Стиль эпохи Возрождения

1.

СТИЛЬ ЭПОХИ
ВОЗРОЖДЕНИЯ
Выполнила студентка Фил/б-21-3-о
Зибарева Любовь

2.

Определение стиля
■ Искусство эпохи Возрождения это художественный стиль, включающий живопись, скульптуру и
архитектуру, который появился в Европе около 1400 года, конкретно в Италии. Эпоха
Возрождения – это время расцвета всех искусств, в том числе и театра, и литературы, и музыки,
но, несомненно, главным среди них, наиболее полно выразившим дух своего времени, было
изобразительное искусство.
■ Этот этап истории человечества называется эпохой Возрождения, потому что это был период,
который представил ряд значительных улучшений в литературных, философских, музыкальных и
научных работах. Это был период, который возник в Италии в конце средневекового
европейского этапа, прежде чем распространился по всему континенту.

3.

Представители и места распространения
■ Первым представителем данного направления можно назвать Филиппо Брунеллески,
работавшего во Флоренции, городе, наряду с Венецией считающимся памятником Возрождения.
Затем оно распространилось в другие итальянские города, и во Францию, Германию, Англию,
Испанию, Россию и другие страны.

4.

■ Наиболее полно идеалы Возрождения выразили архитектура, скульптура, живопись, причем
живопись в этот период выходит на первый план, оттеснив архитектуру. Это объясняется тем, что
у живописи было больше возможностей отобразить реальный мир, его красоту, богатство и
разнообразие.

5.

Известные художники эпохи
Ренессанса
■ Леонардо да Винчи (1452-1519)
■ Микеланджело (1475-1564)
■ Рафаэль Санти (1483-1520)
■ Тинторетто (1518-1594)
■ Тициан (1488/1490-1576)
■ Альбрехт Дюрер (1471-1528)
■ Иероним Босх (1450-1516)
■ Сандро Боттичелли (1445-1510)

6.

Портрет госпожи Лизы дель Джокондо
Леонардо ди сер Пьеро да Винчи
(1503 -1519)
Где хранится - Лувр, Париж.

7.

■ Мона Лиза — это сокращенное наименование знаменитой работы.
■ Картина написана по всем канонам цветопередачи. Полупрозрачная черная вуаль, очень
похожа на вдовью, покрывает волнистые темные кудри Лизы. Волосы на голове разделены
ровным пробором, отчего лицо Моны Лизы кажется еще более эталонным и идеальным.
■ Матово-бледное нежное тело и руки выдают благородное ее происхождение. Красочный
пейзаж за спиной Моны Лизы: извилистые потоки, тропы и озера, дикая местность,
окруженная заснеженными горами. Это небольшое произведение искусства размером 76,8 х
53 см написано маслом на доске из древесины тополя.
■ Да Винчи любил экспериментировать с красками, поэтому в настоящее время полотно очень
потемнело. Сейчас состояние «Джоконды» крайне печально, в связи с этим картину из Лувра
не отдают на выставки. Кроме того, полотно покрывается сетью трещин, искусствоведы
опасаются, что картина начнет опадать.
■ Считается, что картина — это портрет Лизы Герардини, супруги флорентийского торговца
тканями по фамилии Дель Джокондо. Привез ее во Францию сам художник, который
перебрался сюда под покровительство короля Франциска I.

8.

«Тайная вечеря» Леонардо ди сер Пьеро да Винчи
(1497)

9.

■ Где хранится - Санта-Мария-делле-Грацие церковь в монастыре в Милане.
■ Фреску «Тайная вечеря» мастер писал по сухой штукатурке, разрисовывая стены Церкви СантаМария дель Грациа одного из Миланских монастырей. Леонардо да Винчи писал порошковыми
водорастворимыми красками «темперой», из за необычного стиля росписи стен, работу можно
приравнивать к картинам.
■ По сюжету — это последняя вечеря преданного Иисуса Христа вместе с двенадцатью своими
учениками и последователями перед распятием.
В центре — сам Иисус Христос. Он
провозглашает речь своим верным ученикам. Спаситель извещает последователей о том, что
один из апостолов предал его. Уже видна реакция слушающих речь Христа. Во время своего
обращения Иисус протягивает вперед руку ладонью вверх. На фреске видно, что Иуда застывает
в точно таком же вопрошающем жесте.
■ Освещение росписи выставлено таким образом, как будто дневной свет падает на персонажей
слева, а не изображенных за спинами сидящих, окон.
■ Эту роспись для свежепостроенной трапезной монастыря Санта-Мария-делле-Грацие в Милане
заказал Леонардо его покровитель Лодовико Сфорца. Работа над ней шла с 1495 по 1498 гг.

10.

«Сотворение Адама»
Микеланджело Буонарроти
(1508–1512 )

11.

■ В основе произведения — сюжет из Библии. Заказчиком работы выступил Юлий II.
Картина расположена на потолке здания Сикстинской капеллы, находящейся в
Ватикане. Изначально планировалось создать изображение 12 апостолов, но на
завершающем этапе было изображено более 3 сотен фигур, которые являлись
героями Ветхого Завета.
■ В основе композиционного строения — жест рук. Рука Бога выступает своеобразным
импульсом, а конечность Адама — принимающая сторона, при помощи которой по телу
распространяется жизненная энергия. Тем, что руки не соприкасаются, Микеланджело
подчеркивает невозможность полного соединения божественного и человеческого в
этом мире. В положении фаланг пальцев, в простом и незамысловатом жесте
прослеживается неуверенность и слабость. Силы только просыпаются: он пока не
ощущает возможности, нет осознания силы. Рядом с Творцом — ангелы, которые
придают произведению ощущение воздушности. Наличие красных драпировок рядом
с Богом Отцом усиливают ощущение силы и власти

12.

«Давид» Микеланджело Буонарроти

13.

■ Статуя высотой 5,17 м изображает обнаженного иудейского царя Давида перед битвой с
опасным врагом — воином Голиафом. Он спокоен, но сосредоточен и готов к бою. Мышцы
слегка напряжены, губы сжаты, а брови сдвинуты и нахмурены. Флорентийская статуя
Давида изображена с анатомической точностью и осмотреть ее можно со всех сторон.
Однако некоторые ученые утверждают, что для достижения особой выразительности
скульптуры Микеланджело пошел на хитрость и исказил анатомию тела. Особенно
заметно это в его верхней части. Непропорциональна и правая рука Давида, которая
слишком большая по отношению к телу.
■ Монумент должны были установить в кафедральном соборе Флоренции на одном
из контрфорсов. Со временем заказ, изначально абсолютно религиозный, стал
политически ангажированным. Создание статуи происходило в атмосфере тайны.
Микеланджело работал один, передвигаясь вдоль скульптуры по строительным лесам.
Работы велись независимо от погоды и времени суток. Совершенная статуя Давида
настолько потрясла их воображение, что большинством голосов было решено не
размещать ее возле кафедрального собора. Ее установили в лоджии Ланци, где дела
города обсуждал выборный совет. Транспортировка статуи заняла четыре дня. Именно в
это время иудейский царь Давид, увековеченный в мраморе, потерял свое религиозное
значение. Отныне он стал символом борьбы народа Флоренции за свободу., скопировано
с сайта architectureguru.ru
■ Скульптура выставлена во флорентийской Академии изящных художеств и доступна для осмотра
всем желающим.

14.

«Афинская Школа» – Рафаэль Санти
(1509-1511)
Место нахождения: Апостольский Дворец в Музеях Ватикана (Ватикан, Рим, Италия)

15.

■ В 1508 году по приглашению папы Юлия II Рафаэль отправляется в Рим. Папа поручает
художнику роспись парадных залов (станц) Ватиканского дворца. Фреска «Афинская школа»
воплощает величие философии и науки. Ее основная идея — возможность гармонического
согласия между различными направлениями философии и науки — принадлежит к числу
важнейших идей гуманистов. Под сводами величественного здания расположились группами
древнегреческие философы и ученые.
■ В центре композиции находятся Платон и Аристотель, олицетворяющие античную мудрость и
представляющие две школы философии. Платон указывает пальцем на небо, Аристотель
простирает руку над землей. Воин в шлеме — Александр Македонский, он внимательно
слушает Сократа, который, что-то доказывая, загибает пальцы. Слева, у подножия лестницы,
Пифагор, в окружении учеников, занят разработкой математических проблем. Человек в венке
из виноградных листьев — Эпикур. Человек, сидящий в задумчивой позе, опершись на куб, —
Микеланджело в образе Гераклита. На ступеньках лестницы расположился Диоген. Справа
Евклид, склонясь над доской, измеряет циркулем геометрический чертеж. Ступени лестницы
символизируют этапы овладения истиной. Рядом с Евклидом стоят Птолемей (держит в руках
земной шар) и, вероятно, пророк Зороастр (держит небесный глобус). Чуть правее стоит сам
художник (смотрит прямо на зрителя). Хотя на фреске представлено свыше 50 фигур,
свойственное Рафаэлю чувство пропорций и ритма создает впечатление удивительной легкости
и простора.

16.

«Венера Урбинская» Тициан
(1538)
■ Где находится - Галерея Уффици, Флоренция.

17.

■ Считается, что она была написана по заказу герцога Урбинского Гвидобальдо II дела Ровере в
подарок невесте. Кто стал прототипом к написанию образа Венеры, точно не известно. Но есть
версии, что художник писал портрет юной невесты Гвидобальдо II Джулии Варано с матери
герцога. Так как на момент написания картины Джулии было всего 10 лет.
■ Критики склоняются к мнению, что картина несет в себе иносказательный смысл, аллегорию
брака. Так розы являются символом женского плодородия, мирт на окне – символом брачной
жизни, а собачка, спящая в ногах девушки – символом верности. Две служанки у сундука
занимаются приданым невесты, что также свидетельствует о том, что это свадебная картина. В то
же время чистота образа девушки подчеркивается белизной белья, на котором она возлежит. Ее
тело как бы светится на фоне темного интерьера. Используя прием сфумато, художник смягчает
границы пышных форм. Их будто окутывает дымка. С помощью цветовых контрастов мастер
создал чувственный образ девушки, сознающей свою красоту, хотя и выглядящей слегка
смущенной. Натурально и тонко он передал детали- украшения, волосы, ткани.

18.

«Рождение Венеры» – Сандро Боттичелли
(1484-1486)
■ Место нахождения: Галерея Уффици (Флоренция, Италия)

19.

■ Заказ на эту работу художник получил в 1482 от Лоренцо Медичи — родственника правителя
Флоренции. На создание мирового шедевра художнику потребовалось четыре года. Эта картина
долгое время украшала стену одной из резиденций Медичи. Полотно мало кто видел, оно висело в
супружеской спальне. От публики эта работа была скрыта более пятидесяти лет. «Рождение
Венеры» — одна из целой серии картин, где Боттичелли изобразил девушку, в которую был
влюблен долгие годы, — прекрасную Симонетту Веспуччи. Сама того не желая, красавицафлорентийка стала символом женственности для известного художника. Сандро был пьянен ее
образом, восхищался ангельской внешностью и кротким нравом.
■ На картине Боттичелли воспевает единство духовного и материального, союз небесного и
земного. В эпоху Возрождения многие художники обращались к мифологии, Сандро Боттичелли не
стал исключением. В его работах можно заметить аллегории, заимствованные из
древнегреческих и римских мифов. Живописцы Ренессанса использовали эти образы для
пропаганды гуманистических идеалов. Образ богини, изображенный Боттичелли, попадает под
принятые каноны красоты: у нее гладкая нежная кожа, небольшая грудь идеальной формы,
потрясающие локоны, — кажется, что в них запутались солнечные лучи. Она поднимает ногу, чтобы
сойти со своей позолоченной ракушки, и в это время ветер осыпает ее цветами. Античная богиня
подплывает к острову в раковине, направление придает Зефир, символизирующий западный
ветер. Замечено, что в Средиземном море ветра с запада дуют в основном весной. Поэтому
можно утверждать, что рождение из пены произошло в это время года. Нежное лицо Венеры
Боттичелли у многих искусствоведов ассоциируется с образами мадонн, а ее утонченная фигура —
с творениями древнегреческих зодчих. Так флорентийский мастер продемонстрировал культурную
взаимосвязь идеалов красоты античности и христианства.

20.

«Сад земных наслаждений» Иероним Босх
(1500-1505)
Находится - музей Прадо, Мадрид

21.

■ Авторское название работы неизвестно, нынешнее наименование дали искусствоведы.
В левой части триптиха представлен рай. В Эдемском саду нарисован Бог, подводящий Еву к Адаму,
реальные и мифические животные, а также, все то сущее на земле, что создал Творец. Правая часть
символизирует ад. Там Босх изобразил самые страшные свои фантазии – машины пыток, ужасных
чудовищ, всевозможные людские страдания. В центральной части развернулось пространство,
которое называют садом земных наслаждений. Именно там разворачивается основное действо.
Полотно буквально кишит обнаженными фигурами людей, которые всячески наслаждаются и
развлекаются. Поедают огромные фрукты и ягоды, резвятся с животными, купаются в воде и
предаются плотским утехам. Босх словно выплеснул на картину все самое неприглядное и грязное,
что таится в человеческом подсознании. В этом смысле живописец может считаться первым
сюрреалистом. Художник словно развертывает историю человечества от дня создания до
Апокалипсиса. Люди жили в раю, а потом были оттуда изгнаны из-за своего грехопадения. Но
изгнание их ничему не научило, они продолжают жить в грехе, падая все ниже и ниже. Так все
человечество окажется в аду, где их ждут бесконечные страдания.
Первыми владельцами творения стали представители немецкого рода Нассау, однако вскоре
картина возвратилась на родину, в Нидерланды. Тогда во дворце Вильгельма I творение Босха увидел
один из первых его биографов, что оставил подробное описание «Сада земных наслаждений». На
триптих можно смотреть в двух вариантах – закрытом и открытом. Он представляет собой картину с
раскрывающимися створками. Что интересно, даже в закрытом варианте работа представляет
весьма впечатляющее зрелище, содержащее немало секретов Босха. На двух закрытых створках
триптиха изображён земной шар, выполненный в форме сферы. На нём нет ни растений, ни
животных, ни людей. Он напоминает прозрачный шар, что символизирует хрупкость первозданного
мира.