не на рельефе, а на монументальной скульптуре. К его наиболее известным произведениям
относятся две гробницы Генриха II. Первая из них представляет группу Трех Граций, на голове которых покоится урна с сердцем короля. Потрясающей силы в изображении
обезображенного смертью прекрасного человеческого тела достиг Пилон в более поздней гробнице Валентины Бальбиани, жены канцлера Рене де Бираг. Пилону
принадлежит также несколько портретных бюстов.
Среди мастеров, работавших вне Парижа, привлекает внимание лотарингец Лижье Ришье. Фантастика и повышенная эмоциональность отличают созданный им
надгробный памятник Рене де Шалону.

19.

Германия. Романика. Архитектура.
• В архитектуре Германии формы романского стиля появились очень рано.
Здесь были выработаны некоторые новые типы базилики. Наиболее
распространенным является тот, который характеризуется появлением с
западной стороны здания второй апсиды, а иногда даже и трансепта. ВО
внешнем облике базилик большую роль играют башни фасадов и
средокрестья (Михаельскирхе в Хильдесхайме и Кириакскирхе в Герироде). В
XII веке романская архитектура Германиивступает в полосу расцвета,
строительная деятельность сосредоточена в области среднего Рейна. Для
зданий характерна устремленность вверх. Для планов церквей типично
наличие наряду с восточным также и западного хора. Важным
нововведением в конструкцию была замена в конце XII века
первоначальных деревянных перекрытий центральных нефов крестовыми
сводами. В качестве опор в аркадах были возведены мощные столбы с
примыкающими к ним полуколоннами. Важные гражданские сооружения:
остатки дворца в Госларе, замок Вартбург, ратуша в Гельнхаузене.

20.

Германия. Романика. Живопись.
• Золотым веком немецкой живописи был рубеж X и XI столетий –
период Оттоновской династии. Искусство носит переходный характер.
Главным художественным центром было бенедиктинское аббатство на
острове Рейхенау, где с конца X века сформировалась ведущая
живописаня школа. Сохранился цикл монументальных росписей над
аркадами главного нефа монастыря Оберцелле на острове Рейхенау.
• Высокого расцвета достигла книжная миниатюра. Особенности
оттоновского искусства проявились в многочисленных памятниках
миниатюры, вышедших из скрипториев Рейхенау. Здесь уже к началу
XI века вырабатываются приемы линейно-плоскостного стиля. Из
рукописей известны «Евангелие Оттона III», «Бамбергский
Апокалипсис», «Книга евангельских чтений Генриха II».

21.

Германия. Романика. Скульптура.
• Скульптура в оттоновский период не получила значительного
развития. Самым крупным событием было создание знаменитых
бронзовых дверей собора в Хильдесхайме. От периода зрелого
романского стиля (XI – XII вв.) дошли изделия из бронзы, дерева и
стука, украшавшие интерьеры церквей. Складываются формы
«строгого стиля» в скульптуре Германии (надгробие погибшего в 1080
году). Развитие этого стиля можно проследить на примере деревянных
распятий XII века («Распятие Имериарда»), фигуры-светильника из
бронзы, так называемый «Вольфрам», бронзового льва перед замком
Данквардероде в Брауншвейге.
• В последние десятилетия XII века в немецком искусстве на смену
памятникам «строгого стиля» приходит преувеличенная динамика,
острый интерес к индивидуальности форм. Пример: рельеф алтарной
преграды Бамбергского собора.

22.

Германия. Готика. Архитектура.
• Готическая архитектура Германии – прежде всего городская архитектура. XIII
век был здесь временем строительства больших городских соборов.
Немецкая готика сложилась под влиянием французской. Большинство
немецких храмов существенно отличается от французских образцов.
Наиболее знаменитый собор – собор в Кельне.
• В Германии был выработан тип однобашенного главного фасада (соборы во
Фрейбурге и Ульме). Еще более характерен для Германии тип церкви, где
центральный и боковые нефы имеют одинаковую или почти одинаковую
высоту, так называемый зальный тип. Северная Германия вырабатывает
самостоятельный стиль кирпичной архитектуры, отличающийся большей
тяжеловесностью форм. Как в церковных, так и и в светских зданиях
большое место занимают плоскости стен, прерываемый стрельчатыми
оконными или дверными пролетами (монастырская церковь в Хорине).

23.

Германия. Готика. Скульптура.
• В монументальной скульптуре Германии можно найти немало
отзвуков искусства Франции. Программа скульптуры немецких
соборов не столь обширна, но более разнообразна, чем во Франции.
Особенностью немецкой скульптуры является присущий ей интерес к
индивидуальному и стремление к драматизации. Переход от
романского стиля к готике можно проследить на примере скульптуры
собора в Бамберге. Появление изображений конкретных исторических
персонажей стимулировало развитие интереса к портретности.
• Среди мастеров, возвратившихся в 30-40-х годах XIII века из Франции,
был создатель скульптуры западного хора собора в Намбурге.
Намбургский мастер выполнили в 1255-1265 годах рельефы алтарной
преграды западного хора собора с изображением «Страстей
Христовых», группу «Распятие с предстоящими» и 12 статуй
основателей храма в самом хоре.

24.

Германия. Готика. Живопись.
• В немецкой живописи готического периода наиболее интересны
миниатюры рыцарской и бюргерской литературы. «Рукопись
Манессе» - сборник песен миннезингеров с миниатюрами,
изображающими любовные сцены, рыцарские турниры,
состязания певцов и т.д.

25.

Германия. XV век. Изобразительное искусство.
Немецкое искусство в первых десятилетиях XV века. В начале XV века наиболее оживленной была художественная жизнь северонемецких городов. Здесь складывается утонченное, рафинированное искусство,
связанное с традицией позднеготической миниатюры. В живописи здесь сохраняются золотой фон и плоскостная трактовка фигур, их разномасштабность. О некотором изменении настроений и вкусов свидетельствуют
лишь стремление к лирической и интимной интерпретации религиозных сюжетов. Нарядные, яркие краски, а также особая текучесть линий характерны для живописи этого круга.
Мастер Николаус Франке работал в первой трети XV века. Среди его произведений является важной картина «Поклонение младенцу» из «Алтаря Фомы Бакета». Вместо традиционного изображения «Рождества
Христова» художник избрал здесь новый вариант этого сюжета – изображение коленопреклоненной Марии, склоняющейся с молитвенно сложенными руками перед лежащим на земле нагим младенцем Христом.
Отсутствие чувства пространства, золотой фон, плоскостность и бестелесность фигур – все говорит об архаичности этого алтаря, еще не выходящего в целом из рамок готического стиля.
Черты готичности сохраняет и южнонемецкая живопись начала XV века. Одним из лучших произведений этого круга является картина неизвестного мастера верхнерейской школы «Райский садик». Здесь в обнесенном
глухой крепостной стеной зеленом саду, среди цветов и порхающих птиц, находятся Мария, Христос и шесть святых.
Немецкое искусство в 30-40х годах XV века. Более решительный поворот к действительности наметился в исскусстве Германии лишь с 30-х годов. В это время ведущая роль переходит к искусству южнонемецких
областей, и в первую очередь Швабии, выдвинувшей ряд крупных мастеров, среди которых выделяются Лукас Мозер, Копрад Виц и Ганс Мульчер. Их объединяет стремление по-новому осмыслить религиозную тему.
Одним из первых произведений этого нового направления в немецкой живописи является алтарь Магдалины, сохранившийся в сельской церкви в местечке Тифенброни. Композиция росписи строится так, что три
главных изображения объединяются общей архитектурой и пейзажем в пространственное единство, расчлененное рамками створок наподобие арматуры окна. Мозер принадлежит к числу тех немецких художников
первой трети XV века, которые стремились к изображению всего разнообразия окружающего мира. Он заботится о передаче объема, намечает светотень, показывает даже падающие тени.
Следующим известным художником был Конрад Виц. Сохранилось несколько его алтарных картин, ы которых особенно обращает на себя внимание стремление художника перенести действие библейских и
евангельских сцен в реальную обстановку. Особенно большой интерес представляет в этом отношении картина «Хождение по водам» - створка написанного для собора в Женеве «Алтаря святого Петра». В
изображении пейзажа Виц отказался от золотого фона. Не менее, чем пейзаж, привлекает Вица интерьер. Так, в картине «Святые Екатерина и Магдалина» он изображает святых в галерее готической церкви.
В произведениях Ганса Мульчера все внимание обращено на выразительность действия, мимику и жесты людей. Почти всегда в его картинах дается только передний план. Фигуры в его произведениях осязаемы и
подвижны, жесты и мимика исполнены выразительности. Наиболее праславленным произведением Мульчера является храняющийся в Берлине алтарь, написанный в 1437 году. Здесь в изображении «Страстей
Христа» художник достигает настоящего драматизма. В картине «Христос перед Пилатом» он оттенил духовную крсоту Христа, поместив рядом уродливые гримасы его мучителей. Большой выразительности достигает
он также в сцене «Воскресения», где хорошо передает позы уснувших стражников и одухотворенное лицо Христа.
Самым крупным художником, работавшим в 1140-х годах в Северной Германии, был Стефан Лохнер. Этот художник писал главным образом Мадонн, сохранил в произведениях золотой фон без изображения пейзажей
и архитектуры. Его картины, однако, проникнуты тонким лиризмом. Главным произведением художника считается огромный алтарный триптих «Поклонение волхвов», написанный им около 1440 года для капеллы
ратуши по заказу городского совета. К числу значительных произведений художника принадлжеит также нписанная в 1447 году алтарная картина «Принесение во храм».
Во второй половине XV века в Кельне распространяется влияние искусства Нидерландов. Особенно сильно проявилось оно в творчестве так называемого Мастера «Жизни Марии».
Немецкое искусство во второй половине XV века. С 70-х годов наблюдается новый подъем творческих исканий, наиболее ярко проявившихся в произведениях Мартина Шонгауэра, Михаеля Пахеера и, немного
позднее, Альбрехта Дюрера. С первых шагов книгопечатания ему сопутствовала гравюра – новая техника, позволявшая размножать рисунки в значительном количестве экземпляров. Сначала гравюра была в руках
безвестных ювелиров, рисовальщиков и резчиков, но в конце XV века она перешла в руки крупных мастеров-живописцев.
Одним из первых прославленных мастеров, которые подняли искусство гравюры, был Мартин Шонгауэр. В свое время он славился как живописец. Из дошедших до нас картин художника наиболее известна «Мадонна
в беседке из роз». Графическое наследие Шонгауэра сохранилось значительно лучше его живописных работ. До нас дошло 116 резцовых гравюр и большое число рисунков. В гравюре он упорядочил штриховку,
разработал градации перекрещивающихся штрихов. Вторым его важным новшеством было введение моделировки с помощью изгибающихся по форме то сближенных, то разреженных линий. Он обогатил гравюру
достижениями современной живописи, упорядочив композиционное построение и внеся в рисунок свободу движений. В гравюрах Шонгауэра наблюдается возвращение к формам поздней готики, проявляющееся в
некоторой манерности движений, перегруженности наслоений одежд, ломкости и угловатости складок. К числу ранних гравюр принадлежит «искушение святого Антония». Так называемое «Большое несение креста»
также принадлежит к числу самых известных работ Шонгауэра. Помимо отдельных листовШонгауэр исполнил несколько вязанных общим развитием сюжета и единством формата серий гравюр: «Страсти христовы»,
«Апостолы», «Мудрые инеразумные девы», «Гербы», «Орнаменты».
Михаэль Пахер также занимал особое место в немецком искусстве. Центральное место среди дошедших до нас произведений Пахера занимает алтарь святого Вольфганга, выполненный между 1471 и 1481 годами для
паломнической церкви от Зальцбурга. Алтарь святого Вольфганга имеет две пары створок. Лишь в дни больших праздников можно увидеть убранство внутренней главной части алтаря – скульптурную группу
«Коронование Марии» и четыре живописные композиции из ее жизни. На створках пределлы изображены снаружи «отцы церкви», а внутри – «Посещение Марией Елизаветы» и «бегство в Египет». Главным
нововведением Пахера в области живописи является создание иллюзии пространственной глубины. В выполненном почти одновременно с алтарем святого Вольфганг так называемом алтаре «Отцов церкви» Михаель
Пахер настойчиво продолжает поиски новых пространственных решений. Еще большей новизной отличается решение картины «Молитва святого Вольфганга». Пахер был не только выдающимся живописцем, но и
одним из лучших немецких резчиков. В стилистическом отношении его скульптура более традиционна, чем живопись, однако стремительная динамика, создающая нерасторжимое единство фигур, смелое
исользованиеигры светотени, одухотворенность лиц позволяют причислить «Коронование Марии» к лучшим произведениям немецкой пластики.

26.

Германия. XVI века. Архитектура.
• Медленнее всего происходило развитие новых форм в архитектуре.
Архитектура Ренессанса в Германии отличалась неоднородностью в
силу политической раздробленности страны. Важнейшим памятником
немецкого Ренессанса является Гейдельбергский замок, состоящий из
ряда разновременных построек: «Зального здания» курфюрста
Фридриха II, дворца курфюрста Отто-Генриха, автором которого
считается нидерландский скульптор Антони. Наряду с Гейдельбергским
замком построенный Вильгельмом Вернике портик Кельнской ратуши
показывает, что в 60-х годах XVI века Ренессанс в архитектуре Германии
завершил период своего формирования. Среди замков позднего
периода должен быть отмечен замок Ашаффенбург, построенный
Георгом Риденгером для архиепископа Иоганна Швейкардта. В
области культового зодчества готические конструкции и планы
находили применение в течении XVI века (церковь в Вольфенбюттеле,
построенная архитектором Паулем Франке).

27.

Германия. XVI века. Изобразительное
искусство.
Немецкое искусство XVI века богато контрастами. Его крупнейшие мастера – Альбрехт Дюрер, Маттиас Грюневальд, Лукас Кранах, Ганс Гольбейн. Ведущими видами искусства в Германии XVI века были
живопись и гравюра.
Среди художников своего времени Альбрехт Дэрер выделялся не только силой своего дарования, но и разносторонностью знаний. Первым из художников Германии он оставил, помимо графюр и картин,
богатое литературное наследие (трактаты «Руководство к измерению», «Наставление к укреплению городов», «Четыре книги о пропорциях»). Дюрер участвовал в иллюстрации ряда книг, в частности, в
сатирической книги немецкого гуманиста Себастиана Бранта «Корабль дураков». Побывав в Италии, Дюрер сделал ряд рисунков и акварелей. Из них особый интерес представляют пейзажи, выполненные
им в пути. В 90-х годах в Нюрнберге он написал для саксонского курфюрста Фридриха алтарную картину «Поклонение младенцу», в которой стремление к пространственному построению композиции
сочетается со скрупулезной точностью в передаче деталей. Ранние портреты Дюрера полны огромной внутренней напряженности. В них он запечатлел образы своих современников (портрет Освальда
Крелля). Богатством духовной жизни отмечен и автопортрет художника (1498). В конце 90-х годов он создал ряд превосходных ксилографий и гравюр на меди. Дюрер ввел в ксилографии вместо
равномерного контура и заполняющих его монотонных штрихов утончение и утолщение линий и штриховку по форме. Его знаменитая серия гравюр «Апокалипсис» был созвучно тревожному настроению,
какое царило в Германии. К числу прекраснейших листов «Апокалипсиса» принадлежит гравюра «Четыре всадника». В исполненных во второй половине 90-х годов гравюрах на меди Дюрер зачастую
отходит от религиозной тематики и обращается к сюжетам, почерпнутым из античной мифологии и литературных источников («Четыре ведьмы», «Морское чудовище», «Блудный сын»). Около 1500 года в
творчестве Дюрера наблюдается заметный перелом. Взволнованное и тревожное настроение в работах сменяются стремление к уравновешенности и спокойствию. Он стремится найти идеальные
пропорции тела и лица человека, построенные на основе геометрических конструкций (мюнхенский автопортрет художника, гравюры на меди «Адам и Ева», «Немезида»). Одновременно Дюрер проявлял
большой интерес к передаче пространства и к теории линейной перспективы (серия гравюр на дереве «Жизнь Марии», алтарь с изображением «Рождества Христова»). В 1505-1507 годах Дюрер вторично
совершил путешествие в Италию, где выполнил ряд работ, в том числе большую картину «Праздник четок», портрет молодой женщины. По возвращению Дюрер написал ряд картин. Среди которых «Адам
и Ева», «Вознесение Марии», «Мучение 10 000 христиан», «Поклонение Троице». В 1511-1512 годах Дюрер вновь обратился к гравюре. В эти годы он переиздал «Апокалипсис», дополнил «Большие
страсти», сделал серию гравюр на дереве «Малые страсти» и серию «Страстей», гравированных на меди. Духом гуманизма и Реформации проникнуты три прославленных листа 1513 годов – гравюры на
меди «Рыцарь, смерть и дьявол», «Святой Иероним», «Меланхолия». В 1516-1518 годах Дюрер выполнил ряд работ для императора Максимилиана. Это колоссальная гравюра на дереве «триумфальная
арка», гравюра «Триумфальная колесница», рисунки цветными чернилами на полях молитвенника. В Нидерландах он исполнил много портретов маслом, углем, серебряным карандашом и пером, сделал
ряд зарисовок местных видов, здесь же он написал картину маслом «Святой Иероним». Среди произведений последних лет значительное место занимает портрет (портреты Иеронима Хольцшуэра, Якоба
Муффеля). К последнему периоду творчества Дюрера также относится ряд превосходных гравированных изображений его современников (портреты майнцского архиепископа, кардинала Альбрехта
Бранденбургского, гуманиста Эразма Роттердамского). В 1526 году он написал картину 2Четыре апостола», которая представляла собой два высоких панно, на которых попарно изображены фигуры
апостолов Иоанна, Петра, Павле и евангелиста Марка.
На высоком уровне стояла на рубеже XV и XVI столетий нюрнбергская скульптура. К старшему поколению скульпторов принадлежал Фейт Штосс. Наиболее известные из его мпоздних работ деревянное
«Распятие», фигуры Марии и Иоанна и незаконченный резной алтарь для кармелитского монастыря. Ренессансные черты проявляются у нюрнюерсгских скульпторов младшего поколения: Адама Крафта,
Петера Фишера Старшего.
Великим немецким художником XVI века был Маттиас Грюневальд. Хотя он был придворным художником майнцского архиепископа и выполнял работы для высшего духовенства, он тем не менее широко
вводил в свои картины типы простого народа, превратив в плебея даже Христа. В его произведения присутствует острота индивидуализации, драматизм. Сохравнившиеся работы Грюневальда
представляют собой преимущественно алтарные картины. Известно, что в 1511 году он был приглашен в качестве советника при перестройке ашаффенбургского замка, резиденции архиепископа. Первые
достоверные произведения Грюневальда датируются 1503 и 1505 годами. Это изображения святых на наружной стороне створок так называемого Линденгартского алтаря и «Поругание Христа». В картине
«Распятие» Грюневальд обращается к излюбленной теме – изображению распятого на кресте Христа. Главным произведением Грюневальда является Изенгеймский алтарь, написанный для госпиталя
святого Антония. Это большой тройной складень, имевший вместе с резным обрамлением 8 метров в высоту. На наружных створках его представлено «Распятие», центральную часть раскрытого алтаря
занимает изображение Марии с младенцем и музицирующих ангелов, в то время как на боковых створках помещены «Благовещение» и «Вознесение Христа». Внутри на створках располагаются сцены из
истории святых Антония и Павла.
Важным является творчество крупнейшего немецкого скульптора конца XV – начала XVI века Тильмана Рименшнейдера. Много готических черт сохранилось в искусстве этого автора, однако глубокая
человечность созданных им образов, интерес к передаче характеров приобщают его к искусству Ренессанса. К числуу наиболее прославленных произведений художника принадлежат алтарь Святой крови в
церкви Санкт Якоб в Ротенбурге, статуи Адама и Евы с южного портала капеллы святой Марии в Вюрцбурге, портретные надгробия Рудольфа фон Шеренберга и Копрада фон Шаумбурга.

28.

Германия. XVI века. Изобразительное
искусство.
Одним из величайших художников немецкого Возрождения был Лукас Кранах Старший. Его картины и графика обладают выдающимися декоративными качествами. Он был замечательным мастером
портрета и одним из создателей европейской пейзажной живописи. К числу ранних картин художника относятся портреты ректора Венского университета Иоганна Куспиниана и его жены Анны.
Эмоциональная насыщенность изображения природы, ее связь с духовным миром человека составляют особенность ранних произведений художника («Распятие», «Отдых на пути в Египет»). Дальше
живопись Кранах приобретает новые черты. Картины его стали более декоративными, в портретах появилась репрезентативность (алтарь святой Екатерины). Написанная в 1509 году стоящая нагая Венера с
Амуром – одно из первых в Германии живописных произведений на сюжет античной мифологии. Позднее Кранах не раз возвращался к образу к образу Венеры («Венера и Амур», «Венера» (1532),
«Венера» (1533)). Изображение нагого женского тела привлекало художник на протяжении всей его творческой деятельности («Нимфа источника», «Суд Париса», «Аполлон и Диана»). В духе куртуазного
рыцарского романа трактует художник и библейские сюжеты («Давид и Вирсавия», «Юдифь и Олоферн»). Кранах обладал выдающимися дарования портретиста. Он был одним из создателей
репрезентативного портрет в Германии. Блестящим примером этого жанра может служить изображение герцога Генриха Благочестивого и его жены Катарины Мекленбургской. К числу лучших женских
портретов художника принадлжеит «Принцесса Сиббила Клевская». Также он создал портреты Мартина Лютера, его отца и матери, математика и астронома Иоганна Шенера. Многие ксилографии
художника посвящены защите идей Реформации осуждению католической церкви (серия гравюр «Деяние Христа и Антихриста»). В 1509 году он исполнил несколько гравюр с тоновой прокладкой
красноватого ил синеватого цвета («Венера и Амур», «Святой Христофор»). В поздних произведениях Кранаха усиливаются черты манерности.
Главой дунайской школы был живописей и график Альбрехт Альтдорфер. Отличительной чертой дунайской школы является открытие красоты и поэзии мира природы и его нерасторжимого единства с
человеком. Картина «Святой Георгий» представляет собой великолепный пейзаж. Самой обширной из ранних работ Альтдорфера является серия «Страстей», написанная для монастыря святого Флориана.
Он также создал многочисленные миниатюры для так называемого «Триумфального шествия Максимилиана». На 1520-е годы приходится расцвет дарования Альтдорфера. Изображение природы
тсановится лейтмотивом его творчества («Дунайский ландшафт в окрестностях Регенсбурга»). Иногда он помещает среди величественной природы маленькие фигурки персонажей Священного писания
(«Сусанна и старцы»). В 1529 году Альтдорфер закончил большую картину «Битва Александра Македонского с Дарием» для баварского герцога Вильгельма IV. Чрезвычайно большую ценность в
художественном наследии Альтдорфера представляют также графические работы мастер – рисунки, акварели, гравюры.
Среди художников дунайской школы должен быть упомянут также Вольф Губерг, произведения которого посвящены изображению природы Южной Германии.
Видное место в истории немецкой живописи и гравюры принадлежит Гансу Бальдунгу Грину.К числу его лучших произедений относятся алтарь «Коронование Марии», «отдых на пути в Египет»,
«Оплакивание Христа» и аллегория Смерти в музеях Базеля и Флоренци.
В работах аугсбургского живописца Ганса Бургкмайра сказалось влияние итальянского Возрождения. В свои произведения он вводил изображение нагого тела, а также архитектурные и декоративные
мотивы. Он много работал в гравюре на дереве и исполнил ряд заказов императора Максимилиана (иллюстрации к поэмам «Тейерданк» и «Вейскуниг»).
Последним великим мастером немецкого искусства XVI века был Ганс Гольбейн. Он выделяется классичностью своих работ. Среди его работ сравнительно много картин религиозного содержания. Он писал
фрески на сюжеты из мифологии, античной истории и современной литературы. В 1516 году он написал парные портреты бургомистра города Якоба Майера и его жены. В 1517 году Гольбейн расписал в
Люцерие фасад и внутреннее помещение дома бургомистра Якоба Гертенштейна на сюжеты из античной истории. В 1521-1530 годах он сделал в Базеле в зале заседаний в городской ратуше большую
роспись, посвященную прославлению гражданских добродетелей. В эти годы Гольбейн был тесно связан с кружком базельских гуманистов и написал несколько превосходных портретов Эразма
Роттердамского. В картинах на религиозные сюжеты этого периода в большинстве случаев подчеркиваются человеческие черты. Так, изображая «Мёртвого Христа», он с неприкрытым реализмом написал
тронутый тлением труп. Прославленная «Мадонна бургомистра представляет собой в сущности групповой портрет семьи Майера. Среди графических работ Гольбейна особенно выделяется серия гравюр
на дереве «Пляски смерти». Гольбейн обычно изображает смерть злорадно торжествующей на знатью, в то время как к бедняку она нередко относится с сочувствием («Крестьянин и смерть»).В Англии он
написал ряд портретов ученых и гуманистов, в том числе самого Мора. В начале 30-х годов Гольбейн исполнил много заказаов для купцов немецкой колонии в Лондоне (портреты, росписи «старого
двора»). Одним из лучши портретов этого времени является портрет ганзейского купца Георга Гисце. С 1536 года Гольбейн стал придврным художником короля Генриха VIII, занимался с этого времени
почти исклчительно портретом. Среди лучших картин последних лет можно назвать портреты французского посла в Лондоне Моретта, жен короля Джейн Сеймур и Анны Клевской. Особое место в
художетсвенном наследии Гольбейна занимают его рисунки, среди которых есть и подготовительные эскизы к картинам и росписям, и наброски для ювелиров.
Во второй половине XVI века художественная культура Германии не дает ничего, что могло быть поставлено в один ряд с достижениями дюреровской поры. Лишь на грани XVI и XVII веков немецкое
искусство выдвинуло еще одного крупного мастера – Адама Эльсхеймера. Это мастер небольших картин с изображением пейзажа, идеалистических и жанровых сцен. Он был представителем классического
пейзажа.

29.

Меровингское искусство. Архитектура.
Объединение Франкского королевства под властью Хлодвига I (465—511) и его потомков совпало с необходимостью строительства церквей, особенно монастырских,
поскольку их видели оплотом власти Меровингов, упроченной крещением франков. Планы церковных зданий часто продолжали традицию римских базилик, но
отражали влияние разных стилей, даже из Сирии и Армении. На востоке королевства большинство зданий было деревянными; использование камня для значимых
сооружение было более распространено на западе и юге, которые были присоединены к королевству позже.
Конечно, большинство основных соборов и церквей на протяжении веков неоднократно перестраивались, однако археология позволила реконструировать многие
меровингские планы зданий. Описание в произведении епископа Григория Турского «История франков» базилики Святого Мартина, которая была построена в Туре и
святым Перпетуем (епископ 460—490) в начале меровинского периода в то время на окраине франкских земель, заставляет сожалеть, что постройка не сохранилась.
По его описанию, базилика была одним из самых красивых меровингских зданий, имела 120 мраморных колонн, башни на восточной стороне и несколько мозаик.
Базилика Святого Мартина имела вертикальный акцент, отличалась сложным внутренним пространством и богатством внешнего силуэта, все это впоследствии станет
характерными особенностями романского стиля. Одна из черт базилики Святого Мартина, которая стала особенностью франкского церковной архитектуры — это
размещение саркофага или реликвария святого на постаменте или апсиде, чтобы он был виден за алтарем. Римская традиция не знала таких франкских инноваций.
Церковь Святого Петра во французском Вьене — единственный пример здания, сохранившего эти черты до наших дней. Ряд других зданий, которые по описаниям
имели эти черты, в настоящее время утрачены: это меровингские фундаменты аббатства Сен-Дени, церкви Святого Гереона в Кёльне и аббатства Сен-Жермен-де-Пре в
Париже.
До наших времен сохранились несколько небольших зданий, которые вышли из моды, но не перестраивались. В прованских Экс-ан-Прованс, Рьезе и Фрежюсе
сохранились три восьмиугольных баптистерия, покрытые куполами, поставленными на колонны, что свидетельствует о восточном влиянии на них (в частности,
баптистерий в Рьезе напоминает баптистерий Святого Георгия в Изре, Сирия). От прованских баптистериев существенно отличается Баптистерий Святого Иоанна
Крестителя в Пуатье (VI век), который имеет прямоугольную форму с тремя апсидами по бокам. Оригинальное здание, вероятно, претерпело многочисленные
изменения, однако сохранило меровингский стиль в отделке (мраморные капители).
Из многочисленных крипт сохранились лишь несколько: крипты в церкви святого Северина в Бордо, Святого Лорента в Гренобле и аббатства Нотр-Дам в Жуаре (VII
век).
В VII веке меровингские ремесленники имели хорошую репутацию — например, их пригласили в Англию для восстановления искусства производства стекла (которое
было утрачено на севере Европы после развала Римской империи) и для строительства местных церквей. Меровингские каменщики широко использовали технику
opus gallicum (проделывания отверстий в камне, в которые затем вставлялись деревянные элементы здания) и принесли её в Англию, а после завоевания Англии
норманнами, уже те принесли эту технику в Италию.

30.

Меровингское искусство. Декоративноприкладное искусство.
• Для декоративно-прикладного искусства периода Меровингов характерно
сочетание позднеантичных веяний с чертами «звериного стиля». Излюбленными
материалами варварских мастеров на протяжении всего Раннего Средневековья
было золото и прозрачные минералы насыщенных и ярких цветов, особенно
красного и синего; одним из наиболее распространенных камней, использующихся
в франкских ювелирных изделиях, был красный гранат — альмандин. Не менее
часто используемым материалом была стеклянная паста, также ярких цветов,
преимущественно красная. Общий для большинства германских народов прием —
создание изделия из золота с множеством ячеек со вставками из драгоценных и
полудрагоценных камней или стеклянной пасты. Иногда вставки стеклянной пасты
использовались в сочетании с драгоценными камнями как равнозначные
декоративные элементы одного изделия.
• Ювелирные изделия меровингского периода представлены в
основном фибулами различных форм (дисковидные, кольцевидные, зооморфные),
поясными пряжками, кольцами и элементами конской упряжи. Более скромные
украшения изготавливались из бронзы и красного стекла, иногда с позолотой или
отдельными золотыми элементами.

31.

Оттоновское Возрождение. Архитектура.
Архитектура второй половины 10 — первой половины 11 в. в немецкой части оттоновской империи Оттонов стала не просто продолжением, а выявлением и кристаллизацией того типа постройки, который
едва наметился в каролингский период. Образцом в 99 % случаев являются каролингские постройки, но улучшается качество кладки, облагораживаются пропорции, становится обязательным
определенный набор элементов.
Прямые цитаты из архитектуры Карла — копии Ахенской капеллы — отдельно стоящие, как капелла в Оттмарсхайме (1049) или же входящие в ансамбль базилики, как хор собора в Эссене, достроенный при
императрице Феофано и Оттоне III как шестигранник, приставленный к базиликальному телу собора. И в том и в другом случае воспроизводится Клюни II — после 955-981 — реконструирует Майоль —
аббат после Одона. Прибавляется нартекс. Туннельные своды – ок 1000. Галилея+атриум. Рождение литургической драмы. 2 башни над нартексом, 1 — над средокрестием.
8-гранное внутреннее пространство, однако не учитывается внешняя 16-гранность Ахенской капеллы, и внутри обе постройки лишены тех декоративных приемов, которые присутствовали в архитектуре
Карла (за исключением разве что полосатых арок).
Один из редких примеров центрической сводчатой архитектуры — капелла св. Варфоломея в Падерборне, построенная в 1017 г. per operarios graecos — «греческими мастерами», возможно, привезенными
императрицей Феофано из Византии или приглашенными с юга Италии. Зальное пространство, изящных пропорций колонны с капителями, украшенными маскаронами указывают одновременно и на
влияние мусульманского вкуса.
Постройка 936 года, крипта св. Виперта в Кведлинбурге, ставшая усыпальницей Генриха 1 Птицелова, основателя саксонской династии, представляет собой своего рода пророческий тип — короткую
сводчатую базилику на чередующихся дорических колоннах и квадратных столпах. Однако обязательным и повсеместно распространенным становится другой тип.
Базилики середины 10 — начала 11 вв. достигают известного единообразия — становятся обязательными многие разрозненные элементы архитектуры времени Карла: двусторонняя ориентация, башни,
двухъярусный вестверк, плоское покрытие. Единая система пропорций диктует соотношение ширины боковых и центрального нефа как 1:2. Появляется чередование опор (оно потом сыграет важную роль в
формировании сводчатого покрытия -), квадратные башни над средокрестием и круглые или восьмигранные лестничные вестверковые. В отличие от времени Карла все базилики довольно короткие (5-6
травей-поперечных ячеек). Такова построенная в 960-965 гг. маркграфом Героном, победителем славян, ц. Св. Кириака в Гернроде с эмпорами — галереями второго яруса над боковыми нефами,
подобными некоторым раннехристианским базиликам (напр., ц. Св. Димитрия в Салониках 4 в.). Экстерьер базилик имеет суровый крепостной вид, в качестве декора применяются только плоские арочки
— т.н. «ломбардский декор», заимствованный из Италии. Итак, формируется своеобразный гибридный тип постройки — экстерьер напоминает каролингскую базилику, интерьер — раннехристианскую.
Таковы же (только без эмпор) сохранившиеся до наших дней ц. Санкт Панталеон в Кельне, основанная в 966-980 гг. братом Оттона I архиепископом Бруноном, и постройка, представляющая собой апогей
этого типа — ц. св. Михаила в Хильдесхайме (1001-1033), основанная архиепископом Бернвардом, воспитателем Оттона III, проведшим несколько лет в Риме. Ее интерьер — пространство, где, по словам
Янсена, «эффект священного достигается совершенно экплицитными средствами» — и прежде всего единством пропорций простых арок, несущих стены, отделяющих трансепты от нефов, открывающих
вовне галереи трансептов — из-за двусторонней ориентации постройки входы устроены в трансептах. В украшении базилики Бернвард следует раннехристианским и римским образцам — он заказывает
для нее двери с бронзовыми рельефами и бронзовый подсвечник-колонну.
Такими были заложенные на рубеже 10-11 вв. и перестроенные в романское и готическое время первые соборы Майнца (976, сгорел в год освящения — 1009), Аугсбурга (994), Страсбурга (1028), Базеля
(1019) и др.
После визита императора Генриха II и епископа Падерборнского Мейнверка в Клюни в 1014 аббатства клюнийского типа распространяются в Германии (см. Клюни). Заложенный уже в 1030 г. при
салической династии Шпейерский собор сразу приобретает нехарактерную для оттоновского времени сводчатую крипту и становится образцом для подражания не только для двух других будущих
императорских соборов — Майнца и Вормса — но и для третьей базилики в Клюни, которая начинает строиться в 1088 г., в год его освящения как его соперница.
Более рафинированный, лишенный крепостного облика саксонских церквей тип представляют собой постройки монастыря на о. Райхенау на Тегернзее в Баварии. Этот монастырь, скрипторию которого
предстоит сыграть ведущую роль в развитии оттоновской миниатюры, в течение первой половины 11 в. приобретает 3 базилики — верхнюю, среднюю и нижнюю (Нидерцеллу, Миттельцеллу и Оберцеллу).
Все они соответствуют раннехристианскому типу тонкостенных базилик на колоннах, о каролингском наследии напоминает лишь двойная ориентация и невысокие башни над средокрестием. Т-образная
Оберцелла украшена фресками в раннехристианском духе.
Таким образом, архитектура Германии этого периода представляла собой своеобразный изолированный очаг на фоне общих процессов, происходящих уже с 800 г. по всей Европе.

32.

Оттоновское Возрождение. Скульптура.
Оттоновский ренессанс унаследовал от эпохи Карла традицию изготовления резных диптихов и книжных окладов из слоновой кости. Они также несут отпечаток византийских влияний, однако новая эпоха
диктует уже новые композиционные принципы. Диптих 1020 г. из Эхтернахта с двумя сценами — Уверения Фомы и Получения закона Моисеем — демонстрирует то, что Панофский назвал «как по форме,
так и по содержанию скорее пророческим видением будущего зрелого Средневековья, чем ретроспективной мечтой о классическом прошлом». Обе сцены явно не рассчитаны на узкий и вертикально
вытянутый формат — Моисею приходится встать на цыпочки, чтобы дотянуться до Десницы со скрижалями, Христос, в чьей позе можно узнать влияния греческой скульптуры (так, с рукой, закинутой за
голову, Поликлет представил некогда раненую амазонку) стоит на специальном барабане, чтобы усложнить задачу св. Фомы, который, мучительно запрокинув голову, карабкается вверх, стараясь достать
пальцем до Его ран. Вынужденный, напряженный вертикализм сцен еще подчеркивает узость арок, в которые они заключены, и неожиданно широкие полосы орнамента.
Крышка оклада из Лотарингии сер. 10 в., изображающая Вознесение — еще один пример того же подхода. Христос не восходит здесь спокойным широким шагом на гору, как это было в мюнхенской
плакетке 350 г. или в миниатюре сакраментария Дрогона, а отрывается в винтообразном движении от земли, чтобы с силой быть втянутым в толщу облака.
Два фактора здесь говорят о будущем романском стиле — диктат архитектурной, геометрической формы в отношении изображения и абстрактная, не зависящая ни от композиции, ни от сюжета,
экспрессия, как бы намеренное затруднение естественного движения — и одновременно подчеркнутый пафос давшегося с таким трудом жеста. Те же свойства проявились и в книжной миниатюре, а в 12 в.
проявятся полностью в монументальной скульптуре романских тимпанов.
Помимо резьбы по слоновой кости, немало богослужебных предметов изготовлялось из драгоценных металлов с инкрустациями. Радульф Глабр в своей хронике упоминает золотую сферу, которой
короновал папа Бенедикт Генриха II в 1014 г. Она была сделана в форме яблока с геммами, увенчанного золотым крестом.
Влияния Античности проявляются в изделиях мелкой пластики этого времени нетрадиционным и часто абсурдным для нас способом. В частности, золоченое бронзовое Распятие епископа Херманна
Кельнского первой половины 10 в. вместо головы Христа имеет лазуритовую головку Ливии, жены Августа — и этот прием отнюдь не кажется авторам кощунственным, а, напротив, облагораживает
богослужебный предмет.
К рубежу 10-11 вв. относятся первые памятники монументальной скульптуры. Мы знаем, что в каролингских базиликах было принято помещать над алтарем резное деревянное Распятие, однако первое
такое Распятие дошло до нас от раннеоттоновского времени — это кельнское Распятие епископа Герона 970 г., служившее одновременно реликварием. По телосложению Христа, Его закрытым глазам
(незадолго до этого в Византии появились изображения умершего Христа), самой композиции мы видим, что перед нами не реплика такого же монументального произведения, а монументализация
византийского живописного или резного из слоновой кости Распятия.
Первое известное скульптурное изображение Богоматери — т.н. Золотая Дева из Эссена, заказанная внучкой Оттона II аббатисой Матильдой. Это позолоченная деревянная статуя с инкрустированными
глазами, изображающая Марию держащей на коленях Христа и играющей с Ним золотым яблоком. Фигуры Богоматери и Младенца совершенно идентичны как по телосложению, так и по позе, эта
скульптурная группа есть результат своего рода гомотетии, изменения масштаба с поворотом, механического совмещения двух подобных фигур.
Другие памятники оттоновской скульптуры сделаны непосредственно под римскими влияниями. Епископ Бернвард Хильдесхаймский, наставник Оттона III, живший с ним в 1001 г. во временной
императорском дворце на Авентине, заказывает для своей церкви литые бронзовые двери (впервые литые целиком, а не отдельными пластинами) со сценами Ветхого и Нового Завета по образцу резных
деревянных дверей 5 в. римской базилики Санта Сабина, находившейся недалеко от его резиденции. Сопоставление двух Заветов — тема раннехристианская, и единая лента сцен, начинающаяся сверху
слева и кончающаяся наверху справа, делится на пары. Создателем программы был сам епископ Бернвард, постаравшийся сопоставить события не по внешней аналогии (как Вознесение Илии и Христа,
Чудеса Моисея и Христа в дверях Санта Сабина), а в соответствии с более сложным, экзегетическим принципом. Хильдесхаймские врата (1008-1015) стали прототипом множества кованых дверей романской
Германии, где в силу сохранения обязательной западной апсиды не оформился скульптурный портал, и вход осуществлялся через боковые двери по обе стороны от нее.
Еще один, не менее «римский» по духу заказ Бернварда — бронзовая колонна-подсвечник для пасхальной свечи с новозаветными сценами, задуманная ученым аббатом, видимо, под впечатлением от
колонны Траяна.
К раннехристианским формам относится и еще один памятник — деревянный позолоченный алтарь Генриха II из музея Клюни, заказанный императором в память об исцелении в 1002 г. для Базельского
собора. Св. Бенедикт изображен здесь предстоящим в окружении ангелов. Традиция помещать фигуры в архитектурных ячейках восходит, видимо, к рельефам саркофагов (таковы были не только многие
раннехристианские памятники, но и, например, саркофаг аббата Хинкмара из Реймса середины 9 в.
Те немногочисленные памятники монументальной скульптуры, которые дошли до нас от рубежа веков, показывают, что это искусство рождается как более демократичное, наглядное, полное не высокого
богословия, а простого проповеднического пафоса искусство, пророчески предвосхищающее формы и принципы скульптуры зрелой романики.

33.

Оттоновское Возрождение.
Монументальная живопись.
• В монастырских хрониках 10-11; вв. упоминается по меньше мере десяток монументальных
живописных ансамблей — Санкт Галлен, Петерсхаузен, Хальберштадт, Кельн, Майнц и т.д. Хронисты
говорят о Бернварде Хильдесхаймском, украсившем свою церковь св. Михаила «великолепными
искусными фресками», об Гебхарте, епископе Эйхштаттском, по чьему заказу в капелле св. Гертруды
появились «чудесные и почти живые картины». В реальности до нас дошли лишь два больших
фресковых ансамбля рубежа 10-11 вв. — в Оберцелле в Райхенау и в ц. св. Сильвестра в Гольдбахе.
Цикл в Оберцелле, открытый в 1880 г. под слоем штукатурки, видимо, схож по программе с
каролингскими фресками Мюстайра — это новозаветные сюжеты, из которых лучше всего
сохранились чудеса Христа. Архитектурные фоны, на которых развивается действие, наложены на т.н.
«античную трехцветку» — коричнево-зелено-голубые горизонтальные полосы, обозначавшие в
помпейской живописи пространственные планы. Орнаментальные фризы складываются из объемного
меандра — орнамента, явно пришедшего из мавзолея Галлы Плацидии (вполне возможно, если
учесть, что Герберт Реймсский, будущий папа Сильвестр II, был на рубеже веков там епископом). Тот
же тип построения сцены, но более динамичный, нервный характер живописи отличает цикл в
Гольдбахе.
• Перед нами почти неизвестная нам традиция, лишь слегка намеченная в трех памятниках —
Мюстайре, Оберцелле и Гольдбахе, но, видимо, гораздо более масштабная и явно восходящая к
циклам 5 в. традиция. В оттоновских плоско покрытых церквах еще много места и света для
монументальной живописи, в период зрелой романики среднюю зону стены займет трифорий,
увеличится толщина несущей свод стены, уменьшатся окна, и обширных монументальных
живописных циклов станет гораздо меньше.

34.

Оттоновское Возрождение. Миниатюра.
Как и архитектура, книжная иллюминация была связана в первую очередь с каролингскими, потом — с византийскими образцами. Главными заказчиками миниатюр остаются императоры, однако уже к началу 11 в. с
императорскими заказами начинают конкурировать монастырские.
Принято выделять три основных школы оттоновской миниатюры — школа Райхенау (главная область императорских заказов, правда, Ч. Додвелл считает, что рукописи, относящиеся к этой школе, изготовлены в Лорше и Трире),
регенсбургская и кельнская школы.
Самые многочисленные императорские заказы делаются в монастыре Райхенау, «счастливом острове» на Тегернзее в Баварии. Уже в конце 10 в. Герон, архиепископ Кельнский и Эгберт Трирский обращаются в Райхенау (Augia
dives) с заказами, в начале 11 в. — Генрих II заказывает там рукописи для Бамбергского собора; к середине 11 в. — Генрих III Франконский делает свои заказы уже в Эхтернахте.
Чтобы представить себе, чем отличается оттоновская миниатюра от каролингской, достаточно посмотреть на несколько явно копийных рукописей. Так, Лоршское евангелие придворной школы Карла явно послужило образцом для
евангелия Герона — одного из первых заказов в Райхенау. Лист с Христом на троне в круглом сиянии славы сохраняет общую композицию, тип Эммануила, позу и жест, но теряет все то, что составляло неотъемлемую часть
раннекаролингской миниатюры — составные рамки, включение надписей во фронтиспис, «окошки» с пространственным изображением ангелов, объемный меандр. Те же процессы видны в раннеоттоновской псалтири Эгберта
Трирского — пурпурные фоны заняты лишь византийскими орнаментами и крупными, во весь лист, фигурами заказчиков. Фигура укрупняется, тип лица сменяется с римского портрета времени Августа на константиновский,
исчезает перспектива, орнамент становится крупнее и проще, одним словом, структура изобразительного поля становится совершенно другой — отныне искусство интересует только человеческая фигура, экспрессия лица и жеста.
Любимый тип рукописи этого времени — евангелистарий или перикопы — сборник евангельских чтений. Таков т.н. кодекс Эгберта 985 г., включающий 55 миниатюр — 4 портрета евангелистов, посвятительная миниатюра с
писцами Керальдом и Херибертом, и 50 новозаветных сцен, занимающих целый лист или часть листа. Здесь наравне с использованием ранних прототипов прослеживается рождение нового типа изображения — группы фигур в
абстрактном пейзаже — с простым однотонным поземом и рассветно-закатным, отмытым от бледно-розового до бледно-голубого, проникнутым сакральным холодом небом. «Отныне человек выделяется из природы и становится
ее господином» — написал Жак Ле Гофф по поводу истории земледелия этого времени, но то же можно сказать и о структуре изображения.
Часто, в связи с появлением композиций на богословски сложные, неповествовательные темы, этот рудиментированный пейзаж делается и вовсе абстрактным — так, в замечательной миниатюре из Бамбергской песни песней,
изображающей т.н. «Пурпурное восхождение», процессия святых движется от купели по спиралевидной облачной гряде на фоне бледно-розового неба вслед за персонификацией Церкви к стоящему на вершине этого завитка
облаков Распятию.
В рукописях зрелого периода школы Райхенау (т.н. группе Лиутара) появляются также золотые фоны, полностью «съедающие» пространство. Очень узнаваемый физиогномический тип, восходящий, видимо, к позднеримскому
портрету, характерен для всех персонажей этих миниатюр. Не менее характерно тяготение к репрезентативным, догматическим сценам.
В одном из самых значительных памятников миниатюры этого времени — Евангелиарии Оттона III — евангелисты представлены не как обычно, пишущими за пюпитрами, а в триумфальной, исключительной, не получившей
никакого развития иконографии — в мандорлах, несущими подобно атлантам свои символы и облака, наполненные пророками и ангелами. У подножий их тронов — источники воды живой с пьющими из них животными.
Правилом, а не исключением становятся посвятительные страницы с портретом заказчика-императора на троне. Римская императорская иконография, уже в 4 в. ставшая иконографией Христа, вновь возвращается к земному
императору. Таков портрет Оттона II из «Регистра Григория» 980-х гг., где император восседает на троне под балдахином, окруженный персонификациями провинций. В Евангелии Оттона III портрет занимает уже целый разворот,
император, сидящий на троне, окружен приближенными, а с другой стороны к нему приближаются четыре женских фигуры, несущие дары. Они олицетворяют четыре провинции Империи, завоеванные Оттонами в ходе
славянских войн и похода на Рим — Германию, Рим, Галлию и Славинию. Обилие персонификаций — абстрактных понятий, географических объектов или добродетелей и пороков, изображенных в виде людей — явно римское
наследие, и иногда оно принимает довольно курьезные формы. Христос во славе из Бамбергского евангелиария изображен в мандорле на фоне стилизованного Древа жизни, корни которого поддерживает полуобнаженная
женская фигура — «Источник жизни», а каждый из символов евангелистов поддерживается своеобразной кариатидой в виде обнаженной по пояс женщины с истекающими от пояса струями воды — это персонификации райских
рек.
Повествовательные циклы в рукописях школы Райхенау — также результат полного исчезновения среды и превращения поля изображения в двухмерную плоскость. 2 горизонта — ближнего и дальнего плана, которые наметились
в Реймской школе эпохи каролингов, превратились в двухъярусные композиции, такие, как Вход в Иерусалим из евангелия Оттона III, где отроки израильские, чтобы постелить свои одежды под ноги ослу, забрасывают их на
второй этаж, вставая на цыпочки. Золотой фон, рассветное небо, архитектурный декор стали комбинироваться в одном поле — так, апостолы в сцене Омовения ног из той же рукописи, входят из холодного прозрачного неба в
архитектурную ячейку, заполненной золотым фоном, а в сцене Казни Иоанна Крестителя темница изображена в виде маленького городка, зависшего в золотом фоне, и содержащего среди стен и башен одно только
обезглавленное тело Иоанна., в то время как палач с мечом стоит внизу, на маленьком холмике перед золотым фоном.
Такое тяготение к абстрактности пространства, пафосу жеста и вынужденности позы ярко проявилось в иллюстрациях к т.н. Бамбергскому апокалипсису (ок.1020) — нужная степень абстракции, необходимая для передачи
нашествия саранчи с человеческими лицами, съедения Иоанном книжки или изображения стеклянного моря, смешанного с огнем, в виде женского лица, уже была достигнута к этому моменту в оттоновской живописной традиции.

35.

Оттоновское Возрождение. Миниатюра.
Еще один «пророческий» прием — немотивированная экспрессия, невидимый ветер, волнующий сразу во всех направлениях складки одежд абсолютно статичных фигур жен-мироносиц и крылья ангела в
знаменитой миниатюре «Жены-мироносицы у Гроба Господня» из Перикоп Генриха II (1007-1012), в сочетании с пафосом жеста и взгляда обещающая стать одним из ведущих приемов зрелого романского
стиля.
Формирование смысла композиции путем взаимоналожения нескольких сцен формируется в самой богословски нагруженной из школ оттоновской миниатюры — в школе Регенсбурга. Додвелл относит к
этой школе коронационный сакраментарий Генриха II (1002-1014). В миниатюре, изображающей коронование императора Генриха II лист, заполненный клетчатым орнаментом, поделен на два поля — в
верхнем — Христос в мандорле и два ангела, в нижнем — Генрих в позе оранта и два клирика, поддерживающие его руки. Верхняя композиция подобна Вознесению, нижняя — Передаче закона. Точки
пересечения двух полей — голова и руки Генриха — и служат местом образования новой композиции. Христос венчает Генриха венцом, ангелы вкладывают ему в руки меч и жезл, из чего рождается новый
смысл — небесной инвеституры. Живопись зрелой романики будет знать множество таких, состоящих как бы из калек, наложенных друг на друга, композиций, и А. Грабар назовет подобный прием
«церебральной иконографией».
На этих же композиционных приемах построены миниатюры одной из главных рукописей школы Регенсбурга — сакраментарий аббатисы Уты из Нидермюнстера (первая четв. 11 в.). Все 16 миниатюр
являются не повествовательными, а догматическими, и поля их поделены на геометрические зоны, каждая из которых содержит собственное изображение. «Распятие» из евангелия Уты представляет
Христа в священнической одежде — колобии — на кресте, склоняющимся к персонификации Жизни в венце и в позе оранты, отвернувшегося от Смерти с закрытым лицом, пронзающей себя копьем. В
квадратах по углам расположены сюжеты, связанные с реакцией мира на смерть Христа — персонификации Солнца и Луны, закрывшие краями одежд свои светила, пустой храм с разорванной завесой и
Сошествие во ад с разверстыми гробами. В полумедальонах по обе стороны от Распятия изображены торжествующая Церковь со знаменем воскресения и выходящая из «кадра», закрыв лицо, Синагога.
Полна персонификация и миниатюра «Месса св. Эрхарда» — там в виде самого Эрхарда, алтаря и служки изображаются ангельские чины из «Небесной иерархии» Псевдо-Дионисия Ареопагита, а по углам
изображены сама Ута, поклоняющаяся Христу, и три теологические добродетели.
Совершенно особенная живописная традиция складывается в Кельне. Кельнская школа миниатюры связана как с ранним Райхенау, так и с византийскими влияниями. Кельнский архиепископ Герон
(заказчик Распятия) сопровождал византийскую принцессу Феофано из Константинополя к жениху, Оттону II. Феофано впоследствии занималась завершением церкви Санкт Панталеон, в которой и
пожелала быть похороненной. Византийские влияния видны уже в Сакраментарии из ц. св. Гереона в Кельне (996-1002), однако наиболее рельефно они выражаются в миниатюрах Евангелия Хитды (10001020). Свободная, живописная манера исполнения, с тональным, разбеленным колоритом, без золотых фонов, ассоциируется со стилем византийских миниатюр 10 в. — Парижской псалтири и Библии
патриарха Льва. На византийскую пластичность фигур часто накладывается оттоновский пафос взгляда и жеста. Однако наиболее явно эллинистические влияния выражаются в стремлении к передаче среды
через трехмерное тело. Этот прием виден в знаменитой миниатюры из кодекса Хитды — усмирении бури, где корабль, влекомый ветром, летит диагонально, пересекая поле листа и рамку, парус сорван,
снасти развеваются, испуганные апостолы будят уснувшего на корме Христа, и в этом хаосе, переданном не через изображение волн, пейзажа, а лишь через движение корабля, остается один остров покоя
— единственная правильная вертикаль — неподвижно свисающий рукав Христа. Так, через деталь, выраженная способность Его повелевать ветру и буре, могла прийти только из византийского мира. В
миниатюре, изображающей Христа и женщину, взятую в прелюбодеянии, средний план, казалось, навсегда пропавший с каролингских времен, превращается в своего рода стеклянный холм, пластичную,
текучую массу, преграждающую путь толпе, которая так же пластично, как полупрозрачный гель, вытекает вперед, выталкивая из своей среды несчастную. В сцене Крещения персонифицированный Иордан
«выдавливает», как пасту из тюбика, из меха воду, образующую текучий и зыбкий средний план. Несомненно, мы имеем здесь дело с самым древним пластом византийских влияний — манере,
родственной фрескам в Кастельсеприо и раннеримским иконам. Все здесь осязаемо и весомо — Христос во славе, изображенный в мандорле-восьмерке, сидит не на троне, как на качелях, на упругой
перевязи, схватывающей восьмерку изящным узлом посредине.
До какой степени могут быть разными византийские влияния в разных мастерских, показывает сцена Усмирения бури из Зальцбургского евангелиария, где ни о какой подвижности речи быть не может — у
лодки два носа, она плывет в обе стороны, Христос лежит строго по центру лодки у подножия крестообразной мачты, а апостолы склоняются к Нему, как апостолы в сцене Положения во гроб.

36.

Италия. Романика. Архитектура.
• В XI и XII столетиях в Ломбардии и Тоскане начинается обширное строительство
городских соборов. В их архитектуре сохраняются черты близости к традициям
раннехристианского зодчества. Итальянские храмы приземисты. Башни не играют в
массиве никакой роли. Часто встречающиеся колокольни расположены несколько
спустя от церкви. Баптистерии воздвигались рядом с большими соборами в виде
отдельных построек центрического типа.
• Традиционность сказывается в применении плоских перекрытий на стропилах
церквей. Наружное убранство зданий составляют «ломбардские аркатурные
пояски» - ряды маленьких полуциркульных арок, а также аркады из небольших
арочек. В середине XII века складывается еще один характерный декоративный
мотив в виде портала с навесом, опирающимся на колонны, основанием которых
служат фигуры львов или скорчившихся атлантов (Верона, Модена, Феррара и др.).
Примеры храмов: церковь Сант Амброджо в Милане, церковь Сан Дзено в Вероне,
собор в Модене, церковь Сан Миньято аль Монте вблизи Флоренции. Также особ
важен архитектурный ансамбль в Пизе, состоящий из собора, падающей башни и
баптистерия.

37.

Италия. Романика. Живопись.
• Самый значительный центр живописи – Рим. Здесь
взаимодействовали друг с другом различные стилистические
направления. Важнейший памятник – фрески подземной церкви
Сан Клементе в Риме.

38.

Италия. Романика. Скульптура.
• Монументальная скульптура Италии связана прежде всего с оформлением
фасадов церквей. Она выступала как украшение церковных кафедр,
епископских тронов, монументальных подсвечников. Зрелая фаза
скульптуры Италии – XI-XII века. Главное произведение этого времени –
епископский трон в Бари.
• В конце XII века скульптура Северной Италии находится под французским
влиянием. Оно сильно выражено в произведениях последних десятилетий
XII – начала XIII века, архитектора и скульптора Бенедетто Антелами, его
рельефах, украшающих тимпаны порталов баптистерия в Парме. Важным
его творение является скульптурная декорировка фасада собора в Фиденце.
• В начале XII века в Южной Италии возникает скульптурная мастерская,
работавшая для двора императора Фридриха II. Выдающиеся произведения:
бюсты Фридриха II, портрет его министра Пьетро делла Виньи, голова статуи
богини персонификации города Капуи. Бронзовое литье имело меньшее
значение. Особой известностью пользуются двери в Сан Дзено в Вероне.

39.

Италия. Проторенессанс. Архитектура.
• Итальянская архитектура XIII и XIV столетий характеризуется
распространением готики и одновременно зарождением некоторых
принципов, предваряющих архитектуру Возрождения. По своей
конструктивной системе ближе всего к французской готике храм Италии –
огромный Миланский собор. Новые строительные идеи наиболее ярко
проявились в зодчестве Флоренции (церковь Санта Кроче работы Арнольфо
ди Камбио).
• Широкий размах приобрело в Италии гражданское зодчество. Возведенные
в XIV и XV веках коммунальные и частные дворцы имеют нередко вид
крепостных сооружений. Готическая декорировка использована в них лишь в
оформлении окон, дверей и галерей (флорентийский палаццо Веккьо по
проекту Арнольфо ди Камбио, палаццо Публико в Сиене). Гораздо более
нарядна и декоративна гражданская архитектура Венеции, сочетающая в
себе элементы византийской, мавританской и готической традиции.
(палаццо Дожей)

40.

Италия. Проторенессанс. Изобразительное
искусство.
Искусство Проторенессанса родилось в Тоскане, области средней Италии. На грани XIII и XIV веков ее главные города Флоренция, Пиза, Сиена стали центрами новой художественной
культуры. В конце XIII века наблюдалось также оживление художественной жизни в Риме.
Пизанская школа скульптуры. Во второй половине XIII века в Пизе работал мастер Никколо Пизано. Его творчество в ранний период отмечено сильным влиянием древнеримской
классики. Прославленные произведения: кафедра баптистерия в Пизе. В рельефах Никколо поражает их светский характер. Изображая традиционные сюжеты, он вносит новые черты в
иконографию: он впервые смягчает суровость сцены «Распятия», вводя мотив падающей в обморок Марии. В 1260-1270-х годах мастерская Никколо Пизано выполняла
многочисленные заказы в городах средней Италии. В эти годы художник вступил в соприкосновение с искусством готики, что способствовало усилению эмоциональности
произведений. Известные художники, вышедшие из мастерской Никколо: Арнольфо ди Камбио, Джованни Пизано.
Арнольфо ди Камбио работал как скульптор и архитектор. Его скульптурные работы отличаются монументальностью, готическим реализмом деталей. Известные работы: статуя Карла
Анжуйского, надгробия в Риме (церковь Сан Джованниин Латерано) и Орвието (церковь Сан Доменико), табернакль в церкви Санта Чечилиа ин Трастевере в Риме.
Джованни Пизано освободил проторенессансную скульптуру от скованности, внеся в нее черты современности, страстность и динамику. В1284-1297 годах он руководил
строительством собора в Сиене, около 1297 года принимал участие в достройке баптистерия и собора в Пизе. Известные скульптурные работы: кафедры в Пистойе и Пизанском соборе,
ряд статуй мадонн на фасадах храмов. В произведениях Джованни можно найти мотивы, заимствованные из античной скульптуры (фигура атланта для кафедры собора в Пизе,
«Мадонна с младенцем» в алтаре капеллы дель Арена в Падус).
Искусство Рима. На рубеже XIII и XIV столетий новые веяния проникают в живопись Италии. Римская школа выдвинула одного из крупнейших мастеров Проторенессанса – Пьетро
Каваллини. Он заложил основы нового направления в живописи, в своем творчестве опирался на позднеантичные и раннехристианские памятники. Каваллини стремился преодолеть
плоскостность форм и композиционного построения, вводит светотеневую моделировку, достигая округлости и пластичности форм (фрески в церкви Санта Чечилиа ин Трастевере,
фигура Христа и апостолов из «Страшного суда», мозаики церкви Санта Мария ин Трастевере).
Искусство Флоренции. В течении двух столетий Флоренция была чем-то вроде столицы художественной жизни Италии и оперделяла главное направление развития ее искусства.
Рождение проторенессанского искусства Флоренции связывают с именем Ченни де Пеппо, прозванного Чимабуэ. Произведения его выделяются жизненной достоверностью образов и
силой экспрессии (фреска «Распятие» в трансепте верхней церкви Сан Франческа в Ассизи, «Мадонна со святым Франциском в Ассизи, «Мадонна с младенцем и ангелами»).
Композиции Чимабуэ разворачиваются на вертикальной плоскости и лишены глубины.
Радикальным реформатором живописи был Джотто ди Бондоне. В своих работах он достигает силы в столкновении контрастов и передаче человеческих чувств. Он работал как
живописец, скульптор и архитектор. Некоторое время он возглавлял строительство флорентийского собора, по его проекту была построена колокольня. Главным его призванием была
живопись. Вероятно, в начале 1290-х годов он выполнял работы в верхней церкви Сан Франческо в Асизи, а затем несколько лет работал во Флоренции. Древняя традиция связывает
часть росписей церкви Сан Франческо, посвященной проповеднику Франциску, с именем Джотто. Основной его работой считается расположенный в нижнем ярусе стен цикл из 28
фресок на сюжеты истории святого Франциска. Центральной работой Джотто является роспись капеллы дель Арена в Падуе. Общий замысел росписей подчинен идее искупления греха
(роспись «Страшный суд», «Благовещение»). Здесь традиционные религиозные сюжеты наполняются новым содержанием, Джотто трактует евангельские эпизоды как события
человеческой жизни. Все предметы архитектуры, фигуры в росписях Джотто объемны. Архитектура и пейзаж в фресках всегда подчинены действию («Бегство в Египет», «Встреча
Иоакима с пастухами»). Художественный язык Джотто лаконичен. Одной из вершин драматического повествования в цикле росписей капеллы дель Арена является фреска
«Оплакивание Христа». В конце 1320-х годов Джотто расписал две небольшие капеллы в церкви Санта Кроче. Фрески одной из них посвящены истории святого Франциска, во второй
изображены эпизоды легенд об Иоанне Крестителе и Иоанне Евангелисте. В 1328 году Джотто работал в Неаполе при дворе короля Альбера Анжуйского и написал для него
изображения «знаменитых людей».
Самым значительным скульптором во Флоренции был Андреа да Понтедера, прозванный Пизано. Его главное произведение и один из значительнейших памятников итальянской
скульптуры XIV века – бронзовые двери флорентийского баптистерия, украшенные двадцатью рельефами на сюжеты истории Иоанна Крестителя и восемью фигурами добродетелей.

41.

Италия. Проторенессанс. Изобразительное
искусство.
Искусство Сиены. Одним из важнейших центров искусства Италии конца XIII – первой половины XIV столетия была Сиена. Здесь
сформировался талант художника сиенской школы Дуччо ди Буонинсенья. В конце 1270 – начала 1280-х годов Дуччо работал Ассизи, а затем
во Флоренции. Вершиной творчества Дуччо была огромная картина, написанная для собора и посвященная Мадонне – покровительнице
города. В композиции «Въезд Христа в Иерусалим» сохранились все элементы византийской иконографии плоскостной принцип
расположения фигур и зданий.
Симоне Мартини принадлежит к следующему поколению сиенских живописцев. Первая известная работа - фреска «Маеста» в главном зале
палаццо Пубблико. По заказу короля Робера Анжуйского он написал алтарную картину, посвященную епископу Людовику Тулузскому. Между
1322 и 1326 годами Симоне работал в Ассизе, где он расписал для кардинала Джентиле да Монтефиоре капеллу в нижней церкви Сан
Франческо. Он изобразил в ней историю святого Мартина. Основой живописи Симоне и ее эмоциональной выразительности является цвет.
Он создает фреску в палаццо Пубблико, прославляющую победу военачальника Гвидориччо да Фольяно. Эта фреска во многих отношениях
является отступлением от традиций, так как посвящено современным событиям. Соприкосновение Симона с искусством французской готики
сказалось в его картине «Благовещенье». Для Франческо Петрарки художник исполнил изображение Вергилия в окружении буколического
пейзажа на фронтисписе рукописи, а также портрет Лауры.
Представителями бюргерского искусства были в Сиене братья Пьетро и Амброджо Лоренцетти. В своих произведениях Амброджо уделял
большое внимание построению пространства. Он достиг также впечатления объемности фигур и естественности движений, однако не
заботился о воплощении драматической ситуации. Амброджо не изолировал человека от окружающего мира, композиции его включают
множество предметов и фигур. Одно из важнейших произведений – аллегории доброго и злого правления в «зале Девяти» сиенского
палаццо Пубблико. Эта роспись посвящена гражданской теме, демонстрирует значение политической организации. Фрески Амброджо
занимают три стены зала: на первой - «Аллегория Доброго правления», на второй -результаты доброго правления в городе и на селе, на
третьей - композиции, посвященные «Злому правлению».
Итальянское искусство второй половины XIV века. В стилистическом отношении живопись Италии во второй половине XIV века
представляет сложную картину. В произведениях крупнейшего флорентийского живописца и скульптора Андреа Орканьи и его брата Нардо
да Чионе проявляются черты готичности. Изменилась и тематика живописи. Наряду с традиционными религиозными сюжетами появилось
много новых, как, например, прославление доминиканского монашеского ордена как спасителя и стража человечества, охраняющего его от
соблазнов (фреска Андреа да Фиренце в Испанской капелле доминиканской церкви Санта Мария Новелла во Флоренции). Одной из самых
распространенных темевропейского искусства со второй половины XIV столетия стала тема смерти. В итальянских монументальных росписях
она представлена рядом «Триумфов смерти» (фреска на стене галереи пизанского кладбища Камио Санта).

42.

Раннее Возрождение. Искусство
Флоренции. Архитектура.
• Творчество Филиппо Брунеллески открывает новую главу в истории архитектуры – формирование
стиля Возрождения. С 1404 года брунеллески учавствует в составлении проектов купола Санта Мария
дель Фиоре. Первым памятником нового стиля и самым ранним произведением Брунеллески в
области гражданской архитектуры был дом детского приюта Оспедали дельи Инноченти на площади
Сантиссима Аннунциата. Одним из основных произведений Брунеллески является перестроенная им
церковь Сан Лоренцо во Флоренции. Он начал ее с постройки боковой капеллы с идеей купольного
сооружения. Последние работы Брунеллески – ораторий церкви Санта Мария дельи Анджели,
церковь Сан Спирито и некоторые другие – остались незавершёнными.
• Учеником и последователем Филиппо Брунеллески был Микелоццо ди Бартоломео. Самым крупным
его произведением является палаццо Медичи (Риккарди). Микелоццо возводил лишь маленькие
храмы и фамильные капеллы. Он был одним из самых блестящих декораторов, орнаментика его
носила плоский характер, всецело подчиняясь рельефу стен и потолков.
• Центральной фигурой в зодчестве раннего Ренессанса был Леон Баттиста Альберти. Архитектурное
творчество Леона Баттисты Альберти знаменует новый этап в развитие итальянского зодчества
раннего ренессанса. Он опирался на традиции Древнего Рима, к ним восходит его понимание
пространственной композиции здания и характер использования ордеров. По проекту Альберти во
Флоренции в 1446-1451 годах был возведен палаццо Ручеллан. В 1456-1470-х Альберти оформил
фасад готической церкви доминиканцев Санта Мария Новелла. Из числа работ, выполненных
Альберти для Северной Италии, наиболее значительными являются церкви Сан Франческо в Римини и
Сант Андреа в Мантуе.

43.

Раннее Возрождение. Искусство
Флоренции. Скульптура.
В начале XV века большие заказы по украшению города – собора, баптистерия, церкви Ор Сан Микеле – привлекают много молодых художников. Конкурсные рельефы
Лоренцо Гиберти и Филиппо Брунеллески были высоко оценены. В них большое внимание уделено изображению нагого тела, передаче движения.
Лоренцо Гиберти исполнил в 1403-1424 годах северные двери баптистерия, которые повторяют композиционное построение дверей, сделанных в XIV веке Андреа
Пизано. Около 1414 года он сделал для одной из ниш Ор Сан Микеле бронзовую статую Иоанна Крестителя, а позднее статуи святого Матфея и святого Стефана.
Высшим творческим достижением Гиберти являются вторые восточные двери. Рельефы восточных дверей посвящены сюжетам Ветхого завета. В «Райских вратах»
проявились дарования художника – мастерство композиции, мягкость и богатство моделировки, ювелирная отточенность деталей.
Во главе мастеров, положивших начало расцвету Возрождения, стоял флорентийский скульптор Донателло. Он выступил как подлинный новатор, встал на путь
обновления как идейного содержания, так и художественных средств скульптуры. Созданные Донателло образы являются первым воплощением гуманистического
идеала всесторонне развитой личности и отмечены печатью яркой индивидуальности и богатой внутренней жизни. Он сумел решить проблему устойчивой постановки
фигуры, передать органическую цельность тела, возродил изображение наготы в статуарной пластике, создал новый тип надгробия, отлил первый бронзовый
памятник. Одним из первых Донателло стал использовать в своих произведениях теорию линейной перспективы. Между 1404-1407 годами Донателло работал в
качестве помощника в мастерской Гиберти. В 1406 году получил первый самостоятельный заказ на статую пророка для одного из порталов собора. Вслед за тем он
исполнил для собора мраморного «Давида». Еще более свободно исполнена фигура сидящего Иоанна Евангелиста. В 1411-1412 годах Донателло исполнил для одной
из наружных ниш церкви Ор Сан Микеле статую святого Марка, в 1415-1417 годах для этой же церкви – статуя святого Георгия. В 1420-х годах Донателло начал
работать над статуями для наружных ниш кампанилы флорентийского собора (фигуры пророков Иеремии и Аввакума). В выполненном Донателло совместно с
Микелоццо во флорентйиском баптистерии между 1424 и 1427 годами надгробии Бальдассаре Косса впервые создан тип ренессансного мемориального памятника,
смысл и задача которого – прославление умершего. Донателло создает рельефы собора в Прато и во Флоренции. Свободно использованы классические мотивы в
выполненном табериакле со сценою «Благовещения» в цекрви Санта Кроче. Также Донателло изобразил юного Давида в виде стройного мальчика с гибким телом и
длинными волосами, на которые надета увитая лавровым венком пастушеская шапочка. В 1443 году Донателло был приглашен в Падую для украшения алтаря собора
Сан Антонно. Там он разрабатывает новый тип рельефа, в котором впечатление пространства создается не за счет дистанции между частями скульптуры. Но является
результатом перспективного построения композиции. Статуя Гаттамелаты – первый дошедший до нас отлитый в бронзе конный памятник Возрождения. В последние
годы Донателло создает бронзовую группу «Юдифь и Олофери», сделанную для двора палаццо Медичи. В произведениях его все чаще звучат темы старости,
страданий, смерти (статуя «Мария Магдалина»). Глубоким драматизмом отмечены бронзовые рельефы двух заказанных Козимо Медичи для церкви Сан Лоренцо
кафедр.
С флорентийской скульптурой начала XV века тесно связано творчество сиенского скульптора Яконо делла Кверча. Самым ранним произведением является надгробие
Иларии дель Каретто. Самым замечательным произведением является скульптура портала собора Сан Петронно и Болонье.
Дальнейшая эволюция флорентийской скульптуры характеризуется усилением в ней светского начала. Эта эволюция сказалась в творчестве Луки делла Роббиа. Первое
датированное его произведение –кафедра певчих во флорентийском соборе. Развитие светских и бытовых мотивов характерно и для творчества Антонио Росселино и
Дезидерно да Сеттиньяно.

44.

Раннее Возрождение. Искусство
Флоренции. Живопись.
Живопись Флоренции первой трети XV столетия богата контрастами. Главой нового направления был Мазаччо.
В живописи Лоренцо Монако господствует готический идеал красоты. К числу лучших его работ принадлежит «Поклонение волхвов». На рубеже XIV и XV столетий в живописи Западной Европы
распространилось влияние франко-бургундского искусства. Во Флоренцию это искусство было занесено художником Джетиле да Фабриано. В 1408 году он украсил зал Большого Совета палаццо Дожей
фреской на сюжет одной из военных побед, с 1414 по 1419 год расписывал дворец Пандольфо Малатеста в Брешии, в 1421 и 1425 годах работал в Сиене, в 1425 – в соборе Орвнето, в 1426 написал фрески в
Сан Джованни ин Латерано в Риме. Самой известной работой является «Поклонение волхвов».
Произведения Мазаччо полны энергичности, лаконичного развития действий, выразительной мимики и движений. Яркая декоративная красочность уступает место сдержанной цветовой гамме. Самой
ранней его работой считают «Мадонну с младенцем, святой Анной и ангелами». Вероятно, около 1423 года Мазаччо работал в церкви Санта Мария дель Кармине, написав в клуатре фреску с изображением
освящения церкви. В 1426 году Мазаччо написал большой алтарный полиптих для церкви дель кармине в Пизе («Мадонна с младенцем и англеми», «Распятие», «Поклонение волхвам», Мучение святых
Петра и Иоанна» и т.д.). Написанная в церкви Санта Мария Новелла во Флоренции фреска «Троица» отражает новый этап в творческой эволюции Мазаччо. В композиции фрески впервые последовательно
использована система линейной перспективы. Вершиной искусства Мазаччо являются фрески в капелле Бранкаччи церкви Санта Мария дель Кармине. В фресках представлены эпизоды истории апостола
Петра, а также библейские сюжет – «Грехопадение» и «Изгнание из рая». Они проникнуты трезвым рационализмом. Мастерство Мазаччо в построении пространство и расположении фигур выразилось в
фреске «Чудо с о статиром». Просто и реально трактованы художником эпизоды «Раздачи милостыни», «Исцеление тенью», «Крещения новообращенных».
Крупнейшим среди художников, сохраняющих готические традиции, был Гвидо ди Пьетро, прозванный Фра Беато Анджелико. Произведения Фра Беато проникнуты религиозным чувством, но они лишены
сурового аскетизма средневековья. В его картине «Страшный суд» отсутствует единство пространства, пробивается ренессансное чувство. Сходными чертами обладает картина «Коронование Марии». В
поздних работах художник овладевает средствами передачи объема и пространства, переходит к более обобщенной манере живописи (цикл фресок в монастыре Сан Марко во Флоренции, росписи
капеллы святого Николая в Ватикане).
К старшему поколению мастеров, работавших во Флоренции, принадлежит также Паоло Уччелло. Первая дошедшая работа – фреска с изображением кондотьера Джона Хоквуда во флорентийском соборе.
Также Уччелло создавал цикл фресок в церкви Санта Мария Новелла на сюжеты Ветхого завета. В 1456 году Паоло Уччело привлекли к украшению дворца, построенного для Козимо Медичи (деревянные
панно с эпизодами битвы при Сан Романо). Многие произведения Уччело овеяны духом позднеготической куртуазности (картина «Святой Георгий»).
Фра Филиппо Липпи был одним из тех, кто распространял светские традиции в флорентинской живописи. Период творческой зрелости Фра Филиппо открывает «Коронование Марии». Около 1458-1460
годов Фра Филиппо написал картину «Поклонение младенцу» для алтаря капеллы палаццо Медичи. К числу лучших картин Фра Филиппо принадлежит «Мадонна с младенцем и ангелами».
Бенеццо Гоццоли был значимым художником XV века. В течении трех лет он был связан с мастерской Лоренцо Гиберти, занятой в то время изготовлением «Райских врат». Картины и фрески Беноццо
Гоццоли вмещают пестрое многообразие окружающего мира. Он оставил большие циклы фресок в Сан Джиминьяно, Пизе и других городах. Высшим достижением искусства Беноццо является роспись
капеллы дворца Медичи во Флоренции – «Шествие волхвов». Фреска имела актуальный политический смысл.
Творчество Доменико Венециано стоит особняком во Флоренции середины XV столетия. Он был одним из самых блестящих колористов своего времени. Его тондо «Поклонение волхвов» выделяется на
фоне флорентинской живописи единством фигур и предметов с окружающей их световоздушеной средой. Под влиянием искусства Флоренции он приходит ко все более обобщенным формам и создает
картины, полные торжественного величия («Мадонна со святыми»).
Одним из немногих флорентинских художников середины XV столетия, пытавшихся приблизиться к монументальности форм, драматизму и героическому пафосу искусства, был Андреа дель Кастаньо.
Среди его произведений известны фрески виллы Кардуччи близ Леньяйя, где он изобразил выдающихся людей древности и современности. Большой известностью также пользуется «Тайная вечеря».
Величием и монументальностью отмечено «Распятие».

45.

Раннее Возрождение. Искусство Средней
Италии вне Флоренции. Архитектура.
• В Италии известным инженером и архитектором был Лучано да
Лаурана. Ему поручили создание большого дворцового
комплекса в Урбино. Его проект развивает тип городского
палаццо с большим внутренним парадным двором, вокруг
которого располагаются многочисленные жилые и хозяйственные
помещения.

46.

Раннее Возрождение. Искусство Средней
Италии вне Флоренции. Живопись.
• Пьеро делла Франческа работал в Ареццо, Фераре, Урбино, Римини, Риме и некоторых
других городах. В его произведениях все подчинено ясной математической
закономерности, создающей ощущение пропорциональности и гармонии. Формы
предельно обобщены. В этом мире царит спокойствие. Пространство в его картинах
строится с помощью цвета. Картина «Крещение» отмечена чертами величавого
спокойствия. В 1450 году Пьеро делла Франческа был в Ферраре, где украшал фресками
замок герцога Борсо д’Эсте. В 1451 году Пьеро делла Франческа написал для Сиджизмондо
Малатесты, правителя Римини, фреску с его изображением в капелле церкви Сан
Франческо. Также он заканчивал фрески капеллы в хоре церкви Сан Франческо в Ареццо.
Они посвящены истории святого креста, сюжет которого заимствован из популярнейшей
«Золотой легенды» Якопо да Вараццо. Роспись расположена в три яруса готической капеллы
(«Битва Константина с Максенцием», «Победа Ираклия над Хосроем», «Прибытие царицы
Савской и ее встреча с Соломоном», «Смерть Адама», «Сон Константина» и др.). В 1459 году
он расписывал для Пия II папские покои в Риме. Вероятно, в Урбино была написана картина
«Бичевание Христа». В Урбино были написаны парные портреты герцога Федериго да
Монтефельтро и его жены Баттисты Сфорца. К числу поздних произведений художника
принадлежит написанная в 1470-х годах для церкви святого Бернардина в Урбино
«Мадонна с младенцем, святыми и герцогом Федериго да Монтефельтро».

47.

Раннее Возрождение. Искусство Северной
Италии. Архитектура.
• Архитектура Северной Италии (Милан, Болонья, Верона, Ферара и другие
центры) отличается большей декоративностью и усложненностью своих
форм.
• Архитектура Милана. Первым значительным архитектором Милана был
Антонио Аверлино Филарете. В 1451 году он начинает перестраиать замок –
Кастелло Сфорцеско. Главное произведение Антонио Филарете – Большой
Госпиталь в Милане. Постройка здания была продолжена Гуинифорте
Солари. Гуинифорте Солари строил также церковь и клуатр Картезианского
монастыря Чертоза в Пании близ Милана. Мраморный фасад Павийской
Чертозы создан архитектором и скульптором Джованни Антонио Амадео.
• Архитектура Болоньи. Крупный инженер и архитектор Фиораванте
Фиораванти построил в Болонье палаццо Коммунале. Во второй половин XV
века в Болонье было сооружено палаццо Бевильаква, фасад которого
обработан граненым рустом.

48.

Раннее Возрождение. Искусство Северной
Италии. Изобразительное искусство.
• Значительное влияние на развитие искусства Северной Италии оказал Джентиле да
Фабриано.
• Антонно Пизано, прозванный Пизанелло, помогал Джентиле в декорировке
палаццо Дожей в Венеции, росписях Латеранской базилики в Риме. Из всех
монументальных работ до нас дошли фрески в церквах Сан Фермо и Санта
Анастазия в Вероне. Наблюдения художника за природой отражены в картинах
«Видение святого Евстафия». Творчество Пизанелло несет в себе печать
позднеготической куртуазной культуры. Это сказывается в монументальных
произведениях («Благовещение»). С именем Пизанелло связано также рождение
профильного погрудного портрета в итальянском искусстве (портреты Джиневры
д’Эсте и Лионелло д’Эсте). Пизанелло был родоначальником медальерного
искусства. В 1439 году он сделал в Ферраре медаль с изображением Иоанна VIII
Палеолога. Впоследствии художник сделал еще ряд портретных медалей.
• Якопо Беллини работал в Вероне, Падуе, Ферраре и некоторых других городах
Северной Италии. До наших дней дошли «Мадонны» художника.Самое интересное
в наследии Якопо Беллини – альбомы рисунков в Лондоне и Париже.

49.

Раннее Возрождение. Искусство
Флоренции.
Искусство Флоренции последней трети XV века отмечено чертами аристократизма и рафинированной утонченности. В эти годы появляются произведения искусства,
созданные для ценителей, которые могут разобраться в тонкостях сюжета.
Доменико ди Томмазо Бигорди, прозванный Гирландайо, был портретистом и бытописателем. Его картины и фрески на религиозные сюжеты представляют собой
изображение современной жизни и изобилуют портретами членов фамилий Медичи, Торнабуони, Сассетти. Гирландайо был умелым мастером композиции и
искусным декоратором. К числу наиболее известных работ художника принадлежит фреска «Тайная вечеря» в монастыре Оньисанти во Флоренции. В 1481-1482 годах
Гирландайо вместе с другими художниками принимает участие в украшении Сикстинской капеллы в Ватикане, где ему принадлежит фреска «Призвание апостолов
Петра и Андрея». По возвращению во Флоренцию он написал большой цикл фресок в капелле Сассетти церкви Санта Тринита на сюжеты из истории святого
Франциска. Алтарь этой капеллы он украсил картиной «Поклонение пастухов». Между 1486 и 1490 годами Гирландайо создал цикл фресок, расписав три стены
капеллы Торнабуони церкви Санта Мария Новелла, где изобразил «Жизнь Марии» и эпизоды из жизни святых Доминика и Петра-мученика.
Антонио Поллайоло обращался в своих работах к сюжетам античной мифологии. Он стремился приблизиться к созданным древним искусством образам (панели
«Геракл и Антей», «Геракл и гидра»). Поллайоло уделял внимание анатомическому строению тела, передаче разнообразных ракурсов и движений (картина «Мучение
святого Себастиана»). Его известное произведение – «Портрет молодой девушки». Скульптурные произведения Поллайоло представляют собой в большинстве
бронзовые статуэтки («Геракл и Антей», «Геракл») и терракотовые бюсты («Воин»). Самые значительные монументальные скульптурные произведения – бронозовые
надгробия пап Сикста IV и Иннокентия VIII. До нас дошла одна из его гравюр – «Битва десяти обнаженных юношей».
Одно из самых видных мест во флорентинском искусстве последней трети XV века принадлежит Андреа да Чони, по прозванию Верроккио. Одна из ранних его работ –
бронзовой статуе «Давида». Он трактует эту тему во вкусе своего времени. Смелые новшества отразились в группе «Неверие Фомы», сделанной для церкви Ор Сан
Микеле. В своем последнем произведении – конной статуе кондотьера Бартоло Коллеони в Венеции он воплощает образ охваченного пылом сражения
военачальника. Из живописных работ художника наибольшей известностью пользуется картина «Крещение».
Вся противоречивость флорентийского искусства выражается в творчестве Алессандро Филипени, прозванного Сандро Боттичелли. Созданные им образы обладают
необычной силой экспрессии. Художник концентрируется на внутреннем мире своих персонажей («Смерть Олоферна»). Смелые новшества ввел Боттичелли в картине
«Поклонение волхвов». После 1478 года Боттичелли написал несколько портретов убитого Джулнано Медичи. Образы мифологии и поэзии лежат в основе картин
«Весна», «Рождение Венеры». В произведениях зрелой поры творчества художника яркость образов сочетается с внутренней тревогой и надломленностью. Вместе с
тем произведения эти отмечены чертами утонченного декоративизма. В 1481 году в Риме Боттичелли возглавил работы по декорировке Сикстинской капеллы и
написал там три фрески на сюжеты из Ветхого и Нового заветов. По возвращению из Рима он написал картину «Паллада и кентавр». В 80-х годах Боттичелли написал
большое количество мадонн, среди которых особенной известностью пользуется тондо, называемое обычно «Маньификат» - «Величание Мадонны». В последний
период творчества в картинах преобладает мрачное отчаяние. В последних работах – двух изображениях «Пьеты» и в картине «Покинутая», звучат трагические ноты
отчаяния.
Филиппино Липпи – тонкий колорист и изобретательный декоратор. Известна его картина «Поклонение младенцу». Большой успех во времена Лоренцо Медичи
имели красочные и декоративные картины Пьеро ди Козимо («Венера и Марс», «Смерть Прокриды»). Пьеро ди Козимо принадлежит также ряд алтарных картин и
портретов. Среди последних особенно известен портрет южной красавицы Симонетты Веснуччи.

50.

Раннее Возрождение. Искусство Средней
Италии вне Флоренции.
• Искусство Средней Италии последней трети XV столетия сформировалось под влиянием Пьеро делла
Франческа.
• Мелоццо да Форли был одним из лучших знатаков перспективы в Италии. Самое раннее его
произведение – фреска, на которой изображено сонование папой Сикстом IV ватиканской
библиотеки. В 1475-1480-х годах он участвовал в декорировке двух комнат дворца, для которых были
сделаны портреты знаменитых людей и аллегорические изображения семи свободных искусств.
• Лука Синьорелли работал во многих городах Италии. В 1481-1482 годах он принимал участие в
декорировке Сикстинской капеллы в Риме, написав там фреску «Смерть Моисея». Для Лоренцо
Великолопного он написал картину «Воспитание Пана». Вершина творческих достижений Синьорелли
– цикл фресок в капелле Сан Брицио собора в Орвието.
• Пьетро Перуджино был в числе художников, участвовавших в декорировке Сикстинской капеллы.
Перуджино – мечтательный лирик, который с трогательной любовью пишет пейзажи. Он избегает
всякого драматизма. Лучшие его произведения – фреска «Передача ключей апостолу Петру» в
Сикстинской капелле, картина «Оплакивание Христа».
• Бернардино ди Бетто, прозванный Пинтуриккио, был очень плодовитым художником. Он такж
работал в Сикстинской капелле, а позднее украсил еще ряд римских церквей и апартаменты
Александра Борджа в Ватикане. Его большой цикл фресок в библиотеке Пикколомини в Сиене с
изображением эпизодов из жизни Энея Сильвио Пикколомини отличаеся праздничной нарядностью и
яркой красочностью.

51.

Раннее Возрождение. Искусство Северной
Италии. Искусство Падуи.
• Андреа Мантенья – один из величайших художников Италии XV века. Творчество
его впитало в себя элементы разнообразных традиций. Искусство Мантеньи богато
смелыми новшествами, он использовал теорию линейной перспективы для
создания необычных эффектов и зрительных иллюзий, изобрел новый приемы
декорировки интерьера, использовал необычные ракурсы фигур. Мантенья работал
в капелле Оветари церкви Эремитани около 8 лет, написав «Вознесение» и фигуры
святых в апсиде и ряд фресок из истории святых Иакова и Христофора на стенах
капеллы. Много нового вносит Мантенья в построение перспективы. «Суд над
Иаковом» и соседнее с ним «Крещение Гермогены» объединены общей точкой
зрения, перспектива их рассчитана на зрителя, находящегося между фресками.
Стилистически родственен этой росписи исполненный алтарь для церкви Сан Дзено
в Вероне («Моление о чаще», «Голгофа», «Воскресение Христа»). Также Мантеья
создал роспись одного из покоев дворца Лодовико Гонзага, так называемой
камеры дельи Снози и серия картонов с изображением «Триумфа Цезаря». Среди
произведений мантуанского периода выделяется необычностью замысла картина
«Пьета».

52.

Раннее Возрождение. Искусство Северной
Италии. Искусство Феррары.
• Первым крупным художником феррарской школы был Козимо Тура. В
произведениях этого экспрессивного и темпераментного художника еще
чувствуется близость к готическим формам. Мрачным и тревожным
настроением проникнута роспись двух створок органа собора в Ферраре с
изображением смертельной схватки святого Георгия с драконом и
охваченной ужасом принцессы. Чертами трагической экспрессии отмечена
картина «Пьета». Некоторые произведения художника нуждаются в
специальной расшифровке («Венера»). В 1469-1471 годах Козимо Тура
возглавлял работы по декорировке большого зала палаццо Скифанойя. Он
участвовал в выполнении фресок вместе с художниками Франческо Косса и
Эрколе Роберти. Козимо Тура приписывают некоторые сцены «Триумфов».
Одной из самых известных работ мастера является для болонской церкви
дель Оссерванца картина «Благовещение».
• В конце XV - первой трети XVI века в Ферраре работал Лоренцо Коста,
позднее перебравшийся в Болонью, где он написал «Мадонну семьи
Бентивольн».

53.

Раннее Возрождение. Искусство Северной
Италии. Искусство Болоньи.
• В Болонье поздно сформировалась местная школа.
Единственным значительным мастером был работавший на грани
XV и XVI веков Франческо Франча, автор многочисленных
«Мадонн».

54.

Раннее Возрождение. Искусство Венеции.
Архитектура.
• Ренессанс проник в архитектуру Венеции через орнамент и
декоративную обработку. Исключительной нарядностью
архитектуры отличаются городские дворцы венецианской знати
(палаццо Ка д’Оро, построенный архитектором Джованни Бон и
Бартоломео Бон Старшим).
• Центральное положение в архитектуре раннего венецианского
Ренессанса занимает семья Ломбардо. В 1481 году Пьетро
Ломбардо приступает к перестройке церкви Санта Мария деи
Мираколи. Вторым крупнейшим произведением была скуола ди
Сан Марко. Пьетро Ломбардо достраивал также известный
палаццо Вендрамин Калерджи.

55.

Раннее Возрождение. Искусство Венеции.
Живопись.
В первой половине и середине XV века в искусстве Венеции еще преобладали византийские и готические традиции. Самым ярким
представителем консервативного направления был Карло Кривелли, произведения которого тесно связаны с готикой и отмечены чертами
феодально-рыцарской культуры. Он писал преимущественно алтарные картины. Он был знаком с основами перспективы (картина
«Благовещение»).
Заметную роль в формировании ренессансного искусства сыграл Антонелло да Мессина. В зрелом творчестве художника заключаются
тонкость цветовых нюансов, прекрасное чувство природы. Написанные Антонелло в Венеции картины принадлежат к числу его лучших
произведений (пейзаж «Распятие», «Святой Себастиан», портрет «Кондотьер».
Ведущая роль в живописи Венеции второй половины XV века принадлежит двум сыновьям Якопо Беллини. Джентиле Беллини писал
алтарные картины, оставил портреты, но больше всего славился как художник повествовательных циклов картин. Прославленными
картинами художника являются три картины, написанные для скуола ди Сан Джованни Эванджелиста. Сюжеты их связаны с легендой о
реликвии – куске дерева, считавшемся частью креста, на котором был распят Христос. Художник также провел три года в Константинополе,
где выполнял поручения Мохаммеда II и написал его портрет. Впечатление от поездки отразилось в работе «Проповедь святого Марка в
Александрии».
Повествовательный жанр также получил продолжение в творчестве Витторе Карпаччо. Он любил изображать венецианские виды,
архитектуру, праздничную толпу. Некоторые его картины отмечены чертами причудливой фантастики и экзотики. Он написал большие циклы
картин для скуола ди Санта Орсола, скуола ди Сан Джорджо дельи Скьявони, скуола ди Сан Стефано. Его картина «Чудо святого креста»
представляет собой очаровательный вид Венеции с плывущими по каналам гондолами. Среди произведений художника есть необычное
жанровое произведение –изображение двух сидящих на балконе знатных дам.
Произведения Джованни Беллини вплотную подводят к Высокому Возрождению. В ранних работах художника еще чувствуется склонность к
мелочной детализации, скованность в изображении человека. В зрелых работах преобладает простота и уравновешенность композиции,
свобода движений фигур. Он пишет преимущественно алтарные картины. Природа Беллини – прекрасный и полный гармонии мир, в
котором живет челвоек (картина «Озерная мадонна»). Сила индивидуальной характеристики выражается в портрете венецианского дожа
Леонардо Лоредана. Выдающееся произведение Джованни Беллини – картина «Мадонна со святыми».

56.

Высокое Возрождение. Искусство
Северной Италии. Архитектура.
• Донато д’Анджело Браманте играл в зодчестве Высокого Возрождения большую роль. Первым
архитектурным произведением Браманте в Милане была церковь Санта Мария прессо Сан Сатиро. В
1492-1497 годах он построил церковь для монастыря Санта Мария делла Грацие. Первое
произведение в Риме – часовня во дворе монастыря Сан Пьетро ин Монторно, так называемое
Темпиетто. Высшим достижением творчества Браманте являются его ватиканские сооружения. Ему
поручается составление проекта реконструкции Ватикана, который до этого представлял ряд
разрозненных построек. Крупнейшей работой Браманте является проект собора Пмиетра.
• После смерти Браманте строительством собора святого Петра также занимался Антонио да Сангалло
Младший. Самым значительным произведением Сангалло является палаццо Фарназе в Риме.
• Ряд архитектурных произведений оставил Рафаэль. Среди них – вилла Мадама близ Рима и палаццо
Пандольфини во Флоренции.
• Необходимо отметить особое значение для архитектуры Высокого Ренессанса Леонардо да Винчи, его
чертежей и набросков.
• Микеланджело занимает особое положение в истории итальянской архитектуры. Он является
предвозвестником зарождающегося барокко. С 1521 по 1524 год по проекту Микеланджело было
сооружена сакристия при церкви Сан Лоренцо, которая должна была служить усыпальницей семьи
Медичи. В 1546 году Микеланджело приступил к перестройке римского Капитолия. Крупнейшим
творением Микеланджело в области зодчества является обор святого Петра.

57.

Высокое Возрождение. Искусство Северной
Италии. Изобразительное искусство.
Необычная и разносторонняя одаренность Леонардо да Винчи вызывали восхищение современников. Полагают, что он написал левую фигуру ангела в картине Верроккио «Крещение Христа». Одним из
самых ранних дошедших до нас самостоятельных произведений Леонардо является «Мадонна с цветком». Среди ранних работ особый интерес представляет картина «Поклонение волхвов». Миланский
период – самый плодотворный в творчестве художника. Он начал трудиться над созданием статуи Франческо Сфорца. Одним из самых значительных живописных произведений художника является
выполненная в Милане картина «Мадонна в гроте». Сходными чертами отмечена и картина «Мадонна Литта». Во время пребывания в Милане с 1495 по 1498 года Леонардо написал фреску «Тайная
вечеря». Фреска в трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие – последнее большое произведение Леонардо, выполненное в Милане. Пьетро Содерини заказал Леонардо и Микеланджело две
батальные композиции. Леонардо изображал сюжетом победоносную битву флорентинце при Ангиари («Битва при Ангиари»). Около 1503-1506 годов Леонардо написал портрет Моно Лизы Джоконды.
Между 1508-1512 годами в Милане Леонардо написал картину «Святая Анна». В заметках Леонардо содержится много сведений об анатомии, перспективе.
Творчество Рафаэля целиком принадлежит короткой поре Высокого возрождения. Около 1500 года он уехал в Перуджию, где испытал сильное влияние Перуджино на свое искусство («Обручение Марии».
К числу ранних произведений художника принадлежит «Мадонна Конестабиле». ВО Время пребывания во Флоренции Рафаэль написал ряд «Мадонн». Последняя большая флорентинская картина –
«Мадонна под балдахином». Рафаэль должен был работать над украшение Ватикана. Сразу же по приезде он получил заказ на роспись личных папских покоев. Между 1508 и 1517 он росписывает станцу
делла Сеньятура, станцу д’Элиодоро и станцу дель Инчендио. Программа росписей необычна. За изображениями наук и искусств следуют сюжеты из Ветхого и Нового заветов («Изгнание Илиодора»,
«освобождение апостола Петра из темницы») и церковной истории («Месса в Больсене», «Чудесное спасение Рима от войск Аттилы», «Пожар в Борго»). Раньше всех была исполнена фреска «Диспута».
Занимающая противоположную стену «Афинская школа» воплощает величие философии и науки. Рафаэль сохранил мотивы росписей потолка Джованни Антонио Содомы в станце делла Сеньятура,
поместив над соответствующими фресками стен заключенные в медальоны аллегорические фигуры «Теологии», «Философии», «Поэзии», «Справедливости». В 1511-1514 годах Рафаэль расписал станцу
д’Элиодоро. Имя ей дала фреска «Изгнание Илиодора». Редкий сюжет заключен в «Мессе в Больсене», где изображено чудесное изобличение немецкого священника, не верившего в истинность таинства
прчиастия. В фресках «Освобождение апостола Петра» и «Папа Лев I, останавливающий вторжение Аттилы в Рим” в иносказательной форме повествуется о событиях из жизни нового папы и о спасении
Италии от врагов. Параллельно Рафаэль пишет большое количество алтарных картин и портретов («Мадонна Альба», «Мадонна в Кресле», «Мадонна ди Фолиньо», «Сикстинская мадонна»). Лучшие
портреты художника – «Портрет кардинала», «Дама с вуалью», портрет папского библиотекаря Томмазо Ингирами, портрет графа Бальдассаре Кастильоне.
Творчество Микеланджело отразило глубокие противоречия развития художественной культуры Италии в XVI столетии. Первые работы Микеланджело – мраморные рельефы «Мадонна у лестницы» и
«Битва кентавров». Влияние классической древности на искусства на художника проявляется в мраморной статуе «Вакх с сатиром». Также Микеланджело создает группу «Оплакивание Христа» («Пьета»). В
1501-1504 годах Микеланджело создал из испорченной в XV веке глыбы мрамора огромную статую «Давида». После он начал работать над картоном заказанной ему одновременно с Леонардо фрески для
зала Совета во дворце Синьори. Сюжетом ее послужил рассказ о сражении между флорентинцами и пизанцами («Битва при кашинах»). Микеланджело написал для флорентинского купца Анджело Дони
тондо «Святое семейство». В марте 1505 года папа Юлий II поручил Микеланджело сделать для себя грандиозную гробницу, которая должна была быть установлена в Браманте соборе святого Петра. В
течении 26 месяце Микеланджело расписывал свод Сикстинской капеллы, создав самле грандиозное произведение монументальной живописи Высокого Возрождения. Роспись Сикстинского плафона
представляет собой как бы гимн совершенному человеку, его силе. Одним из крупнейших произведений Микеланджело является пристроенная им к церкви Сан Лоренцо и украшенная скульптурными
надгробиями капелла Медичи. Характер скульптуры – динамичный и мощный (фигуры герцогов Джулиано и Лоренцо, аллегорические фигуры «Утра», «Вечера», «Дня», «Ночи»). Помимо статуй для
гробниц, Микеланджело сделал для капеллы фигуру Мадонны с младенцем. В 1535 году Микеланджело начал писать по заказу папы Павла III фреску «Страшный суд» на алтарной стене Сикстинской
капеллы. В 1540-х годах он написал две фрески в капелле Паолина в Ватикане - «Обращение Павла» и «Распятие апостола». В бюсте «Брута» Микеланджело воплотил образ мужественного и волевого
человека, готового на подвиг ради спасения республики. Последние скульптурные работы художника – две «Пьеты». В 1550 – начале 1560-х годов Микеланджело почти целиком поглощён архитектурными
работами. Главная из них – собор святого Петра.
Андреа дель Сарто – тонкий колорист, картины его отличаются теплой золотистой красочной гаммой и богатством переходов светотеней. Он оставил большое количество фресок и станковых картин
(«Рождение Марии», «Благовещение», «Мадонна с гарниями», цикл фресок из истории Иоанна Крестителя, выполненных в монастыре Сан Сальви во Флоренции).
В произведениях Корреджо просматривается изящество, грация, игривость. Художник склонен к динамическому повествованию композиции, к созданию подвижных фигур, необычных ракурсов. Изящество
и галантность проявляется в картине «Мадонна со святым Франциском». Первой большой его работой была роспись купола церкви Сан Джованни Эванджелиста «Вознесение Христа». Также художник
создает ряд станковых картин - «Мадонна со святым Себастианом» и другие. К числу наиболее прославленных произведений Корреджо относятся «Мадонна со святым Иеронимом», «Поклонение
пастухов», «Мадонна со святым Георгием», ряд картин на мифологические сюжеты («Ночь»).

58.

Высокое Возрождение. Искусство Венеции.
Архитектура.
• Крупнейшим мастером Высокого Возрождения в Венеции был
Якопо Сансовино. В 1532-1537 годах сооружает палаццо Корнер
делла Ка-Гранде. Вторая, еще более значительная работа –
Библиотека Сан Марко на Пьяцетте. В 1540 году Сансовино
добавляет к ансамблю площади святого Марка павильонлоджетту.

59.

Высокое Возрождение. Искусство Венеции.
Живопись.
Джорджоне реформировал венецианскую школу. Он сформировался как художник в художник в духовной атмосфере гуманизма, поэзии и
музыки. Джорджоне пишет картины на мифологические и литературные темы, а также портреты, вводит в живопись изображение нагого
тела, передает в пейзаже состояние природы. Около 1504 года он написал алтарную картину для церкви своего родного города – «Мадонну
Кастель-франко». К числу ранних картин художника относится «Юдифь». Ранний период творчества Джорджоне завершается картиной «Три
философа». Около 1506 года Джорджоне написал картину «Гроза». В 1507 году у него заказывают картину для палаццо Дожей, а в 1508 году
он расписывает отстроенный после пожара торговый дом немецких купцов. В 1507-1508 годах Джорджоне написал свою знаменитую
картину «Спящая Венера». Одной из последних дошедших до нас работ Джорджоне является картина «Сельский концерт». К числу лучших
портретов принадлежат портрет «Неизвестного юноши», и Антонио Брокардо.
Расцвета искусство Высокого Возрождения достигает в творчестве Тициана. Он использует заимствованные из мифологии и литературы
сюжеты, много пишет нагое тело, разрабатывает новый тип ренессансного портрета. Первые упомянутые работы Тициана – фрески,
выполненные вместе с Джорджоне в торговом доме немецких купцов. В 1511 году Тициан работал в Падуе, где написал в скуола дель Санто
фрески из истории святого Антония Падуанского. В некоторых «Мадоннах» Тициан используется композиционный прием приближения к
переднему плану полуфигуры на фоне драпировки и пейзажа («Цыганская мадонна», «Мадонна с вишнями»). Также Тициан написал ряд
женских полуфигур («Дама за туалетом», «Флора»). Одна из красивейших картин – «Любовь небесная и земная». Значительным
произведением художник является картина «Вознесение Богоматери» в церкви Санта Мария Глориоза деи Фрари в Венеции. Чертами
патетики и величия отмечена картина «Мадонна Пезаро». С 1516 года Тициан начал работать для феррарского герцога Альфопсо д’эсте, для
которого он исполнил ряд картин на мифологические сюжеты («Праздник Венеры», «Вакх и Ариадна»). Одновременно Тициан выполнял
заказы правительства – написал в палаццо Дожей батальную композицию «Битва при Кадоре». В 1520-1530-х годах характер тицианских
портретов изменяется, в них появляются черты парадности. Характерным для этого времени становится поколенный портрет (потрет
Федериго Гонзага, Альфонсо д’Эсте, Ипполито Медичи). Начиная с 1530-х годов произведения Тициана утрачивают черты эффектной
бравуарности, пафос больших алтарных картин сменяется правдивым изображением окружающей жизни. Среди религиозных картин
показательна «Введение во храм». Одной из самых прославленных картин Тициана является «Лежащая Венера». В Болонье и Риме Тициан
пишет главу католической церкви папу Павла III Фарнезе и членов его семьи, в Аугсбурге исполняет портреты европейского монарха и лиц его
окружения. В 1548 году Тициан написал два портрета императора Карла V. 1540-е годы – время расцвета портретного искусства Тициана. В это
время был создан портрет феррарского юриста Ипполито Риминальди. В 1545 году Тициан написал портрет друга – Пьетро Аретино. В
религиозных картинах последних лет Тициан все чаще обращается к драматическим сюжетам. Композиция работ становится более
динамичной, в цветовой структуре картин обесценивается значение локальных пятен, краски то вспыхивают, то гаснут. Такова «Венера под
зеркалом». В последних работах художника все отчетливее звучит тема страдания и гибели («Мучения святого Лаврентия», «Венчание
тернием», «Святой Себастиан»). В последней картине «Пьета» художник достигает драматической экспрессии.

60.

Позднее Возрождение. Искусство Средней
Италии и Ломбардии. Архитектура.
• В архитектуре этого времени увеличиваются элементы живописности.
Назревает новый стиль – стиль барокко. Большую роль в развитии
архитектуры сыграла витрувианская академия. В этот период
отмечается оживление теоретической деятельности архитектуры.
• Теоретик Джакомо Бароцци да Виньола является автором ряда
значительных сооружений. Первой значительной его постройкой была
вила папы Юлия III перед Порта дель Пополо. Одним из самых крупных
произведений Виньолы в области дворцовой архитектуры является
замок Капрарола близ Витербо, бостроенный для кардинала
Алессандро Фарназе. Наиболее известным произведением Виньолы в
области церковной архитектуры является церковь Иисуса в Риме.
• Одновременно с Виньолой в Риме работал ряд других видных
мастеров. Пирро Лигорио известен как строитель вилл, в частности
виллы д’Эсте в Тиволи.

61.

Позднее Возрождение. Искусство Средней
Италии и Ломбардии. Изобразительное
искусство (Маньеризм).
Развитие маньеризма в Италии распадается на два этапа. Первый из них приходится на 1520-1540-е годы, второй охватывает 1540-1590-е годы.
Ранний маньеризм. Искусство первого поколения маньеризма полно драматической напряженности. В нем чувствуются смятение и отчаяние. Мир в произведениях не
подчиняется реальности – фигуры деформируются. Краски не передают реальных цветов.
Ранние симптомы этого кризиса проявляются во Флоренции в творчестве Якопо Понтормо. Художник в своих поздних работах отходит от традиций Ренессанса
(«Снятие с креста»).
В этом же направлении развивается творчество другого художника – Джованни Баттиста ди Якопо, прозванного Россо. В его картине «Снятие с креста» фигуры
приближены к переднему плану, краски ярки и повышенно интенсивны.
Среди представителей школы Рафаэля первое место принадлежит Джулио Романо. Главная работа этого мастера – роспись построенного им же в Мантуе палаццо
дель Те. К этому периоду принадлежит творчество одного из крупнейших художников маньеризма – Франческо Маццола, прзванного Пармиджанино. Уже в
юношеском «Автопортрете в выпуклом зеркале» чувствуется известаня изощренность, стремление поразить зрителя необычной трактовкой мотива. Проивзедения
зрелой поры его творчества – «Мадонна с розой» или «Мадонна с длинной шеей» - знаменует создание рафинированного аристократического идеала красоты. Лишь в
некоторых портретах художника, например, в «Антое», пробивается живое чувство.
Искусство зрелого маньеризма. В искусстве утверждается идеал аристократического изящества, основанный на произвольных нормах эстетического вкуса.
Во Флоренции во времена Козимо Медичи видную роль играл придворный художник Аньоло Бронзино. Характерным его произведением является «Венера и Амур».
Манерность движений, вычурная изломанность тел, акцентовка контура – таковы особенности этой картины. Бронизно – выдающийся портретист, он умеет построить
эффектную композицию.
Типичным представителем маньеристической монументально-декоративной живописи был Джорджо Вазари. Фрески Вазари отличаются перегруженностью и
некоторой вялостью, а также обилием аллегорий и символов. К числу наиболее известных фресок принадлежат циклы фресок в Палаццо Канчеллерия в Риме и в
палаццо Веккио во Флоренции.
Самой яркой фигурой в искусстве Флоренции и Рима этого периода был ювелир и скульптор Бенвенуто Челлини. Примером его ювелирной работы может являться
золотая солонка Франциска I, украшенная фигурами Земли и Нептуна. В 1543-1544 годах во Франции он создает рельеф «Нимфа Фонтенбло». В 1545-1548 годах
Челлини сделал бронзовый бюст герцога Козимо Медичи, а в 1545-1554 исполнил бронозовую статую Персея.

62.

Позднее Возрождение. Искусство Венеции.
Архитектура.
• Крупнейшим зодчим Позднего Ренессанса был Андреа Палладио.
Его здания отличаются оригинальностью и своеобразием своей
архитектуры. Одним из первых произведений Палладио была
архитектурная обработка старого здания городской ратуш, так
называемой «Базилики» в Виченце. Характерно палаццо
Коллеони Порто. В основе фасадов палаццо Капитанио лежит
ордер, охватывающий оба этажа. В 1580 году Палладио создал
театр Олимпико в Виченце. В Венеции Палладио построил
крупные по размерам цервки – Сан Джорджо Маджоре на
острове того же имени и Иль Реденторе на острове Джудекка.

63.

Позднее Возрождение. Искусство Венеции.
Живопись.
В середине XVI столетия венецианская живопись по-прежнему находится в цветущем состоянии, однако характер ее меняется.
Паоло Кальяри, прозванный Веронезе, - художник праздничной, нарядной и богатой Венеции. Это мастер больших алтарных картин и
монументальных росписей. В искусство Венеции он внес декоративный размах, сложные ракурсы, контрастность. В его творчестве занимают
большое место мифологические сюжеты, аллегория, портреты, пейзаж. В 1553 году Веронезе получил приглашение в Венецию для участия я
работах по украшению палаццо Дожей. Самой значительной работой является роспись в церкви Сан Себастиано на сюжеты из библейской
истории Эсфири. Полного расцвета творчество Веронезе достигает 1560-х годах. В этот период произведения его приобретают выраженный
светский характер. Особенно охотно писал художник сюжеты с изображением пиров и празднеств («Брак в Кане»). В Первой половине 1560-х
годов Веронезе исполнил роспись в построенной Андреа Палладио вилле в местечке Мазер. Перенесение событий священной истории в
обстановку современной Венеции характеризует многие произведения художника в 1570-х годах. Таковы «Пир у Симона Фарисея», цикл
картин для семьи Куччина, «Пир в доме Левия». В 1571 году Веронезе откликнулся на последнюю большую победу Венеции над турецким
флотом в битве Лепанто картиной, посвященной этому событию. В 1580-х годах в творчестве Веронезе появляются новые черты.
Праздничность сменяется сдержанностью и простотой. Однако к этому времени относится самая пышная композиция художника - «Триумф
Венеции». Все чаще художник обращается в изображение сцен смерти («Распятие», «Оплакивание Христа»).
Произведения Тинторетто проникнуты духом мятущимся и тревожным. Яркий реализм, интерес к изображению простых людей сочетается в
его творчестве с мистической экзальтацией и маньеристической изощренностью форм. Первый шумный успех принесла ему картина «Чудо
святого Марка», написанная в 1548 году для Скуола ди Сан Марко. Сюжетом ее послужила легенда об александрийском рабе, тайно
посещавшем могилу святого Марка. Бунтарский дух Тинторетто сказался в картине «Введение во храм» в церкви Санта Мария доль Орто.
Работы 1550-х годов отражают широту творческого диапазона художника. Тема чувственной земной красоты звучит в картине «Спасение
Арсинои». С середины 60-х годов наступает творческая зрелость художника. Искусство Тинторетто становится более строгим и сдержанным.
Одним из самых замечательных произведений этого времени является «Тайная вечеря» в церкви Сан Тровазо. Эмоциональность, смелость
композиционных решений, чувство единства человека и окружающей среды характеризуют картины, написанные в 1562-1566 годах для
скуола ди Сан Марко («Похищение тела святого Марка на Александрии»). В 1564 году, сделав роспись плафона одного из залов верхнего
этажа братства Сан РОкко, он получил заказ по украшению всего помещения. Картины скуола ди Сан Рокко позволяют проследить
формирование стиля позднего Тинторетто. Наблюдается снижение героического начала, распыление, обесценивание отдельной личности.В
1594 году Тинторетто закончил большую «Тайную вечерю» для церкви Сан Джорджо Маджоре. О расхождении творчества Тинторетто с
традициями классической поры говорит и исполненный им в 1588 году «Авторпортрет».

64.

Е.С. Кочеткова. ARS VS. NATURA: МАНЬЕРИСТИЧЕСКАЯ
ТЕОРИЯ. ИСКУССТВА И САДЫ ИТАЛИИ XVI−XVII вв.
Адекватное этому времени Эстетическое выражение было найдено в маньеризме, который сделался моментом полного раскрепощения в промежутке между двумя строго нормативными системами —
ренессансом и барокко. Это было искусство крайностей и неоднозначных трактовок. Огромная роль отводилась фантазии автора, его умению абстрагироваться от реальности.
Маньеризм был детищем людей просвещенных. Носителями этой культуры были образованные дворяне, меценаты, собравшие вокруг себя представителей интеллектуальной элиты того времени. Центрами
творческой активности стали загородные резиденции, не подвластные условностям общественной жизни. Вилы воспринималась как райский уголок, освященный незримым присутствием богов и муз.
С древнейших времен обязательным элементом любого загородного комплекса был сад, позволявший хозяину общаться с природой, не покидая пределов собственных владений. Сад — это попытка выстроить
универсальную модель вселенской гармонии, в которой природа избавляется от изъянов с помощью искусства.
Классический сад всегда населен и одушевлен богами и призраками, героями легенд и историческими персонажами, животными и фантастическими существами. В виде статуй они присутствуют повсюду.
Виллы XVI столетия с самого начала предназначались исключительно для развлечений, отдыха и творческого досуга. Их сады почти не использовались для выращивания пригодных в пищу растений: они
служили для приятного времяпрепровождения в изящной обстановке. Браманте наполнил ансамбль Двора Бельведер знаменитыми произведениями скульптуры и превратил в музей под открытым небом.
Сад — произведение синтетическое, в нем сочетаются разные виды искусства: архитектура, скульптура, творения садовника и фонтанных дел мастера, литература, театр, музыка. Все это содействует в саду с
рельефом местности, камнями, зеленью, ручьями.
В итальянских садах одинаково важны принципы геометрического проектирования и свободной планировки, двух начал — Искусства и Природы.
Способность точно копировать природу Ренессанс стал считать признаком мастерства художника, а тезис о подражании был выбран в качестве эстетической программы Возрождения. В то же время теоретикам
Ренессанса не было чуждо представление о том, что художник не только послушно копирует природу, но и соперничает с ней, исправляет ее несовершенства. Он должен действовать аналитически, разлагать
материю на составные части.
Большинство садов XVI в. имеют упорядоченные формы, призванные скрыть недостатки природного мира и выявить его имманентную космическую гармонию.
Необычайный расцвет садового искусства в XVI столетии приводит к появлению совершенно нового понятия — terza natura, т.е. «третья природа». Это также «природа искусная» она именно ловкая, умелая,
проворная. «Природа искусная» - это синтез приемов искусства с органическими законами бытия; цель этого взаимодействия — новые впечатления и возможности, превосходящие все, что природа могла бы
произвести собственными силами. Так возникает искусство замысловатой стрижки кустарников и крон деревьев, позже натуральные формы природы приобретают определенное эстетическое значение.
В XVI в. возрастает интерес ко всему странному, любопытному, диковинному, гротескному. Под влиянием рыцарских романов и пасторальной поэзии меняется и восприятие ландшафта: теперь приемлемыми
делаются не только идиллически упорядоченные, но и грубые, драматические пейзажи. Маньеризм ставит в один ряд красоту и уродство, которые для классического стиля полярны. Одним из самых ярких
примеров новой эстетики может служить необычный парк в местечке Бомарцо.
Наиболее характерные образцы «третьей природы» можно найти в различных вариантах «водных игр». Излюбленным мотивом стали гроты. Новые фонтаны и гроты складываются из грубых острых камней и
раковин, засаживаются мхом, лишаются архитектурной регулярности. Возникает иллюзия натуральности.
В садах второй половины XVI в. появляются так называемые автоматы — хитроумные машины, управляемые силой воды и воздуха и изображающие животных, людей или целые театральные сцены. Особенно
прославился подобными затеями практически не сохранившийся парк Виллы Медичи в Пратолино.
В XVI столетии садовое искусство вступает в тесные и плодотворные отношения с литературой. Не только сады наполняются цитатами из литературных произведений, но и в сочинениях писателей природа
играет все большую роль.
Отношения Искусства и Природы всегда сложны, а идеального равновесия между ними удается. достичь лишь в редких случаях. Образец такого равновесия — комплекс Виллы Ланте в Баньяйя, состоящий из
двух одинаково важных частей: регулярного парка и «естественной» зоны.

65.

Екатерина Тараканова. Художественный ансамбль
капеллы Никколина в Ватикане. Папская власть и
искусство Рима.
Капелла Никколина в Апостолическом дворце — единственная из сохранившихся ватиканских росписей Фра Беато Анджелико и один из первых фресковых ансамблей Кватроченто в Риме.
Живописная декорация капеллы, выполненная в 1448 году по велению Николая V (Томмазо Парентучелли, 1447–1455), запечатлела в себе гармоничное сочетание христианской религии
и новой ренессансной культуры. Фрески в ватиканской капелле Никколина стали «латинскими» наставлениями Анджелико.
Капелла Никколина объединила два верхних этажа башни Иннокентия III. Тогда же в капелле был устроен крестовый свод. Небольшая по размерам «секретная» капелла использовалась
понтификом преимущественно для частных ежедневных служб. Эта молельня посвящена святым Стефану и Лаврентию, почитавшимся как покровители города. На алтарной (южной) стене,
расположенной напротив входа в капеллу и разрушенной при возведении Павлом III лестницы, было «Снятие с Креста». Сцены рукоположения обоих диаконов отсылают к теме
избранности, легитимности и преемственности служителей церкви.
Тема духовного образца и преемственности христианского служения, пронизывающая ансамбль капеллы Никколина, получает в нем широкое воплощение и многоуровневое прочтение.
С атрибутами церковного авторитета Петра — паллием и тиарой — изображен Николай V в образе Сикста II.
Скрытая отсылка к Христу, априори прочитывающаяся во всех изображенных в капелле представителях клира, становится наиболее явной в образе святого Лаврентия.
Влияние боровшихся с ересью доминиканцев, а также отголоски дипломатической деятельности Томмазо Парентучелли, угадываются и в соседней композиции со святым Стефаном перед
Синедрионом.
Одна из центральных сцен капеллы Никколина — «Посвящение Лаврентия в диаконы» — стала «прототипом» для написанного Мелоццо да Форли «Основания Ватиканской библиотеки».
Характерно, что из всего живописного наследия Анджелико именно фрески Никколины отличаются наиболее сложными и продуманными архитектурными фонами. В ватиканском
ансамбле архитектурные идеи Гоццоли нашли поддержку у Анджелико (в том числе — техническую), одновременно обогатившего свой художественный арсенал.
В изображениях Иерусалима в истории Стефана и Вечного города в житии Лаврентия угадываются многочисленные и далеко не одно- значные отсылки к реальной римской, флорентийской
и иерусалимской архитектуре с соответствующей семантической нагрузкой. Тема семантики и соотнесения реальной и изображенной архи- тектуры тесно связана с вопросом
самоощущения зрителя в интерьере капеллы Никколина. Учет психологии зрительского восприятия прослеживается и в разбивке плоскости стены на отдельные сцены. В ансамбле
Никколины важную композиционную роль в ряде случаев играют перспективные линии. В «Диспуте в Синедрионе» перспективные линии подчеркивают ораторский жест поднятой
десницы Стефана.
Эмоциональная выразительность персонажей, написанных вдохновенным и чувствительным Анджелико, также побуждала зрителя к сопереживанию героям фресок. В качестве
художественного средства передачи психологизма он прибегал к динамичному композиционному построению, в том числе с использованием активных диагоналей складок одеяний.
Художники, работавшие в Никколине, активно использовали сусальное золото в наиболее освещенных композициях регистра с историей святого Лаврентия.
Камерные размеры, расположение практически в сердцевине Ватиканской резиденции, изначальная непрерывность нарративной фресковой поверхности, неяркое естественное
освещение придают ансамблю капеллы Никколина дополнительную цельность и даже замкнутость. Молельня Николая V становится микромиром, несущим на себе зримый отпечаток
личности заказчика и в лаконичной форме вобравшим в себя сложную многовековую, с акцентом на актуальные события, историю христианской церкви.

66.

Испания. Романика. Миниатюра.
• Влияние мавританского искусства особенно заметно в испанских
иллюстрированных рукописях X-XI столетий. В этот период здесь
были популярны «Апокалипсис» и библейские пророчества
Данила с комментариями монаха Беатуса из Лиебаны. Им
присущи чистота цвета, яркая красочность, стилизация,
миниатюры полны динамики и экспрессии.

67.

Испания. Романика. Архитектура.
• В архитектуре Испании долго сохраняется восходящий к
раннехристианской традиции тип базилики с деревянным
перекрытием и отдельно стоящей башней (церковь Санта Мария
в Риполле, церковь Сан Клементе в Тауле). Самый
величественный храм – церковь Сантьяго де Компостела.

68.

Испания. Романика. Монументальная
живопись.
• В Испании сохранилось большое число монументальных
росписей XI и XII столетий. Общими чертами этих фресок
являются графическая манера рисунка, энергичный,
подчеркнутый черной линией контур, локальность цветов и их
звучные сочетания при скупости цветовой гаммы. Примеры:
фрески цервки Сан Клементе в Тауле.

69.

Испания. Романика. Скульптура.
• Развитой романский стиль проявляется в скульптуре северной
части Испании. Ее характерные произведения в формальном
отношении стоят исключительно близко к южно-французским
памятникам. Примеры: главный портал цервки в Сантьяго де
Компостела – «Портик славы», рельефы с евангельскими
сюжетами на столбах монастыря Сан Доминго де Силос.

70.

Испания. XV век. Живопись.
• В Испании XIV и XV столетиях получила распространение станковая алтарная картина, число
монументальных росписей значительно сократилось. В XV веке основным видом живописных
произведений становятся алтарные картины (ротабло). Они представляют собой ряд деревянных
панно, объединенных архитектоническим обрамлением, включавшим также скульптуру, и
предназначались для установки в алтарном столе храма. Ретабло расписывались темперной краской.
Живопись ретабло отличалась яркой красочностью.
• В XIV и первой половине XV века наиболее активная роль в художественной жизни Испании
принадлежала Каталонии и Валенсии. С середины XV века в живописи Испании все более заметным
становится воздействие нидерландского искусства. Оно проявилось в интересе к передаче
индивидуального облика человека, в достоверности изображения окружающих его предметов, в
распространении техники масляной живописи.
• Одним из самых значительных художников этого нового направления был каталонский Хайме Уге. Его
произведения выделяются обилием живых наблюдений. Картины Хайме Уге изобилует
неповторимыми в своей индивидуальности образами, фигуры приобретают особую значимость.
Красочное богатство цветовых отношений сочетаются в его работах с элементами светотеневой
моделировки. Эти черты заметны поздних работах мастерах (ретабло святых Абдона и Сенена).
• В конце XV века живописцы Кастилии стали проявлять интерес к новшествам итальянского
Возрождения. С искусством Италии был связан Педро Берругете. Он обладал дарованием
портретиста. Об этом свидетельствуют индивидуализированные и характерные образы царей и
пророков, изображенных в пределле ретабло святой Евлалии.

71.

Испания. XVI век. Архитектура.
• Здесь долго продолжают жить традиции испанской готики, отмеченной сильным
влиянием мавританского искусства (дворец герцогов Инфантадо в Гвадалахаре).
Постепенно в Испанию проникает влияние итальянского Ренессанса. В конце XV –
начале XVI века складываются переходные формы от готики к Ренессансу,
получившие название стиля платереск. Характерной особенностью его является
сочетание декоративно используемых элементов ордерной системы с
распластанной на плоскости стены тонкой и обильной орнаментацией. Особенно
много памятников этого стиля сохранилось в Саламанке (комплекс университетских
зданий). Ренессансные формы утверждаются Испании лишь к середине XVI века,
когда характерное для стиля платереск изобилие декорировки сменяется строгой
сдержанностью и простотой форм.
• Главным представителем классического направления в архитектуре Испании был
Хуан де Эррера. Самой прославленной работой Эрреры является королевский
дворец Эскориал. Эскориал представляет собой гигантский по размерам
прямоугольник с угловыми башнями и симметрично расположенными строениями.
Архитектура его отличается строгостью, простотой общего решения.

72.

Испания. XVI век. Скульптура.
• Крупнейшим испанским скульптором первой половины XVI века
был Алонсо Берругете. В своих работах он верен испанской
традиции с характерной для нее преувеличенностью экспрессии
и декоративизмом. Выполненные им раскрашенные
скульптурные ретабло, надгробия, декоративная резьба
церковных сидений отмечены чертами страстной патетики. Он
любит крупные удлиненные фигуры, порывистые жесты.
Наиболее самобытна деревянная скульптура Берругете. Ее яркая
раскраска с применением золота. К числу самых известных
произведений Берругете принадлежат декорировка сидений в
хоре собора в Толедо и надгробие кардинала Тавара в церкви Сан
Хуан де Афуера в Мадриде.

73.

Испания. XVI век. Живопись.
С середины XVI века, во время правления Филиппа II, королевский двор стал важнейшим заказчиком произведений искусства и диктовал
художникам свои требования. В испанском придворном искусстве насаждалось подражание образцам итальянского Возрождения. В
живописи этого круга господствовала эклектика. Наибольший интерес среди произведений придворного искусства представляет портрет.
Среди мастеров этого жанра выделяются Алонсо Санчес Коэльо и Хуан Пантоха де ла Крус. В это время складывается тип репрезентативного
придворного портрета. Изображенные в рост или поколенно Филипп II и его придворные предстают в картинах Коэльо в сдержанных, почти
канонических позах. Вместе с тем Коэльо с поразительной правдивостью и сходством передает черты лица и внутренний мир
портретируемых. Более холодны и бесстрастны портреты Хуана Пантохи де ла Крус. Превосходным образцом его искусства может служить
портрет дона Диаего де Вильямайор.
Живопись Испании второй половины XVI века не исчерпывается офицальным придворным искусством. К иному направлению принадлежит
один из значительнейших художников этого времени – Луис де Моралес. В его произведениях чувствуется влияние мистических-религиозных
учений, распространенных в Испании. Его картины проникнуты религиозным чувством и несут на себе отпечаток аскетического идеала
средневековья («Скорбящая Богоматерь», «Мадонна с младенцем»).
Творчество Эль Греко стоит особняком в испанском искусстве. В его картинах чувствуется отзвук маньеристического искусства, однако его
произведениям свойственно особое внутреннее горение. Эль Греко обосновался в Толедо и прожил там до конца своих дней. Первой
большой работой художника в Толедо был алтарь для церкви монастыря Санто Доминго дель Антигуо. Эль Греко принадлежат как общий
замысел алтаря, так и написанные для него картины («Вознесение Марии», «Троица», «Поклонение пастухов», «Воскресение»). В те же годы
Эль Греко работал над заказанной ему капитулом собора Толедо картиной «Совлечение одежд Христа» («Эсполио»). Отказавшись от внешней
повествовательности и исторической достоверности, Эль Греко создал в этой картине атмосферу взволнованности и смятения. В 1579 году
Филипп II заказал Эль Греко картину для Эскориада – «Поклонение имени Христа». В 1580-1584 годах он написал для собора Эскориада
алтарный образ «Мученичество святого Маврикия». Одной из вершин творчества Эль Греко является написанное в 1586-1588 годах
«Погребение графа Оргаса». Вероятно, в 1580-х годах написана картина «Апостолы Петр и Павел». Одним из самых обаятельных портретов
является изображение молодой женщины, известное под название «Дама в боа». В портрете инквизитора Ниньо де Гевара представлено
внутреннее напряжение модели. Позднии произведения ль Греко окрашены чертами трагической безысходности. В картинах на сюжеты
страданий и смерти Христа («Моление о чаше», варианты «Распятия»), Апокалипсиса («Снятие пятой печати»), смерти Лаокоона и его
сыновей неотъемлемо звучат темы одиночества, гибели и возмездия. Настроение трагической обреченности звучит и в написанном пейзаже
«Вид Толедо».

74.

Испания. Готика. Архитектура
• В Испании готические формы захватили в основном культовое зодчество, гражданская архитектура оказалась более тесно
связанной с мавританской строительной практикой. Наиболее близкими к французским прототипам оказались соборы
Кастилии. Однако климатические условия и обилие солнечного света, местные строительные навыки, социальная среда и
особенности литургии внесли коррективы в разработанную во Франции конструктивную схему и декоративное убранство.
Обширные готические соборы Испании имели небольшие окна и плоскости стен, четко расчлененные на ярусы декором.
Интерьер разделялся надвое заалтарным образом со скульптурой и живописью. Крупнейшими испанскими соборами XIII
в. стали храмы в Бургосе (начат в 1221 г.), Толедо (начат в 1226 г.) и Леоне (начат ок. 1255 г.). Леонский собор — одно из
наиболее стройных и гармоничных зданий испанской готики. Но по сравнению с произведениями северофранцузской
архитектуры в нем ощущается общая грузность масс, значительна роль горизонтальных членений. Западный портал
воспроизводит основную схему французских готических порталов, но отличается жанровым своеобразием трактовки фигур
и испанским типом лиц. Относительно сжатые сроки строительства собора в Леоне позволили сохранить единство
замысла. Напротив, в Бургосе и Толедо позднейшие достройки, продолжавшиеся до рубежа XV и XVI вв., внесли
значительные изменения в первоначальный план, придав зданиям живописность.
На готическую архитектуру Каталонии и Южной Испании оказало влияние мавританское искусство. Характерны для
Каталонии однонефные храмы (собор в Жероне, 1325—1607). В трехнефных соборах царит центральный неф, боковые
нефы строились узкими. Во внешнем облике самых крупных каталонских соборов в Барселоне (начат в 1298 г.) и Пальме на
острове Мальорка (начат в 1230 г.) преобладают кубические объемы и внушительная поверхность стен. Яркую страницу в
историю испанской архитектуры вписали гражданские постройки Каталонии (биржа в Пальме на острове Мальорка, 1426—
51).
Как и повсюду в Европе, в XIV в. в Испании переживала подъем мемориальная пластика. Ретабло, в которых соединялась
скульптура и живопись, достигали внушительных размеров. Живопись Испании, энергичная, простая по рисунку, склонная
к подробному повествованию, стала заметным явлением в европейском искусстве. Те же качества отличают испанскую
миниатюру XIII—XV вв.

75.

Испания. Готика. Скульптура.
• Под влиянием мавританского искусства в готической скульптуре
Испании получило большое распространение искусство
орнаментики. Также пользовалась успехом круглая скульптура.
Для развития монументальной скульптуры этого периода
большое значение имели многочисленные рельефы и статуи в
соборе Сантьяго-де-Компостела. Соборы Испании украшались
щедро заалтарным образом (ретабло), которые состояли из
разрисованных скульптур и живописных панно.

76.

Испания. Готика. Живопись.
• Испанская живопись характеризуется плавностью перехода от
романского стиля к готическому, который происходил постепенно, без
резких рывков. Отличительной чертой готической живописи в Испании
является изменение и развитие предшествующих ей романских форм,
в сочетании с влиянием зарубежных школ живописи (французской и
итальянской), а также своеобразие использования мудехарских
декоративных элементов. Несмотря на наличие уцелевших архаичных
черт, мировоззренческий (концептуальный) характер романской
живописи постепенно смягчается в результате того, что теперь
живописцы начинают черпать больше вдохновения во внешнем мире,
что проявляется в более тщательном воссоздании природы, в
растущем интересе к выражению чувств и эмоций, а также к большей
гуманизации образов.

77.

Нидерланды. XV век. Архитектура.
• В XIV-XV веках в Нидерландах достигает расцвета поздняя готика,
главным памятником которой является собор в Антверпене.
Большое развитие получила в Нидерландах гражданская
архитектура. У домов узкие фасады, вертикальная многоэтажная
структура и фронтонное завершение. Из общественных зданий в
большом числе строились торговые, складские сооружения, дома
цехов. Очень типичен дом свободных корабельщиков в Генте.
Богатой обработкой фасадов, в декорировке которых в изобилие
применена скульптура, отличаются здания ратуш, относящихся к
середине XV – началу XVI века. Особой пышностью декорировки
выделяются ратуши в Брюсселе и Лувене.

78.

Нидерланды. XV век. Скульптура.
• Нидерландская скульптура развивалась в XIII и XIV веках в тесной связи с
французской. Крупнейшим мастером, завершающим это развитие, был Клаус
Слютер. Он совершил переворот в пластике, создав монументальные,
отличающиеся суровой выразительностью скульптуры. Его творения отличаются
пластической мощью и остротой индивидуальной характеристики. Таковы статуи
герцога Филиппа и его жены Маргариты Фландерской на портале церкви –
усыпальницы бургундских герцогов в монастыре Шанмоль близ Дижона. Их лица
имеют портретный характер, под складками одежд хорошо ощущается тело.
Суровый, смело освобождающийся от условностей реализм Слютера ярко
проявился в «Колодце предков». Эта скульптура была когда-то основанием
большой группы «Голгофа», стоявшей во дворе монастыря Шанмоль.
• Среди последователей Клауса Слютер был его племянник Клаус де Верве.
Совместно с ним Слютер выполнил «Колодец пророков» и гробницу Филиппа
Смелого с фигурами плакальщиков. В XV веке особенно широко была развита
скульптура из дерева. Украшающие створки разных алтарей рельефы,
раскрашенные яркими красками, содержат ряд многофигурных сцен, отличающихся
живостью повествования и острой наблюдательностью.

79.

Нидерланды. XV век. Живопись.
В первой четверти XV века совершается коренной переворот в развитии западноевропейской живописи. Этот переворот связан с деятельностью братьев ван Эйк. Самое знаменитое и
крупное и произведение – «Поклонение агнцу». Это большой двухъярусный створчатый алтарный образ, состоящий из двадцати четырёх отдельных картин. Сложное содержание
оснвной композиции почерпнуто из Апокалипсиса и других библейских и евангельских текстов и связно с церковным праздником всех святых. Помещенная на алтаре надпись в стихах
сообщает, что он был начал Губертом ван Эйком, закончен его братом. Губерту ван Эйку также принадлежит авторство картины «Три Марии у гроба Христа». Картины ван Эйков и
примыкающих к ним нидерландских художников XV века заметно отличаются от картин, выполненных в традиционной темперной технике. Техника ван Эйков основывалась на
последовательном использовании оптических свойств маслных красок, накладываемых прозрачными слоями на просвечивающий сквозь них подмалевок и сильно отражающий
меловой грунт, на введение в верхние слои смол, растворенных в эфирных маслах. В начале XX века в рукописи «Туринско-миланский Часослов», был обнаружен ряд миниатюр,
стилистически близких к Гентскому алтарю. Особенно замечателен в этих миниатюрах пейзаж («Молитва на морском берегу»). С удивительной убедительностью передан интерьер
бюргерской комнаты в композиции «Рождество Иоанна Крестителя» готической церкви в «Заупокойной мессе». Одной из наиболее ранних картин Яна ван Эйка является «Мадонна в
церкви». Легкому изяществому этой картины противостояит тяжелое великолепие «Мадонны каноника ван дер Пале». Одна из особенностей искусства ван Эйка состоит в том, что эта
детализация не заслоняет целого. В «Мадонне канцлера Ролена» особое значение имеет пейзаж, вид на который открывается с высокой лоджии. Особое место среди произведений
Яна ван Эйка принадлежит картине «Святая Варвара». Ян ван Эйк был одним из великих мастеров портрета, он поворачивает лицо в три четверти и сильно его освещает. В моделировке
лица он пользуется в меньшей степени светотенью, чем тональными отношениями. Один из самых значительных его портретов изображает молодого человека с некрасивым, но
привлекательным своей скромностью и удохотворенностью лицом, в красной одежде и зеленом головном уборе. Тончайшим живописным исполнением и острой выразительностью
выделяется «Портрет неизвестного в красном тюрбане». «Портрет кардинала Альбергати» отличается меньшей остротой характеристики, но более подчеркнутой значительностью
персонажа, чем подготовительные рисунки к нему. Последней по времени портретной работой художника является единственный в его наследии женский портрет – «Портрет жены».
Особое место в творчестве художника занимает «Портрет Джованни Арнольфини и его жены».
Основы нового реалистического искусства закладывал также Робер Кампен. В раннем произведении художника – «Рождество» - отчетливо обнаруживаются тесные связи с
миниатюрами Жакмара де Эсдена (в композиции, общем характере пейзажа, светлом, серебристом колорите). В триптихе «Благовещение» традиционная религиозная тема
развертывается в подробно и любовно охарактеризованном бюргерском интерьере. «Мадонна у камина» воспринимается как чисто бытовая картина. От триптиха «Снятие со креста»
сохранилась верхняя часть правой створки с фигурой разбойника, привязанного к кресту, у которого стоят два римлянина. Единственное датированное произведение художника –
створки, с изображением на левой Генриха Верля, профессора Кельнского университета, и Иоанна Крестителя, а на правой – святой Варвары, сидящей на скамье у камина и
погруженной в чтение.
Рогир ван дер Вейден – крупнейший художник нидерландской школы. Наиболее знаменитое его произведение, созданное еще в молодые годы –«Снятие с креста». Десять фигур
размещены на золотом фоне, на узком пространстве переднего плана, наподобие полихромного рельефа. В ранних картинах мастера чувствуется влияние Яна ван Эйка
(«Благовещение», «Евангелист Лука, рисующий Мадонну». Готическая струя в творчестве Рогира особенно отчетливо выступает в двух небольших триптихах – «Алтаре Марии»
(«Оплакивание», «Святое семейство», «Явление Христа Марии»), «Алтаре святого Иоанна». Творчество Рогира связано с традициями средневекового искусства и проникнуто духом
строгого церковного учения. Его творчество воплощает в четких, строгих и обобщенных формах канонические образы христианской религии. Наиболее показателен в этом плане
«Страшный суд» - полиптих, написанный по заказу канцлера Ролена для основанного им госпиталя в городе Бон. В 1450 году Рогир совершает поездку в Италию, где по заказу Медичи
создает две картины: «Положение во гроб» и «Мадонна со святыми». Новые черты в творчестве художника отчетливо выступают в «Алтаре Бладелина» - триптихе с изображением в
центральной части «Рождества». Наиболее значительное произведение позднего периода – триптих «Поклонение волхвов». Рогир был выдающимся портретистом. Он выделаяет
особо выдающиеся в физиономиечском и психологическом отношении черты, подчеркивая и усиливая их. Для этого он пользуется рисунком. Самые известные портреты – «Карл
Смелый», «Неизвестный», «Франческо д’Эсте», «Портрет молодой женщины», «Лоран Фруамон», «Филипп де Круа». Особое место принадлежит «Портрету неизвестной» миловидной женщине, смотрящей на зрителя.

80.

Нидерланды. XV век. Живопись.
Петрус Кристус был последователем Яна ван Эйка. Произведения «Мадонна со святыми Варварой и Елизаветой и монахом-заказчиком» и «Иероним в келье» были
начаты Яном ван Эйком и закончены Кристусом. Наиболее интересное его произведение – «Святой Элигий». Значительный интерес представляют его портретные
работы, в которых полуфигурное изображение помещено в реальное архитектурное пространство. Особенно примечателен в этом отношении «Портрет сэра Эдуарда
Граймстона».
Проблема передачи пространства занимает особенно большое место в творчестве Дирика Боутса. Самое известное его произведение – «Алтарь таинства причащения»,
написанное для одной из часовен церкви святого Петра в Лувене. Это полиптих, центральная часть которого изображает «Тайную вечерю», по сторонам же на боковых
створках расположены четыре библейские сцены, сюжеты которых истолковывались как прообразы таинства причащения. В «Илье в пустыне» и «Сборе небесной
манны» художнику удается связать между собой традиционные три плана – передний, средний и задний. Изумительными являются пейзажи створок небольшого
триптиха, где изображено «Поклонение волхвов». Это одно из самых поздних произведений мастера. Пейзажи Боутса проникнуты настроением, созвучным сюжету.
Склонность к элегии и лирике, отсутствие драматизма, известная статичность и застылость поз – характерные черты художника («Мучение свтого Эразма»). В 1468 году
Боутсу, назначенному городским художником, были заказаны пять картин для убранства только что законченного здания ратуши. Сохранились две большие
композиции, изображающие легендарные эпизоды из истории императора Оттона III. На одной представлена казнь графа, на второй – испытание огнем перед судом
императора вдовы графа.
Имя Гуго ван дер Гуса может быть поставлено рядом с Яном вавн Эйком и Рогиром ван дер Вейденом. Среди его ранних станковых картин небольшого размера
наиболее значителен диптих «Грехопадение» и «Оплакивание Христа». В начале семидесятых годов представитель Медичи в Брюгге Томмазо Портинари заказал Гусу
триптих с изображением Рождества. Триптих «Алтарь Портинари» - шедевр художника и один из главнейших памятников нидерландской живописи. Гус создал в
центральной части алтаря – «Поклонение пастухов» - совершенно новую композицию, значительно углубив пространство картины и расположив фигуры по
пересекающим ее диагоналям. Картина выдержана в холодной насыщенной цветовой гамме. Вероятно, несколько ранее было исполнено «Поклонение вохвов».
В творчестве Ганса Мемблинга сказываются черты эпигонства и консерватизма. В его произведениях мы также найдем утонченное изящество поз и движений,
привлекательную миловидность лиц, нежность чувств, ясность, упорядоченность и нарядную декоративность композиции. Эти черты особенно отчетливо выражены в
триптихе «Обручение святой Екатерины». Фронтальность и статичность отличают и «Поклонение волхвов». В большей степени переработана композиция «Страшного
суда» Рогира в триптихе Мемлинга «Страшный суд», написанном по заказу представителя Медичи. Талант миниатюриста обнаружился в жипописных медальонах,
украшающих небольшой готический «Ларец святой Урсулы». Гораздо значительнее, однако, в художественном отношении монументальный триптих «Святые
Христофор, Мавр и Жиль». Особенно ценны в наследии художника его портреты («Портрет Мартина ван Ньювенхове»). Мемлинг помещает погрудное изображение то
в обрамлении колонн открытой лоджии, сквозь которую виден пейзаж (парные портреты бургомистра Мореля и его жены), то непосредственно на фон пейзажа
(«Портрет неизвестного медальера»).
Последним большим художником южнонидерландской школы живописи XV века был Герард Давид. В его творчестве присутствует пышность и праздничная
торжественность. Его грузные коренастые фигуры обладают ярко выраженной объемностью. Шедевр художника – большой триптих «Крещение Христа»,
отличающийся спокойно величавым и торжественным строем. Важное значение для характеристики художника имеет композиция «Мадонна среди святых дев»,
отличающаяся строгой симметрией в расположении фигур и продуманным цветовым решением.

81.

Нидерланды. XV век. Живопись в Северных
Нидерландах.
Живопись на севере отставала в течении первой половины века от Южных Нидерландов. Главой северонидерландской школы живописи
называют Альберта Ауватера. Его единственная достоверная картина – «Воскрешение Лазаря» с превосходно переданным церковным
интерьером, сложным эффектом освещения и пластически выработанными фигурами.
Наиболее одаренным учеником Ауватера был Гертген тот Синт Янс. Самое крупное его произведение –большой триптих со страстями Христа
на внутренних створках и сценами из жизни Иоанна Крестителя – на наружных. Сохранилось лишь два изображения – «Оплакивание Христа»
и «История останков Иоанна Крестителя». Особым очарованием отличается картина «Иоанн Креститель в пустыне», в которой фигуры и
пейзаж, образ человека и природы составляют единое, неразрывное целое. Новое, оригинальное истолкование традиционных тем и образов
– характерная черта художника. Ярким примером может служить одно из последних его произведений – «рождество», отличающееся
предельной простотой композиции лирической нежностью образов.
Особое место в искусстве Северных Нидерландов принадлежит Иерониму ван Акену, известому под именем Иероним Босх. Мировоззрение
художника проникнуто глубоким пессимизмом моралиста, бичующего зло и пороки погрязшего в грехах мира. В картинах Босха дьявол
выступает в бесконечных вариациях. В фантастических образах художника почти всегда скрыто аллегорическое значение, понятное его
современникам. Демонизм и сатира Босха принимают в связи с этим часто социальный и антиклерикальный характер. Произведения
художника могут быть разделены на несколько основных групп. Традиционные библейские и евангельские темы получают у него
оригинальную интерпретацию. Таковы «Поклонение волхвов» и особенно «Христос перед народом» и «Несение креста». Темы рая и ада
дают обильный материал для сложной символики, воплощенной в изощренных фантастических образах (триптих «Сад наслаждений», «Рай»
и «Ад»). Значительное место в творчестве художника занимают изображения искушений святых (триптих «Искушение святого Антония»).
Особенно значителен пейзаж в картине «Иоанн на Патмосе». Особый интерес представляют картины Босха на темы, связанные с
современной жизнью. Изображение «Семи смертных грехов» на круглой доске стола представляет живо рассказанные бытовые сцены,
напоминающие подобные изображения в миниатюрах. Чисто бытовыми сценами являются «Шарлатан» и «Головная операция». В картине,
известной под условным названием «Блудный сын», нашло отражение характерное для этого времени явление общественной жизни.
Антиклерикальные тенденции в творчестве Босха отчетливо выражены с аллегорической картине «Корабль дураков».

82.

Нидерланды. XVI век. Архитектура.
• Элементы Ренессанса в области архитектуры начинают зарождаться в
Нидерландах еще с конца XV века и получают развитие в начале
следующего столетия. Нидерландская архитектура первой половины
XVI века отличается большим своеобразием форм. Здесь присутствует
трансформация форм итальянского Ренессанса. Очень высокие
фронтоны зданий сохраняли ступенчатую форму, на фронтонах попрежнему выделялись эркеры. Типичны в этом отношении здания
цехов, купеческих корпораций. Более заметное тяготение к
классическим формам в архитектуре и их более осознанное
использование наблюдается в Нидерландах лишь с середины XVI века.
Крупнейшим зданием, построенным в классических формах, является
ратуша в Антвернене. Создателями ее были Корнелис де Флорис,
работавший также в качестве скульптора, и Пауль Снейдинкс. Видным
архитектором Голландии был Ливен де Кей, построивший мясной
рынок в Харлеме.

83.

Нидерланды. XVI век. Живопись.
• Живопись первой трети столетия носит черты переходного стиля. Крупнейший из мастеров этого времени – Квентин
Массейс. К наиболее значительным его произведениям относится триптих «Алтарь святой Анны», написанный для церкви
святого Петра в Лувене. Написанный немногим позже по заказу цеха столяров для их часовни в Антверненском соборе
другой большой триптих – «Оплакивание Христа» - создан под впечатлением «Снятия с креста» Регира ван ден Вейдена.
Выражение чувств здесь значительно смягчено и приглушено. Драматическая сцена приобретает черты торжественной
церемонии. Массейсу принадлежит ряд картин на религиозные темы. Часто он изображает Мадонну с младенцем. Эти
картины отличаются мягкостью форм, плавностью движений, изысканным сочетанием нежных, переливающихся красок.
«Мадонна на троне» привлекает внимание мелодичностью струящихся, округлых линий, изяществом позы. Его
«Магдалина» - молодая женщина в модном наряде с грациозными жестами, полна мечтательной задумчивости. В
творчестве Массейса можно найти отзвуки искусства Леонардо да Винчи («Портрет старика»). Интерес Массейса к гротеску
нашел яркое выражение в сатирических произведениях («Неравная пара»). Массейс не имел выработанной схемы
портретного изображения и в каждом отдельном случае давал новые композиционные решения («Мужской портрет»).
Особое место занимает двйоное – впоследствии разъединенное – изображение «Эразма Роттердамского» и «Петра
Эгидия».
• В небольшой картине Массейса «Искупление святого Антония» фигурная группа размещена на фоне пейзажа, написанного
Иоахимом Патиниром. Картины этого художника поимущественно небольшого размера, изображают библейские и
евангельские сцены, развертывающиеся среди пейзажа. Фигуры не играют решающей роли в композиции. В картинах
Патинира ландшафт расстилается перед взором зрителя подобно широкой панораме. Он умело комбинирует разные точки
зрения – обычную для скал, деревьев, и очень высокую для равнин, дорог, озер. К наиболее известным его
произведениям относятся: «Крещение», «Отдых на пути в Египет», «Святой Иероним».

84.

Нидерланды. XVI век. Романизм.
Большое значение, особенно для последующего развития, принадлежало направлению, получившему название «романизм». Оно характеризуется обращением к
Италии. Как казалось представителям это8го течения, преодолеть ограниченность национальной традиции и создать искусство, отвечающее новому мировоззрению,
можно, только обращаясь к античности.
Первым романистом был Ян Госсарт. Он продолжает писать в старой живописной манере XV века, вступившей в противоречие с его исканиями в области формы. В
небольшом триптихе, центральная часть которого изображает Мадонну, окруженную ангелами, фантастическая готическая архитектура сочетается с фигурами
младенца Христа и ангелов, созданными под влиянием школы Леонардо. Типичным романистом Госсарт выступает в картинах на мифологические сюжеты («Нептун и
Амфитрита») Также известны его произведения: «Адам и Ева», «Геркулес и Омфала». Госсарта интересовала наряду с анатомией и перспектива («Даная», «Евангелист
Лука рисует Мадонну»). Госсарт был острым и внимательным наблюдателем, что выступает в его портретах, отличающихся детальным рисунком и энергичной лепкой.
К следующему поколению принадлежит Бернарт ван Орлей. Одно из наиболее значимых его произведений – большая алтарная картина со сценами из истории Иовы.
Фигуры переданы в сложных, стремительных движениях и смелых ракурсах. Орлей стремится сочетать драматизм с изяществом в передаче архитектурных деталей.
Эти же черты отличают и его «Страшный суд». Орлей выполнял рисунки, по которым изготовлялись витражи и шналеры.
В северной провинции можно отнести к романистам такого мастера, как Лука Лейдонский. Его творчество отличается большим разнообразием. Им исполнены 174
гравюры на меди и свыше 30 рисунков для гравюры на дереве. Его отличают внимательное и пристальное наблюдение характерных особенностей изображаемых
предметов. Гравюры Луки характеризуют глубокие бархатистые и нежные серебристые тона. К числу наиболее известных его гравюр относится большой лист «Се
человек». Главное внимание художника сосредоточено не на раскрытии драматической стороны сюжета, а на подробной характеристике пестрой и шумной толпы. В
гравюре «Давид и Саул» художник создал убедительный образ угрюмого Саула., растроганного игрой на арфе Давида. Есть у Луки и картины, написанные
непосредственно на бытовые темы («Игра в шахматы», 2игра в карты»). Молитвы итальянского Ренессанса впервые выступают в «Мадонне с младенцем», где показан
музицирующий ангел. Шедевром художника является его большая картина «Исцеление Иерихонского слепца». Ее отличают довольно пестрые краски и сильные
контрасты света и тени.
Крупнейшим представителем романизма в Северных Нидерландах был Ян Скорель. Его внимание привлекали атмосфера, солнечный свет и богатство оттенков. Одним
из характерных его произведений может служить «Магдалина». Молодая женщина в нарядном платье и модной прическе представлена сидящей на фоне пейзажа.
Скорель занимает видное место в развитии портрета. Ему принадлежит несколько портретов членов братства нидерландских паломников. Они изображены погрудно,
двумя рядами, образуя нечто вроде процессии. В отдельных портретах Скорель стремится выделить главное, раскрыть духовное существо человека, передать
характерные жест и позу. К лучшим его портретам относятся «Портрет Агаты ван Схонховен», «Портрет неизвестного».
В мастерской Скореля работал в молодые годы Мартин ван Хемскерк. О его творчестве хорошее представление дает триптих «Распятие». Его картина «Евавнгелист
Лука и Мадонна» весьма любопытна для характеристики художественной мастерской, типичной для нового этапа романизма. В своем «Автопортрете» художник
изобразил себя на фоне античных руин. Хемскерк был превосходным портретистом, о чем свидетельствуют портреты заказчиков на эрмитажном триптихе. К лучшим
работам этого рода принадлежат парный портрет, изображающий Анну Кодде за прялкой и ее супруга Питера Биккера, считающего деньги, и особенно «Семейный
портрет».

85.

Нидерланды. XVI век. Поздний романизм в
Южных Ниерландах.
Ламберт Ломбард представлял собой тип ученого-гуманиста, всесторонне образованного человека, знатока античного искусства. И его мастерской вышел наиболее
значительный из поздних романистов - Франс Флорис. В 1554 году он написал для Антверпенского собора большую композицию – «Падение ангелов». Творчество
Флориса эклектично. В то же время он был значительным портретистом, как это видно из «Портрета сокольничего».
Во второй половине века чрезвычайно возрастает значение портрета. Крупнейшим нидерландским портретистом XVI века был Антонис Мор. Он был портретистом
королей, знати, крупных государственных деятелей. Им создана целая историческая портретная галерея, запечатлевшая образы Филиппа II, его сестры наместницы
нидерландов, Маргариты Пармской, своенравной и злой Марии Тюдор, холодного, жестокого и надменного герцога Альбы, умного и осторожного Вильгельма
Оранского. В Северных Нидерландах сложился во второй половине века новый жанр группового портрета. Обычно, изображенные к зрителю. Как бы вступая с ним в
общение. Так творил Дирк Якобс в двух своих портретах амстердамских стрелков, где изображенные размещены в два ряда.К. Тейниссен в стрелковом потретте 1533
года и Дирк Барендс в портрете 1568 года размещают стрелков за пиршественным столом. К Кетель в портрете «Стрелковой роты капитан Розенкранц» открывает
новый этап в развитии группового портрета в Амстердаме, изобразив стрелков на смотре. Во второй половине XVI века выделяется в самостоятельную отрасль
живописи бытовая картина. Крупнейшим художником этого жанра был Питер Артсен. В своих ранних произведениях на религиохные темы он еще близок искусству
романистов. Однако реалистическая направленность последующих произведений противостоит идеалистическим устремлениям поздних романистов. Основное место
в его творчестве занимают произведения на темы из крестьянской жизни. Он пишет картины больших размеров с крупными фигурами. В поздний период он писал и
небольшие картины с многочисленными мелкими фигурами. В зрелом творчестве он также пишет религиозные сцены («Христос в доме Марфы и Марии»). Художник
часто изображает крестьянские пирушки во дворе сельской усадьбы («Крестьянский праздник», «Танец среди яиц»). Его «Мясная лавка» с огромными тушами,
окороками, колбасами является грандиозным натюрмортом монументального характера. Некоторые фигуры Артсена изображают одну крупную фигуру бытового
характера («Кухарка», «Крестьянин»).
Величайшим художником Нидерландов в XVI веке был Питер Брейгель Старший. Его искусство национально по форме и содержанию. Он ярко отражает современную
ему жизнь. В его произведениях отразились мысли и чувства демократических кругов в период подготовки буржуазной революции. В ранние годы он создает большое
количество рисунков, работая в тесном общении с Иеронимом Коком, воспроизводящим в гравюрах работы художника. Значительное место среди них занимает
пейзаж. В 1556-1559 годах он создает ряд аллегорических композиций, в которых он обращается к образам народной фантазии. Брейгель вскрывает в этих листах
пороки и недостатки общества, в котором господствует глупость, злые инстинкты и несправедливость. Таковы «Осел в школе» и цикл «Семи грехов» и «Семи
добродетелей». С фольклором и народной сатирой связаны и ранние живописные произведения художника: «Битва масленицы и поста», «Пословицы», «Игры детей».
В 1562 году Брейгель пишет картину «Падение ангелов». Все пространство картины заполнено летящими ангелами и существами, созданными фантазией художника.
Потрясающей силы в изображении стихии разрушения, всесильной власти смерти до стигает Брейгель в картине «Триумф смерти». В «Вавилонской башне»
аллегорический смысл сочетается с изображением процесса строительства грандиозного сооружения. Картины на евангельские сюжеты, созданные в шестидесятые
годы, непосредственно отражают реальную обстановку, сложившуюся в эти годы в Нидерландах. В «Несении креста» фигура Христа почти затерялась среди толпы, и
только Мария и Иоанн на первом плане связаны с евангельским событием. В 1565 году Брейгель вновь обращается к пейзажу и создает цикл из ряда картин,
характеризующих смену времен года («Охотник на снегу», «Пасмурный день», «Сенокос», «Возвращение стада»). Одной из выдающихся пейзажных работ Брейгеля
является «Марина», в которой с огромной силой передана мощная водная стихия. Изображению крестьянской жизни посвящены две большие картины 1566 года –
«Крестьянская свдьба» и «Крестьянский танец». В своих последних произведениях художник вновь возвращается к темам, в которых чувствуются отзвуки тревожных
событий современности. К ним принадлежит «Танец под виселицей». Контрастом к этой проникнутой оптимизмом картине является картина «Слепые».

86.

Англия. Романика. Миниатюра.
• В романском искусстве Англии самым значительным явлением
был расцвет миниатюры, известной под названием
англосаксонской, или винчестерской (X-XI вв.). Ее отличают
большая самостоятельность орнаментации, динамизм форм и
черты эскизности в фактуре («Дарственная короля Эдгара
Ньюмнистерскому аббатству», «Бенедикционал Этевольда»). В
Англии выработан особый тип миниатюры, отдельные части
которой делались пером чернилами разного цвета и нередко
дополнялись вдоль контуров тонкими мазками акварели
(«Котонианская псалтирь»)

87.

Англия. Готика. Архитектура.
Готика проникла в Англию в последней четверти XII в. и за Ла-Маншем приобрела ярко выраженное национальное своеобразие. Главным средоточием соборного строительства
оставались крупные аббатства. Характерные особенности английской готики обозначились рано. Уже Кентерберийский собор, перестроенный после пожара 1174 г., являл ряд
существенных отличий от французских прототипов. Они обнаружились в плане: здание имеет два трансепта, один из которых короче другого. Сдвоенный трансепт стал впоследствии
отличительной чертой соборов в Линкольне, Уэлсе, Солсбери. Романские традиции оказались в Англии стойкими. Старые соборы были вместительны и не требовали коренной
перестройки, на старое ядро надевали лишь новые готические «одежды» (восточная часть собора в Глостере, собор в Винчестере). Усилия английских зодчих сосредоточивались не
столько на конструктивной, сколько на декоративной стороне нового искусства. Пространство английских соборов долгое время оставалось расчлененным: хор, нефы, трансепт были
обособлены, горизонтальные членения преобладали над вертикальными. Соборы сохранили значительную протяженность. Для английской готики характерны растянутые фасады,
далеко вынесенные трансепты, различного рода притворы. Апсиды имели по преимуществу прямоугольное завершение, хор с обходом и капеллами встречается редко.
Западные башни невелики, зато сильнее выделяется башня над средокрестием. В интерьере средний неф не поднимался, как правило, над боковыми на значительную высоту, роль
аркбутанов была ограничена, их скрывали под кровлей боковых нефов. Строгая геометрическая простота объемов компенсируется богатством и сложностью узоров на фасаде и сводах.
С соборами в английском зодчестве были связаны постройки монастырского типа — залы капитула, капеллы, клуатры. Готика сохраняла в Англии свое значение вплоть до середины XVI
в. Принято выделять раннюю, или «ланцетовидную» (по форме окна) готику (XIII в.), зрелую, или «украшенную» (конец XIII — XIV вв.) и позднюю, или «перпендикулярную» готику (XV
в.). Самобытность готической архитектуры Англии наиболее отчетливо выступила в соборах Солсбери, Линкольна, Уэлса, Йорка.
Этапы строительства собора в Уэлсе, перестроенного из романского здания, с его богато украшенным скульптурой западным фасадом (1220—39), залом капитула (1290—1319),
капеллой Богоматери и восточным хором (XIV в.) последовательно обозначили смену стилей английской готики, складываясь в цельный и значительный по силе впечатления
архитектурный ансамбль. Единство замысла наметилось у же в первоначальном наброске плана этой трехнефной базилики с трансептом и хором; достройки XIV в. лишь развивали и
усложняли его. Растянутый фасад воспринимается как подвижная, волнообразно колышущаяся масса. Невысокие боковые башни обрываются внезапно и замедляют вертикальные
ритмы, порталы включены в декоративные членения. Примечательна в соборе Уэлса смелая конструкция арок средокрестия, которые соединены друг с другом вершинами
(«опрокинутые арки»). Построенные в XIV в., они связывают старую часть нефа с хором, выполненном в «украшенном» стиле.
Перестройка романского здания в в Линкольне (1192—1380), одного из наиболее протяженных в Англии (157 м), принесла в английскую готику ряд новых архитектурных приемов.
Цельностью замысла и исполнения выделяется собор в Солсбери (1220—84). Большое свободное пространство вокруг собора делает его хорошо обозримым со всех сторон. Силуэт
определяет башня над средокрестием, самая высокая в Англии (124 м, завершена в 1320—1330). Западный фасад со слабо выраженными башенками украшен нишами,
геометрическим орнаментом и скульптурой. В интерьере наметилось стремление слить воедино трифорий и верхние окна.
В XIII в. в готическом стиле был перестроен собор Вестминстерского аббатства в Лондоне — место коронации и погребения английских королей.
Наличие при соборе зала капитула было характерной чертой английской готики. Эти многогранные в плане сооружения пристраивались к клуатру или трансепту, они имели каменные
сводчатые или деревянные перекрытия. Наиболее совершенным предстает зал капитула в Уэлсе (XIV в.). Превосходная ажурная каменная кладка переплетов больших окон, веерные
своды с резными замковыми камнями, двухъярусный портал, лестница — составляют целостный архитектурный ансамбль.
Облик собора в Йорке определили черты, присущие «украшенному» стилю (зрелая готика). Объединение трифория с окнами, единые тяги, связывающие все ярусы интерьера — все эти
особенности намечали систему стены, характерную для XIV в.
Начало новому этапу в истории английской готики было положено перестройкой восточной части собора в Глостере (1329—77). Определяющими в конструкции и декоре здания стали
прямоугольные пересечения при общей вертикальной устремленности архитектуры. Стена практически исчезла, ее заменила решетка окон и арочные проемы; своды приобрели
сложный декоративный рисунок нервюр. Напряженность и безудержная расточительность архитектурного декора отличают клуатр собора в Глостере с веерным сводом и
воронкообразными распалубками.
Развитие «перпендикулярного» стиля в английской готике связано с именем Генри Йевела, работавшего во второй половине XIV в. В период господства этого направления
материальные возможности страны были ограничены, усилия сосредоточивались поэтому на достройке уже начатых зданий. Популярным стало сооружение небольших капелл во
дворцах, аббатствах, при университетах. Заключительное звено английской «перпендикулярной» готики составляют три капеллы — в Виндзорском замке (1474—1528), Кембридже
(1446—1515) и Вестминстерском аббатстве (1503—19). Здесь торжествовало единое пространство, опоры растворились в общем орнаментальном ритме. Кружево, сплетенное
нервюрами сводов, дополняет впечатление простора и нематериальности.
Готические росписи и скульптура в Англии практически не сохранились — многое было уничтожено в период Реформации. С готикой связан расцвет английской книжной миниатюры,
резьбы по алебастру и дереву, вышивки.

88.

Англия. Готика. Скульптура и живопись.
В Англии нашла развитие мемориальная пластика. Здесь надгробия высекались из различных пород камня, чеканились или отливались из
латуни и меди, нередко золотились. В произведениях конца XV века резче выступила портретность изображения: с умерших снимали маску.
Английская живопись и миниатюра в эпоху готики были тесно связаны с искусством Франции. Как и во французской, в английской миниатюре
много элементов реальной жизни. Примером могут служить светские хроники и богослужебные книги восточноанглийской школы XIV века,
из которых самая знаменитая - Псалтырь королевы Марии (1320).
Рукопись содержит 60 больших миниатюр, 233 раскрашенных рисунка и более 400 рисунков пером. Религиозные темы, например «Брак в
Кане Галилейской», трактуются как современные художнику события: слуги и музыканты одеты в костюмы Англии 14 в. Характеристика
персонажей удивительно жизненна: мы узнаем почти каждого из них, когда он появляется в другой миниатюре.
Интересны страницы рукописи, включающие сюжетную композицию, расположенную вверху листа и заменившую сценку-инициал. На одной
из них в интерьере церкви, боковые нефы которой служат рамкой миниатюры, изображено, как маленького Христа экзаменуют вероучители .
Недоумение и удивление последних, пораженных мудростью отрока, беспокойство Богоматери, поддерживаемой Иосифом, переданы с
необычайной убедительностью. Изящны пропорции фигур, превосходен колорит, выдержанный в размытых тонах синего, розового,
зеленовато-голубого, падевого. Под миниатюрой четыре строчки текста с орнаментальным завершением каждой строки. Внизу листа —
сцена охоты, не относящаяся к содержанию рукописи, но исполненная очень свободно и живо. Эти жанровые сценки с крошечными
фигурками восхищают необыкновенным богатством фантазии и художественной завершенностью. Такие рисунки внизу страниц и в конце
строчек очень характерны для этой рукописи, а также для известной псалтыри Лутрелла' (1340, Британский музей). Изображения работы на
полях под бичом надсмотрщика, стрижки овец, соревнования в стрельбе из лука и бракосочетания следуют одно за другим и создают
картину жизни различных слоев английского общества. Рукопись имеет не только художественную, но и познавательную ценность; это, по
существу, вершина развития английской миниатюры.
В 14 в. сравнительно широко иллюстрировались чисто светские книги. Уже в конце 13 в. в Англии иллюстрировали легенды о короле Артуре и
рыцарях Круглого стола. Эти миниатюры и первые иллюстрации к произведениям крупнейшего английского писателя Чосера (например,
фронтиспис — Чосер, читающий друзьям свои поэмы, миниатюры к его поэме «Троил и Крессида»), а также иллюстрации к научным
трактатам являются логическим завершением развития английской миниатюры в ее поисках жизненно убедительных характеристик.
С середины 14 в. расцвет английской миниатюры сменился глубоким упадком, вызванным Столетней войной и эпидемией «черной смерти».

89.

Англия. Возрождение. Архитектура.
• Приемы готической архитектуры удерживались в Англии очень долго.
Только со второй половины этого столетия можно говорить о новых
исканиях. Английская архитектура конца XVI – начала XVII века
формируется на базе традиций предшествующего времени, под
значительным воздействием строительных приемов Нидерландов.
Черты нового стиля Возрождения проявляются всего заметнее в
жилых и некоторых общественных зданиях. Англия довольно быстро
расстается с замкнутой дворовой композицией жилого дома, заменяя
ее «Н»- или «Е»-образными планами. Примерами могут служить
Уоллатон Холл и Монтакют Хауз. В интерьерах также сочетаются
элементы уходящей готики и проступающего Ренессанса. В
деревянных строениях в XVI веке в значительной степени сохраняются
традиции фахверковых сооружений, предшествующих времени.

90.

Англия. Возрождение. Изобразительное
искусство.
• Ренессансные идеи в XVI – начале XVII века ярче всего отразились в литературе и
драматургии, менее – в архитектуре и слабее всего в живописи. Ведущим жанром
английского искусства еще со времен средневековья был портрет. Выразительные,
реалистически трактованные образы нередко встречались в скульптурных надгробиях, в
миниатюрах XIV – XV веков. Яркой индивидуальной характеристикой отличаются станковые
портреты конца XV столетия (портреты Генриха VII и его матери Маргарет Бофор). О
большом интересе к портретному искусству в Англии свидетельствует приезд немецкого
портретиста Ганса Гольбейна. В Англии им были созданы портреты Георга Гисце, двойной
портрет французских посланников, портрет Моретта, Генриха VIII.
• Во второй половине XVI века ведущими мастерами становились многие второстепенные
иностранные художники, прислушавшиеся к английскому двору.
• Николас Хиллиард занимался гравированием и медальерным делом, но был более всего
известен как миниатюрист. Наиболее известные его работы – «Автопортрет», «Юноша
среди розовых кустов» и портрет Дж. Клиффорда.
• Другим известным миниатюристом был Исаак Оливер. Среди наиболее известных его
портретов следует назвать портрет Филиппа Сиднея, принца Уэльского, Ричарда Сэквилла.

91.

Миниатюра Ирландии.
В конце VI в. ирландские писцы выработали особый тип письма, который получил название «островного». Это письмо развилось на основе римского полуунциала, с введением некоторых элементов
рунического письма и греческих букв. Такой характер написания букв делает легко узнаваемым вид страницы ирландского кодекса. Окончательно островное письмо вышло из употребления только в XIII в.
Орнаментика ирландских рукописей основывается на слиянии разных традиций, прежде всего, кельтской, коптской и англосаксонской. Все эти черты можно видеть в изделиях из металла и каменных
рельефах. Соединение абстрактной геометрии кельтов (разнообразных спиралей, сложнейших плетенок) и персонажей англосаксонского «звериного стиля» определяют характерный облик декорации
ирландской рукописи. Восприятие книги в Ирландии наложило отпечаток на ее использование и украшение. Многие ранние книги почитались как реликвии, им приписывали чудотворные свойства, они
хранились в специальных реликвариях, но, несмотря на это, многие из них дошли до нас в очень плохом состоянии, так как применялись для исцеления людей и животных и даже участвовали в битвах.
Близость к изделиям из металла и имитация выемчатых эмалей с разделением формы на отдельные сектора, заполненные разными цветами, определила важнейшие стилистические черты ирландских
рукописей — линеарность, плоскостность, сочетание сильного контура с яркими локальными цветами. Черты ирландской иллюстрации: плоскостной характер изображения, отсутствие глубины и объема,
ковровый характер изображения, «боязнь пустого пространства», проявляющаяся в сплошном заполнении страницы, будут долго сохраняться в рукописях Северной Европы.
Самая древняя сохранившаяся ирл. рукопись — псалтирь, но самым распространенным ирландским иллюстрированным текстом было Четвероевангелие.
Историю ирландской миниатюры можно условно разделить на 3 этапа. Ранний этап (кон. VI — сер. VII вв) — период сложения. Главные скриптории находятся на территории Ирландии; качество пергамена
еще низкое, размеры рукописей небольшие, декорация сводится к выделению начальных букв. Самая ранняя декорированная рукопись из сохранившихся — Псалтирь, т. н. Катах св. Колумбы.
«Нортумбрийско-ирландская школа» (2-я пол. VII — нач. IX вв.) — перемещение основных скрипториев в Нортумбрию (Линдисфарн, Вермут-Ярроу). Этот период называют «золотым веком» ирландской
миниатюры. Используется качественный пергамен, драгоценные пигменты (ограниченное количество цветов — черный, синий, оттенки красного, желтый, редко зеленый и никогда золотой); рукописи
имеют крупный размер.
Следующий этап в традиции иллюминирования — усложнение структуры и рост качества декорации — появление полностраничных цветных иллюстраций и сложение ясной законченной структуры
островного Четвероевангелия. Все инициалы имеют устойчивую схему, отличаясь лишь степенью разработанности и качеством исполнения. Помимо этого, появляются полностью орнаментальные, так
называемые «ковровые страницы». К этому периоду относятся: Книга из Дарроу, Эхтернахское Евангелие, Линдисфарнское Евангелие, Евангелие из Личфилда и Келлская книга. В Келлской книге
появились более переработанные и адаптированные к островному стилю сюжетные изображения — «Взятие Христа под стражу», «Искушение Христа», «Богоматерь с Младенцем и ангелами». Здесь
впервые в истории ирландской изобразительности заметны признаки трехмерного восприятия изображения — одни фигуры изображаются позади других.
Поздний этап приходится на IX–XII вв. Расцвет традиции был прерван внезапно, из-за набегов викингов и разрушения скрипториев, бегства части монахов на континент. Продолжают переписываться и
украшаться уже известные типы рукописей, где в конце концов остается лишь первоначальная чисто орнаментальная декорация. Однако уровень графической культуры очень высок, и в течение IX в.
создаются такие изысканные по своему декору рукописи, как Евангелие Мак-Регола и Евангелие Мак-Дёрнана. О рукописях X–XI вв. можно судить по Саутгемптонской псалтири.
Три ее фронтисписа — «Давид во рву львином», «Давид и Голиаф» и «Распятие» свидетельствуют, с одной стороны, о высоком, как и прежде, уровне островной каллиграфии и орнаментики, а с другой —
о полном равнодушии островных мастеров к изображению человеческого тела. Об этом свидетельствует и распад формы на отдельные цветные сектора, и причудливое расположение
персонажей, имеющее, скорее, геральдический характер.
В XII в. декорация рукописей огранивается только инициалами и орнаментами. Полностраничные иллюстрации сохраняются только в копиях более древних рукописей. Орнамент снова стал преобладать в
ирландских рукописях, как это и было в самом начале пути.
Англо-норманское завоевание И. в 1170 г. привело к уничтожению мн. скрипториев и почти прервало древнюю традицию иллюстрирования. Она продолжала существовать до XIV в. только в редких
рукописях, создававшихся в монастырях. Рукописи (на ирл. языке) в большом количестве создавались еще в XVII в., но более скромные и почти без миниатюр.

92.

Византийское искусство (IV)V-VII веков.
Распространенная форма церковных построек – базилики (здания удлиненной формы с граненым выступом в восточной части – алтарем). Многие базилики были разделены колоннами на три нефа и
имели три апсиды. Перекрытие в западных частях было деревянным, восточные части – из камня.
Постепенно большое значение стали приобретать здания с центрическим планом (первоначально – усыпальницы и крещальни), позже строятся церкви квадратного плана с переходом к круглому куполу
при помощи парусов. В некоторых случаях сочетаются принципы базилики и здания с центрическим планом (церковь Ирины в Константинополе).
Важным сооружением является храм святой Софии в Константинополе. В основу здания положен план трехнефной базилики в сочетании с развитым типом центрического здания. Стены нартекса
облицованы мрамором, боковые аркады опираются на малахитовые и порфировые колонны.
Памятники Равенны. Наиболее ранними являются крестообразный мавзолей Галлы Плацидии и восьмигранный Православный баптистерий, базилики – Сант Аполлинарс Нуово и Сант Аполлинарс ин
Классе. Особый интерес представляет центральнокупольная на восьмиугольном основании церковь Сан Витале.
В “Большом дворце” в Константинополе были открыты мозаики пола со сценами охоты, изображениями реальных и фантастических животных, детей, музыкантов, рыболовов и т.д. Иконы VI века написаны
восковыми красками, их отличают пластическая моделировка лиц, свободное расположение фигур. Другие иконы происходят из восточных центров: им присуща плоскостная обобщенная передача
изображения.
Мозаики церкви в Никее изображали 4 ангелов. Они исполнены в традициях античной живописи, фигуры ангелов передаются с помощью разнообразной по окраске смальты.
Фрески церкви в Кастельсеприо. Сохранился ряд сцен из детства Христа («Рождество», «Поклонение волхвов», «Сретение»)
Мозаика Равенны. Самая распространенная техника – мозаика. Особенно важны мозаики мавзолея Галлы Плацидии. Мозаики церкви Сант Аполлинаре Нуово изображают процессию святых жен и мужей.
Цикл из жизни и старстей Христа в верхней части храма имеет иконографические и стилистические черты, развивающиеся в последующем средневековом искусстве. В церкви Сан Витале сохранились
декоративные и сюжетные мозаики. Свод апсиды занимает изображение юного Христа, сидящего на сфере, по сторонам которого помещены ангелы и реальные исторические лица: святой Виталий,
архиепископ Экклеасий. В мозаиках церкви Сант Аполлинаре ин Классе продолжается развитие отвлеченного стиля, в апсиде помещена композиция «Преображение».
Мозаики церкви Дмитриия в Фессалониках. Особо интересными были сцены, иллюстрировавшие жизнь Дмитрия.
В византийском искусстве VI скульптура играет незначительную роль. В это время наибольшее распространение получает декоративный рельеф. В восточных областях империи дольше сохранялась
портретная скульптура. Имеются и произведения скульптуры с сюжетным изображением.
Широкое развитие получили в VI столетии малые формы искусства. К их числу пренадлежат образцы резьбы по кости, изделия из серебра, ткани. Сохранился ряды консульских диптихов со светскими
изображениями на костяных пластинках, диптихи с церковными сценами, пиксиды. Известной является кафедра епископа Максимиана, покрытая резными пластинками из слоновой кости.

93.

Искусство периода иконоборчества (VIII –IX
вв.)
• Искусство иконоборцев опиралось на традицию светского
античного искусства и заимствовало многое из искусства Востока.
В числе миниатюр так называемой Хлудовской псалтири имеется
ряд сцен, изображающих иконоборцев.
Важными являются мозаики святой Софии в Фессалониках.

94.

Византийское искусство IX – XII вв.
Монументальная живопись.
• Монументальная живопись IX-X веков. Складывается система внутреннего декоративного убранства. Церковное здание
уподоблялось космосу, купол и барабан символизировали небо. В апсиде помещали фигуру Богоматери. Паруса с
изображениями евангельских сюжетов представляли как бы переходи к земле. Здесь изображались фигуры мучеников и
святых.
• Мозаики церкви святой Софии. Мозаики храма святой Софии дают представление о развитии столичного искусства от
середины IX до середины XII века. Наиболее ранние изображения архангела Гавриила и Богоматери с младенцем хранят
эллинистические традиции. Здесь сохранена свободная манера контрастного сопоставления разноцветных кубиков
смальты, позднее мозаика выкладывалась более правильными рядами.
• Над главной дверью изображен император Лев Мудрый, распростертый перед троном Христа. Его лицо портретно.
Сделанные во второй половине X века ретроспективные портреты императора Константина и Юстиниана с моделью храма
Софии почти не имеют индивидуальных отличий. Серия императорских портретов XI-XI веков найдена в южной части
храма. В их исполнении нарастает линейное начало.
• Монументальная живопись XI-XII веков. Усиливается спиритуалистический характер искусства, фигуры утрачивают
телесность. Архитектурный пейзаж и ландшафт приобретают условный характер, элементы живописности вытесняются
линейными изображениями. Колорит также становится условнее.
• Мозаики XI века церкви в Дафии расположены в верхних частях здания. Наиболее замечательны циклы сюжетов из жизни
Христа и Богоматери. Использовались античные прототипы. Внимание сосредоточено на внутренней характеристике
участвующих лиц.
• Мозаики церкви Луки в Фокиде. Фигуры укороченных пропорций, строго фронтальные. Выразительные лица с большими
глазами.

95.

Византийское искусство IX – XII вв.
Миниатюра.
• Миниатюра IX-X веков. К этому времени относится ряд рукописей,
подражающих старым образцам или копирующих таковые. Миниатюры
Парижской псалтыри разео отличаются от тех, что украшают Хлудовскую:
они исполнены не на полях рукописи, а занимают целые листы кодекса и
заключены в орнаментальные обрамления. Большое место отведено
пейзажу, часто используются аллегорические изображения.
• Миниатюра XI-XII веков стилистически близка к монументальной
живописи. В иллюстрациях Менология Василия II наблюдается отход от
классицизма. Миниатюры этой рукописи связаны с написанным текстом и
заглавными буквами. Архитектура обобщена, дана в меньшем масштабе,
чем фигуры. Пейзаж условен и занимает минимальное место.
Распространенным видом рукописи является Евангелие. Оно начинается с
изображения автора, текст сопровождается иллюстрациями праздничных
евангельских сцен.

96.

Византийское искусство IX – XII вв.
Иконопись.
• Энкаустика в это время постепенно исчезла, сменившись
техникой яичной темперы: по левкасу наносился первоначальный
контур изображения, который затем заполнялся основным
локальным тоном, поверх которого делались высветления,
подрумяны и т.д. Роль иконы значительно возросла в
послеиконоборческий период (X в.). В иконе часто встречаются
архитектурные элементы, но человеческие фигуры господствуют в
композиции. Ландшафт и фон передаются условно, число
действующих лиц ограниченно, композиция строится вокруг
центральной по своему значению фигуры.
• Выдающиеся образцы – икона Григория Чудотворца, икона
Владимирской Богоматери.

97.

Византийское искусство IX – XII вв.
Прикладное искусство.
• Важными были украшенные крупными узорами шелковые ткани,
предметы из драгоценных металлов, которые применялись в
дворцовом обиходе. Славилась в X-XII веках техника украшения
перегородчатой эмалью. Напаянные на пластинку золота тончайшие
золотые ленточки, поставленные на ребро, образовывали ячейки,
заполнявшиеся разноцветной эмалью, которая после обжига
шлифовалась. Сила античной традиции заметна в изображениях на
слоновой кости. На ларцах сохранились изображения богов и героев.
На рельефах слоновой кости встречаются портреты императоров.
• Высокий уровень сохраняется в Византии обработка полудрагоценных
камней. Более широкое распространение имела керамика с
рельефными изображениями фантастических птиц и животных.

98.

Византийское искусство XII – XV вв.
Живопись.
• В конце XIII - начале XIV века в области живописи наблюдается значительное
обогащение тематики за счет иллюстрирования "Аканфиста Богоматери", ряда
апокрифических сказаний, различных гимнов и молитв. Усиливаются
повествовательные моменты и в отдельных сценах: вводятся сложные
архитектурные фоны и пейзажи. Композиция строится из нескольких планов.
Фигуры чаще всего представлены в фас, становятся лёгкими, приобретают
удлинённый пропорции. Часто встречаются портреты заказчиков. Стиль этого
периода отмечен нарастанием красочных гамм с переходными тонами.
В Византийской империи последних веков возрастает роль фресковых росписей. В
композиции исчезает прежняя конструктивная ясность и простота. Живопись
приобретает декоративный характер.
Примеры: мозаики и фрески Кахриэ-Джами, фрески Мистры.
С конца XII века в иконописи наблюдаются черты Палеологовского возрождения.
Утонченные пропорции характерны для изображения Христа Пантократора. Здесь
применён излюбленный в дальнейшем приём пробелов резкими штришками.
Образцом живописи является икона "Двенадцать апостолов".

99.

Византийское искусство XII – XV вв.
Миниатюра.
• В последний период жизни Византии миниатюра редко достигала
былого художественного уровня. Новые веяния прослеживаются
к концу XIII века. Пример: миниатюры Евангелия.
• От этого времени сохранился ряд рукописей светского
содержания. Живописная манера исполнения характерна для
миниатюр начала XIV века. В них большое место занимает
архитектурный фон. Фигуры передаются в преувеличенном
движении. Однако и в миниатюре постепенно нарастает
линейность.

100.

Византийское искусство XII – XV вв.
Прикладное искусство.
• Памятниками последних веков Византии являются образцы шитья
"Преображение" и "Христос во славе" на далматике Карла
Великого. Большое распространение получают в это время
изделия из серебра.

101.

Русское искусство. IX-XIII века. Живопись.
После крещения Руси из Византии пришли новые виды монументальной живописи — мозаика и фреска, а также станковая живопись
(иконопись). Также из Византии был перенят иконографический канон, неизменность которого строго оберегалась церковью. Это
предопределило более длительное и устойчивое византийское влияние в живописи, нежели в архитектуре.
Наиболее ранние из сохранившихся произведений древнерусской живописи были созданы в Киеве. Согласно летописям, первые храмы
украшали приезжие мастера-греки, добавившие в сложившуюся иконографию систему расположения сюжетов в интерьере храма, а также
манеру плоскостного письма. Своей особой красотой известны мозаики и фрески Софийского собора. Они выполнены в строгой и
торжественной манере, свойственной византийской монументальной живописи. Их создатели мастерски использовали разнообразие
оттенков смальты, искусно объединили мозаику с фреской. Из мозаичных работ особенно значительны изображения Христа Вседержителя в
центральном куполе. Все изображения пронизаны идеей величия, торжества и незыблемости православной церкви и земной власти.
Ещё одним уникальным памятником светской живописи Древней Руси являются росписи стен двух башен Киевской Софии. На них
изображены сцены княжеской охоты, цирковых состязаний, музыканты, скоморохи, акробаты, фантастические звери и птицы, что несколько
отличает их от обычных церковных росписей. Среди фресок Софии — два групповых портрета семьи Ярослава Мудрого.
В XII—XIII веках в живописи отдельных культурных центров стали проявляться местные особенности. Это характерно для Новгородской земли
и Владимиро-Суздальского княжества. С XII века формируется специфический новгородский стиль монументальной живописи, который
достигает более полного выражения в росписях церквей Георгия в Старой Ладоге, Благовещения в Аркажах и особенно Спаса-Нередицы. В
этих фресковых циклах, в отличие от киевских, заметно стремление к упрощению художественных приемов, к экспрессивной трактовке
иконографических типов. В станковой живописи новгородские черты были выражены слабее.
Во Владимиро-Суздальской Руси домонгольского периода сохранились фрагменты фресок Дмитриевского и Успенского соборов во
Владимире и церкви Бориса и Глеба в Кидекше, а также несколько икон. Основываясь на этом материале, исследователи считают возможным
говорить о постепенном становлении Владимиро-суздальской школы живописи. Лучше всего сохранилась фреска Дмитриевского собора с
изображением Страшного суда. Она создана двумя мастерами — греком и русским. К Владимиро-суздальской школе относятся несколько
больших икон XII — начала XIII веков. Самой ранней из них является «Боголюбская Богоматерь», датируемая серединой XII века,
стилистически близкая к знаменитой «Владимирской Богоматери», которая имеет византийское происхождение.

102.

Русское искусство. IX-XIII века. Архитектура.
• Культурное влияние Древнерусского государства прослеживается в архитектурных
традициях нескольких современных государств, в том числе и России.
• Большие церкви Киевской Руси, построенные после 988 года, были первыми примерами
монументальной архитектуры в восточно-славянских землях. Архитектурный стиль Киевской
Руси утвердился под влиянием архитектуры Византии. Ранние православные церкви
преимущественно строились из дерева.
• Первой каменной церковью Древнерусского государства была Десятинная церковь в Киеве,
строительство которой относят к 989 году при Владимире Святославиче. Церковь строилась
в качестве кафедрального собора неподалёку от княжеского терема.
• Софийский собор в Киеве, построенный в XI веке, является одним из самых значительных
архитектурных сооружений данного периода. Первоначально Софийский собор представлял
собой пятинефный крестово-купольный храм с 13 главами. С трёх сторон он был окружён
двухъярусной галереей, а снаружи — ещё более широкой одноярусной.
• Собор строился константинопольскими строителями при участии киевских мастеров. На
рубеже XVII—XVIII веков был внешне перестроен в стиле украинского барокко.

103.

Русское искусство. IX-XIII века.
Декоративно-прикладное искусство.
• Киевская Русь славилась своими мастерами в прикладном, декоративном искусстве, которые в
совершенстве владели различными техниками: сканью, эмалью, зернью, чернью.
• Ювелирные изделия украшались перегородчатой эмалью. Мастера использовали яркие краски, умело
подбирали цвета. В рисунках прослеживались мифологические языческие сюжеты и образы, которые
особенно часто использовались в прикладном искусстве. Их можно увидеть на резной деревянной
мебели, домашней утвари, расшитых золотом тканях, в резных костяных изделиях, известных в
Западной Европе под названием «резьба тавров», «резьба русов».
• Наиболее распространённым типом подвесок были нательные кресты. В период с середины — второй
половины X века по XII век бытовали кресты-привески так называемого «скандинавского типа»
(кресты с тремя «шариками» на концах и схожие с ними).
• Вторым по распространённости типом подвесок после крестов были лунницы. В Х—ХIII веках они
имели широкое распространение практически на всей славянской территории. Их появление связано
с проникновением в славянскую среду в конце VII — начале VIII веков комплекса филиграннозернёных женских украшений (Залесский клад) в составе первой волны византийского влияния. В Х
веке лунницы в большей мере исполняли декоративную функцию, поскольку весь сканно-зернёный
убор этого периода подчинялся идее престижности атрибутов древнерусской знати. В ХІ—ХІІ веках
лунница и изображение луны в целом трансформировались в символ Богородицы.

104.

Русское искусство. XIII-XV века.
Архитектура.
В результате монголо-татарского нашествия на целых полстолетия на Руси прекратилось каменное строительство. Оно возобновилось лишь с конца XIII в. С этого времени получили новое развитие
традиции областных архитектурных школ, сложившиеся в предшествующий период.
Одним из крупнейших центров развития искусства в XIV— XV вв. был Новгород, переживавший в это время экономический и политический подъем. Как прежде, новгородские постройки возводились на
средства отдельных бояр, купеческих объединений и коллективов «уличан», и в них отражались вкусы заказчиков.
Основываясь на традициях архитектуры домонгольского времени, новгородские зодчие вели поиск новых художественных и строительно-технических решений. Направление этих поисков определилось
уже в самой первой постройке, возведенной после значительного перерыва, — в церкви Николы на Липне (1292). Зодчие внесли много нового в традиционный тип четырёхстопного одноглавого храма
кубической формы. Они заменили поза-комарное покрытие трехлопастным, отказались от членения фасадов лопатками, уменьшили число апсид с трех до одной, опустив ее до половины высоты храма.
Это придавало зданию массивность и монолитность. Строители перешли к кладке из грубо отесанных известняковых плит с использованием валунов и частично кирпича, что еще более усиливало
впечатление силы и мощи. Новые искания и старые традиции отразились в церкви Спаса на Ковалеве (1345) и церкви Успения на Волотовом поле (1352). Это промежуточное звено в процессе
формирования того стиля в новгородском зодчестве, который представлен постройками второй половины XIV в. Классическими образцами этого стиля являются церковь Федора Стратилата (1360—1361) и
церковь Спаса на Ильине улице (1374). Характерная черта этого стиля — нарядное внешнее убранство храмов. Их фасады украшены декоративными нишами, треугольными впадинами, скульптурными
вкладными крестами. Многие ниши были заполнены фресковыми росписями.
Новый архитектурный стиль в дальнейшем почти не изменялся. Более того, в XV в. проявилось стремление к воспроизведению архитектурных форм XII в. В этом возрождении культурных традиций
проявился сепаратизм новгородской аристократии, ее стремление сохранить «старину и пошлину» независимой Новгородской боярской республики.
В Новгороде велось и крупное гражданское строительство. В 1433 г. в кремле немецкие и новгородские мастера построили Грановитую палату, предназначавшуюся для торжественных приемов и
заседаний Совета господ. На владычном дворе была возведена Часозвоня (1443) — восьмигранная башня на прямоугольном основании. Некоторые новгородские бояре строили себе каменные палаты с
коробовыми сводами. В 1302 г. в Новгороде был заложен каменный детинец, который впоследствии несколько раз перестраивался. Были возведены крепостные укрепления Старой Ладоги, Порхова,
Копорья, Яма, Орешка.
Своеобразием отличалось зодчество Пскова, обособившегося в середине XIV в. от Новгорода и ставшего центром самостоятельной феодальной республики. Больших успехов достигли местные зодчие в
крепостном строительстве. В 1330 г. были возведены каменные стены Изборска — одного из крупнейших военных сооружений Древней Руси. В самом Пскове был построен большой каменный кремль,
общая длина стен которого составляла около девяти километров. Вся архитектура города имела крепостной облик, здания были суровы и лаконичны, почти лишены декоративного убора. В 1365—1367 гг.
«на старой основе» храма XII в. был заново выстроен городской собор Троицы, при этом псковские мастера внесли много нового в традиционную схему крестовокупольного храма, придав верхней части
сооружения динамичную устремленность ввысь. Характерны для псковского зодчества каменные звонницы, состоявшие из нескольких пролетов. Местные мастера разработали особую систему перекрытия
здания взаимно перекрещивающимися арками, что дало возможность позднее освободить храм от столбов. Этот прием сыграл существенную роль в создании типа малой бесстолпной «посадской» церкви.
Своим мастерством псковские зодчие завоевали общерусскую известность. Они сыграли большую роль в московском строительстве в XV—XVI вв.
Первым городом Северо-Восточной Руси, в котором возобновилось каменное строительство, была Тверь. Здесь в 1285—1290 гг. был построен собор Спаса-Преображения — шестистолпный крестовокупольный храм, украшенный белокаменными рельефами. Образцом для него послужил владимирский Успенский собор. В начале XIV в. была построена еще одна каменная церковь, но затем последовал
длительней перерыв в строительстве, вызванный ослаблением Твери в результате ее разгрома после восстания 1327 г. Лишь с конца XIV в. наступил новый подъем. Из тверских построек того времени до
нас дошла церковь Рождества Богородицы в селе Городне на Волге.
Начало каменного строительства в Москве относится ко второй четверти XIV в. При Иване Калите в Московском Кремле строятся четыре каменных храма: Успенский собор, церкви Ивана Лествичника и
Спаса на Бору, Архангельский собор. Ни один из них не дошел до нашего времени, но есть основание предполагать, что выстроены они были в духе традиций владимиро-суздальского зодчества. Несколько
камней, уцелевших от церкви Спаса на Бору, свидетельствуют о том, что она была украшена резьбой.
В 1367 г. в Москве возводится каменный Кремль, единственный во всей Северо-Восточной Руси того времени. Это свидетельствовало о возрастании политического могущества Москвы. Накануне
Куликовской битвы в Коломне был построен Успенский собор, превосходивший по размерам все московские храмы. Древнейшими сохранившимися памятниками московского зодчества являются
Успенский собор в Звенигороде (около 1400 г.), собор Саввино-Сторожевского монастыря близ Звенигорода (1405) и Троицкий собор Троице-Сергиева монастыря (1422). Образцами для них послужили
церковь Покрова на Нерли и Дмитриевский собор во Владимире, хотя постройки начала XV в. более приземисты и суровы, а их убранство скромнее. Интерес к архитектуре Владимира обусловливался
идеей владимирского наследства, пронизывавшей всю московскую политику и отразившейся в других сферах культуры.

105.

Русское искусство. XIV-XV века. Живопись.
Вторую половину XIV — начало XV в. называют «золотым веком» стенной живописи Древней Руси. Успешно развивается новгородская
монументальная живопись, опиравшаяся на местные традиции и использовавшая достижения византийского искусства. Большой вклад в ее
развитие внес Феофан Грек, работавший сначала в Новгороде, а потом в Москве. Он приехал из Византии на Русь в 70-х гг. XIV в. уже зрелым
живописцем и отдал свое мастерство новой родине. Лучшей работой Феофана, наиболее полно раскрывающей самобытность и мощь его
творчества, является фресковая роспись церкви Спаса на Ильине улице. Для Феофана Грека характерны такие черты, как смелая живописная
манера, свобода в обращении с иконографическими традициями, виртуозность исполнения, интерес к характеру, внутреннему миру
человека. В своих персонажах он воплощал одухотворенность человека, силу его внутренней эмоциональности, стремление к
возвышенному. Бурная, темпераментная живопись Феофана — яркое проявление экспрессивно-эмоционального стиля в русском искусстве
этого времени.
К фрескам Феофана Грека в церкви Спаса на Ильине близки по манере исполнения фрески церкви Федора Стратилата. Одни исследователи
считают их произведением Феофана, другие — работой его учеников.
Замечательным памятником новгородской живописи были и фрески церкви Успения на Волотовом поле (погибли во время Великой
Отечественной войны), в котором ярко проявились свобода художественного творчества, стремление преодолеть традиционные каноны
церковной живописи. Эти фрески отличали предельная динамика в построении композиции, глубокая эмоциональная насыщенность.
По-иному выглядят фрески церкви Спаса на Ковалеве, которым свойственны черты аскетизма. Исследователи видят в них влияние
южнославянской художественной традиции и считают, что они написаны сербскими художниками.
В XV в. монументальная живопись все более усваивала догматические черты официально-церковной идеологии. Но в Новгороде
иконописание еще оставалось связанным с демократическими кругами, о чем свидетельствовали простота трактовки сюжетов, широкое
распространение икон популярных в народе святых, принявших функции языческих божеств-покровителей различных хозяйственных
занятий. Расширялись узкие рамки религиозной тематики.
Высокого расцвета достигла живопись в Москве в конце XIV — начале XV в. В это время здесь окончательно складывается русская
национальная школа живописи, наиболее ярким представителем которой был гениальный русский художник Андрей Рублев. Его
предшественником по росписи московских церквей был Феофан Грек, переехавший в 90-х гг. XIV в. в Москву (московские росписи Феофана
не сохранились).